Entre canciones

Un remador del rock

2011-12-22T11:09:00.000-08:00

A los 19 años vivió un éxito fugaz con su grupo Cosméticos en los 80. Actualmente, Julio Breshnev toca en Vetamadre hace más de quince años. Hace meses lograron su pico más alto abriendo para Aerosmith. Cómo mantenerse en el camino de la música a pesar de no vivir de eso.

La mayoría de las personas cuando se cruza a alguien por la calle lo saluda agitando la mano. Él no. Te ve de lejos y levanta la mano también, pero te hace cuernitos. Los cuernitos del rock. Esos que popularizó el gran Ronnie James Dio, gracias a que su abuela le enseño que de esa manera se alejaban las malas vibras. La mayoría de las personas también tienen entrevistas de trabajo. Él tiene zapadas en salas de ensayo en donde el CV se ve en carne propia.
Tampoco todo el mundo es un músico con más de veinticinco años de trayectoria, ni tiene una banda con seis discos editados. Tampoco todo el mundo lo conoce, porque su grupo lleva la etiqueta de banda de culto, esa que se usa para aquellas que son un secreto bien guardado a punto de explotar pero que nunca se sabe cuándo.
Él es Julio Breshnev. Edad: 46 años Profesión: cantante y guitarrista.
Junto a Coca Monte, Federico Colella y Martín Dejean hace más de quince años que comandan Vetamadre, una banda de rock alternativo que cuenta con cinco discos de estudios y uno en vivo, nominado como mejor producción del año para los premios Gardel 2008. En 2010 sacaron Otroviaje, un disco que marca una nueva etapa en el grupo con un sonido poderoso y melódico al mismo tiemp. A fines de 2011 se encargaron de telonear nada más y nada menos que a Aerosmith en el Estadio Único de la Plata.
Y ahí estaba Julio Breshnev. Parado en el medio del escenario con su Gibson SG colgando, moviendo sus brazos, girando sus ojos de lado a lado y clavándose en el público. Ahí estaba el cantando para casi 25000 personas teniendo en cuenta la hora que era, con su chiva kilométrica y su pelo por los hombros enmarañado moviéndose con el viento. Ahí estaba Vetamadre, tal vez, en uno de los puntos más altos de su carrera.
Vetamadre se cruzó en la vida de Julio Breshnev allá por fines de los 90. La historia dice que lo llaman de The End, una de las principales bandas tributo a Pink Floyd del país, para ocupar el lugar de cantante. Breshnev aceptó cantar, pero advirtió que sería por un corto lapso de tiempo. En un show en Mar del plata, se encontraban haciendo el sonido del recital Coca Monte, bajista de Vetamadre y Miguel Andrieux, primer guitarrista de la banda. “Este es nuestro cantante Miguel. Este es el cantante de Vetamadre”, le dijo Coca. Casi un año después, Julio se encontraba actuando en una obra en el teatro Lola Membribes. El sonidista era Miguel Andrieux. Charlaron y lo invita a zapar con el grupo. Y el acepta.
Pero esa misma semana también había recibido otra propuesta. “Justo cuando me buscan también me llamaron de Club Gong, un grupo de reggae que tenía un cantante jamaiquino que se había ido. Era la banda de Ale Perico, el primer bajista de los Pericos. Esa semana me fui a los dos ensayos. Pero de la misma manera que no quería una banda tributo, tampoco quería una de reggae, por más que me gusta el género. Ale Perico, me decía ‘pero te vas a ir con Vetamadre, no los conoce nadie. Nosotros tenemos contrato con una discográfica’. Pero bueno, ahora sí que a Club Gong no los conoce nadie”, cuenta entre risas Breshnev.
“Cuando lo vi cantar pensé que tenía que ser el cantante de la banda. Es un músico muy talentoso y un letrista genial. ¡Una persona maravillosa! Fue un regalo que me dio la vida compartir este camino con él”, cuenta Coca Monte.
No todo fue color de rosa durante su ingreso. Al poco tiempo que entró se fue Omar Possemato, percusionista y después Miguel Andrieux dejaría la banda. “Entré con tanta energía que se generó toda una cosa. El percusionista (Possemato) se fue al poco tiempo que entré. Después yo me rapé la cabeza. Estaba con esta idea de una banda de rock a pleno, y el violero (Andrieux) pensaba que yo tenía otra onda y se bajó. ‘Nunca vamos a ser exitosos’, nos dijo. Probamos varios guitarristas hasta que terminé yo tocando”, relata.
Tal vez, ese éxito del que les hablaba Andrieux, le llegó a Julio de manera inesperada. Pero para esclarecer el tema, primero lo primero. Breshnev además de tocar en Vetamadre, conduce el programa Rewind In Concert en MuchMusic, supo conducir ciclos en la difunta radio Kabul, formó parte del coro del programa Fax de Nicolás Repetto y también graba jingles. Uno de los que le tocó grabar fue “Tanta gloria, tanto fútbol”. La publicidad de Quilmes para el mundial de fútbol 2002 que se escuchó hasta el hartazgo en todos lados. El teléfono de Breshnev no paró de sonar con propuestas para regrabar el tema, hacer playback en televisión e ir a las radios, pero él se negó rotundamente en todo. “Tocar Tanta gloria tanto fútbol al programa de Tinelli no hubiera estado bueno, por más que eso me hubiera puesto en otro lugar como artista, cosa que no creo. Son esas decisiones que después estas orgulloso de haberlas tomado”, asegura. “Veo que en muchos años de mi vida, me ‘prostituí’ haciendo esos trabajos que siempre me resultaron sencillos y es guita fácil. Ahí es donde muchas veces me pregunté qué estoy haciendo. Pero, ¿acaso voy a estar laburando en una tintorería?”.

Breshnev vivió casi toda su infancia en Olivos. Asegura que no viene de familia de músicos, pero que ya de chico se imaginaba siendo cantante. La idea se afianzó todavía más cuando la vida lo cruzó con el disco Nursery Crime de Genesis. “Cada vez que lo encuentro en algún lado lo quiero comprar. Es un disco que hablaba de cosas nuevas. Me acuerdo que apagaba la luz de mi cuarto y me ponía a escuchar eso, King Crimson, Queen”, relata.
En el colegio era el “pibe que tocaba la viola” y cantaba temas como Wish You Were Here de Pink Floyd, San Francisco y el lobo de Serú Girán o Aprendizaje de Sui Generis. En cuarto año del colegio cantó en una fiesta de fin de año y una persona que estaba en el lugar le vio condiciones como para grabar un disco. Comenta que tiene un amigo que trabaja en una discográfica y que le va a presentar la idea. “Le cuento la propuesta a mi profesor de guitarra y él me dice: ‘pero no sabía que querías tocar en una banda, yo estoy armando una pero me falta el cantante. Te aseguro que si venís conmigo en un año grabamos nuestras propias canciones’. Para mí fue buenísimo, tenía 19 años y un disco grabado en una compañía discográfica. Estábamos en la misma compañía que Virus, Suéter y muchas otras bandas”, relata Breshnev.
La banda se llamó Cosméticos y lanzaron su primer disco en 1985. El álbum incluía un tema que se llamaba Hu-na-na que se volvió un hit. Ahí empezaron las giras, los autógrafos, los gritos ensordecedores y las fanáticas. “Me acuerdo una vez que estábamos saliendo de un show y yo usaba los jeans rotos en las rodillas. Una mina me enganchó del jean y de repente eran como cinco o seis que me empiezan a agarrar y atino a gritarle al plomo: ‘Freddy, Freddy sacame’. Justo me escucha y me rescata de ahí. Me terminaron llevando a una oficinita en donde pasaban las chicas y me daban un beso. Las saludaba una por una. Imaginate tenía 19 años, era genial”.
Pero la magia de Cosméticos se terminó con un segundo álbum que no funcionó tan bien como el primero y entre idas y venidas se disolvieron. En el interín Julio saco un disco solista, marcado por el fin de una relación llamado Tentaciones. Ya a principios de los 90 decide dar un cambio de página e irse a estudiar música a Estados Unidos. “Yo había hecho una guita con Cosméticos. Vendí el auto y me fui a Estados Unidos a estudiar música. Allá descubrí otra escena y también que no todo lo que brilla es oro. En Los Ángeles hay un montón de músicos de todo tipo, pero vos tocás algo un poco distinto y ya todos te miran. La verdad pegué mucha onda con Los Ángeles, pero la circunstancias de la vida me hicieron volver a Buenos Aires”.
Ya de vuelta en el país trabajó en el programa Fax de Nicolás Repetto, estuvo en el Rocky Horror Show y después vino Vetamadre. “Definitivamente la banda de mi vida”, asegura.
Mantener una grupo en el circuito de rock porteño de manera independiente por más de 15 años no es nada fácil. Sin ir más lejos, muchas de las bandas contemporáneas a ellos tiraron la toalla y se cansaron de pelear contra una industria que da muy pocas oportunidades. Grupos como Sancamaleón, Interama, Entre Ríos o Bauer son una muestra de ello. “Para Otroviaje (su último álbum) fue uno de esos momentos en donde llegamos a plantearnos que si esto no funciona, hasta acá llegamos. Por eso dijimos si hacemos un disco más vamos a hacerlo buenísimo y a hacer una música que nos resulte irresistible”, cuenta Breshnev. “Lo hicimos con mucha entrega, con mucha concentración, apuntando siempre para el lugar que más o menos queremos ir. Salió el disco y la Rolling no sacó ni una mini reseña del disco. Pero si salimos en todos los diarios y fuimos tapas de todas las revistas under. Y eso es buenísimo, porque fuimos creando una base muy sólida, ya no sos una nota más, sos la tapa y es algo que no pautas con nadie. Es como el Facebook de Vetamadre, tenemos alrededor 3000 personas que nos siguen, para muchos será muy poco. Pero es mejor tener esos tres mil reales que once mil ficticios y terminar siendo una de esas bandas que desaparecen de la noche a la mañana”, asegura.
Escalón por escalón el grupo fue ganando un nombre, acumulando kilómetros y anécdotas por cada rincón recorrido por el país. “Una vez con Julio y toda la banda paramos en una parrilla de la ruta a almorzar. Estábamos planeando hacer nuestro tercer disco, de repente mencionamos que una de las canciones debía ser ‘más punk’ y la moza que nos atendía nos dice ‘¿Más pan? Enseguida les traigo’. Calculo que nos reímos todo el almuerzo y más”, rememora Coca Monte.
Los planteos y las dudas acerca de seguir haciendo música o no siempre están. Pero ahí es cuando la pasión por hacer lo que uno quiere termina ganando sobre todo lo demás. “Hay veces que decís ¿qué significa esto? No vivís de la música ni sos una figura conocida, pero bueno te da el placer de que cada vez que me encuentro con alguien en la calle y me saluda siempre es con un respeto y una admiración muy grosa. ‘Uy, Julio boludo, me encanta lo que hacen, los temas que escribís’. Y cuando laburara en Fax, me gritaban ‘Faaax faaax’. Es distinto, si vivís de la pavada, bancate la pavada. La música te da eso, una devolución que no se puede comprar con nada, que es muy gratificante”, asegura.
Julio también cree que los altibajos en la carrera de la banda se deben a varias circunstancias como la distancia entre un disco y otro o con los tiempos de la industria en determinados momentos. “Igual es tan difícil, porque el momento en el que va más gente a tu shows pensás que es el momento para cerrar con una discográfica y si lo hacés, la mayoría de la gente que te va a ver va a decir que te vendiste”, explica.
¿Qué implica venderse para ciertos sectores de la música independiente? Firmar con una multinacional, dejar de ser independiente y por eso engañar tus principios. Lo que convierte a la banda en parte del engranaje de la industria.
¿Qué es venderse para Julio Breshnev? “Hacer algo que no querés para ser exitoso, tener plata o garchar minas. Creo que el contrato con el diablo es grabar una canción que no te gusta y que esa canción sea exitosa. Nosotros nunca vamos a ser esos de los que salen en la radio y dejan de hacer su música. Mirá a REM, sacaron Losing My Religion y es su tema insignia pero no dejan de hacer su música y lo que son”.
Hoy la vida de Julio gira alrededor de sus dos pasiones: Vetamadre y su hija recién nacida, Mia. Fue padre por primera vez a los 46 años y se enteró que su pareja estaba embarazada antes de salir a tocar en Mar del Plata. “Hoy la veo y nada me enamora más, voy a todos lados, a cada estudio. Quiero estar todo el tiempo con ella, ya estoy escribiendo unas cositas también así que algo aparecerá de eso”, cuenta.
¿Vetamadre haciendo canciones de cuna? Parece raro, pero uno nunca sabe…

Catupecu Machu en el Luna Park: Reinventarse les sienta bien

2011-12-05T12:44:00.000-08:00

En la historia de Catupecu Machu los cambios, tanto musicales como humanos, son una constante. Desde la salida de Abril Sosa, pasando por el accidente de Gabriel Ruíz Díaz al reciente éxodo de Javier Herrlein en batería y Fausto Lomba, manager histórico de Catupecu, la formación de la banda siempre fue mutando.
Pero como ellos suelen decir, todo queda entre amigos. Por eso hace unos años se sumó Sebastián Cáceres en bajo y guitarras y hace meses Agustín Rocino, ex bajista de Cuentos Borgeanos pero esta vez para ocupar su lugar detrás de los parches. Con esta nueva formación grabaron “El mezcal y la cobra” y ayer lo presentaron en vivo en el Luna Park.
Catupecu toca fuerte. Muy fuerte. Los temas de “El mezcal y la cobra” cobran una dimensión más rockera, suenan menos producidos. En especial la batería se escucha mucho más al frente que en el disco.
Sebastián Cáceres, con bajo en mano, corre por todo el escenario. Lejos de el músico tímido que parecía en los primeros shows con la banda, en la actualidad por momentos recuerda a la energía que ponía en vivo Gabriel Ruíz Díaz. Macabre por su parte, se mantuvo sólido durante todo el recital, destacándose en las segundas voces que le hacía a Fernando Ruíz Díaz.
Por otro lado, el foco estaba puesto sobre Agustín Rocino en su nuevo rol de baterista. Lejos de las sorpresas, cumplió con su deber sin sobresaltos. Eso sí, le imprimió un toque propio tocando con una batería muy particular con dos hi-hats y los platos a gran altura.
Pero el eje de toda la maquinaría Catupecu es el mayor de los Ruíz Díaz. Fernando en vivo explota. Es una subibaja de emociones. Por momentos grita y corre por todo el escenario. Por otros se emociona y se queda sin palabras. Sólo cierra los ojos y se deja llevar, ya sea por los gritos de ánimo para su hermano Gabriel (que estuvo presente en el Luna Park casi todo el recital) o en la energía que le brindaban coreando sus canciones.
Durante el recital no solo aprovecharon para tocar temas de su flamante disco, sino también para reflotar canciones que no sonaban hace mucho como la muy festejada “Gritarle al viento” y “Grandes esperanzas”, ambas pertenecientes a Cuadros dentro de cuadros. Al día de la fecha algo que a Catupecu Machu no le falta son éxitos. Tal es así que se dan el lujo de despacharse con “A veces vuelvo” en el principio del recital.
“Es gracioso lo que pasa con las canciones, uno nunca sabe que va a pasar. Como con este tema que lo escribí después de una resaca atómica y terminó siendo un hit”, cuenta en modo storyteller Fernando Ruíz Díaz antes de arrancar con "Magia veneno" y desatar el primer gran pogo de la noche.
Más tarde, en uno de los puntos más altos de la noche, la banda abandona a Ruíz Díaz quien se despacha a capella con una emotiva versión de “Hay casi un metro al agua” y de “Persiana americana” de Soda Stereo, dedicada a su hermano y a Gustavo Cerati. “En el verano del 94 íbamos con Fausto, nuestro anterior manager, en el auto por la costa y yo tenía una grabación en cassete de 'Hay casi un metro al agua' sin letra, solo cantada con esas onomatopeyas que usamos los músicos. Me acuerdo de decirle a Fausto, 'te imaginas que algún día la gente cante ésta canción'”, cuenta para deleite del público.
Terminado ese momento íntimo, vuelve la versión completa de Catupecu a escena con “Metrópolis nueva”, su último hit. Recuperan una joya como “Eso espero” de aquel disco bisagra que fue Cuentos decapitados y para la hora de tocar “Plan B: Anhelo de Satisfacción”, suben los ya habitués Walas y Tordo de Massacre a interpretar el tema de su autoría.
Continúan con la clásica explosión que genera “Dale!” con todo el Luna Park a 80 cm del piso y el tándem "Origen extremo"/ “Y lo que quiero...” con Zeta Bosio de invitado. “Musas” de su último disco fue la elegida para cerrar el recital con un clima introspectivo, contrario a como es costumbre.
Catupecu Machu mostró en el Luna Park que a pesar de los cambios la esencia es la misma y que reinventarse a ellos les sienta bien. Porque como dice el refrán, "lo que no te mata te fortalece".

Charly García en el Gran Rex: Como ir a misa

2011-11-01T12:53:00.000-07:00

El Charly García del sábado pasado en el Gran Rex está lejos de aquel Charly Say No More. Ese que era tan genial como impredecible y que coqueteaba de cerca con la muerte. Tampoco es el Charly García de aquel mítico recital subacuático en Vélez. Ese que estaba torpe y en mal estado, pero vivo.
Este es un Charly García en rehabilitación. Uno que vuelve a tocar el piano, uno que vuelve a cantar y uno que sabe exprimir al máximo su prolífera carrera.
La lista de temas del show pasó de una joya a otra. Dividido en tres bloques, Charly pasó por temas de toda su carrera. Empezó con Instituciones, esa canción mítica incluida en el tercer disco de Sui Generis. Siguió con éxitos como “Pasajera en trance”, “Rezo por vos” y “Yendo de la cama al living”.
García se movió por todo el escenario. Tenía un piano a la izquierda, un teclado al medio y un moog a la derecha. Cuando Charly se reposaba en el piano, el Negro García López se apoderaba del escenario. Si el hombre del bigote bicolor es el DT, el Negro es el capitán de “The Prostitution”, la banda que formó con Kiuge Hayashida en guitarra, Carlos González en bajo, Toño Silva en batería, Rosario Ortega en coros, el Zorrito Von Quintiero en teclados, Fernando Samalea en xilofón, bandoneón y unos maniquies que disparaban samples y un trío de cuerdas liderado por Alejandro Terán.
"Influencia" le dio fin a la primera parte. Durante el intervalo se pasaron imágenes de la película el Perro Andaluz mientras la voz de Graciela Borges resonaba por el teatro diciendo frases de canciones de García.
El segundo acto no fue apto para cardíacos. Desde Como conseguir chicas sonó esa gran canción que es Fantasy. Al toque siguió con “Alicia en el país” y la emoción se hizo presente en casi todos los espectadores. “No soy un extraño” se vio opacada por el volumen excesivo del loop que disparaba el Zorrito. Dedicó “Cuchillos” a Mercedes Sosa y arremetió con otro tema que lleva también su marca: “Inconsciente colectivo”. El combo “Promesas sobre el bidet” - “Perro andaluz” fue demasiado para los fanáticos que no podían creer lo que estaban viviendo.
“Gracias por venir y un aplauso para mi representante que se queda con toda la guita”, lanzó un ácido García antes de despacharse con “Rasguña las piedras” y que el Gran Rex se transformara en un inmenso fogón.
Si el bloque anterior tenía una gran carga emotiva, ni hablar entonces de la seguidilla “Desarma y sangra”, “Eiti Leda” y “Fanky”. Tal vez un perfecto resumen en tres canciones de toda la carrera de García.
El fin parecía llegar. Los créditos aparecieron en pantalla mientras sonaba la versión rockera que el músico hizo del Himno Nacional y porque el público "se portó bien" -García dixit-, volvió a escena para regalarnos una versión de “Piano Bar” y el segundo himno nacional: “Canción para mi muerte”.
Fue un recital en donde las canciones tomaron otra dimensión. Cada tema fue un ritual. Si para algunos Charly es Dios, lo que se vivió el sábado fue como ir a misa.

Lista de temas: Instituciones / Pasajera en trance / Rezo por vos / Yendo de la cama al living / Necesito tu amor / Hablando a tu corazón / Influencia / Fantasy / Canción de Alicia en el país / No soy un extraño / Estoy verde / No llores por mi Argentina / Cuchillos / Inconsciente colectivo / Promesas sobre el bidet / Perro andaluz / Rasguña las piedras / Desarma y sangra / Eiti leda / Funky/ Piano Bar / Canción para mi muerte

El quinto Beatle

2011-10-14T13:24:00.000-07:00

Los productores tienen un papel cada vez más fuerte en el sonido de una banda. A qué se dedican y cómo es el trabajo de las personas que dirigen la creación de un disco.

Puede sonar anticuado o hasta romántico. Pero agarren su disco preferido. Ábranlo. Saquen el librito y vayan a las últimas páginas. Es probable que una maraña de créditos y agradecimientos llenen las hojas. Busquen donde dice “Producido por”. Anoten ese nombre, porque tiene mucho que ver en el resultado final del álbum.

No por nada muchos reconocen como el quinto Beatle a George Martin, su mítico productor. Es que muy pocos lo deben notar pero el trabajo de estos hombres cumple un rol fundamental en el sonido de un disco. “Es como ser el capitán de un barco, sos el responsable de llevar adelante un proceso creativo. Para eso tenés que tener el respeto y la credibilidad de los músicos con los que trabajás”, explica Matías Méndez, más conocido como El Chávez, productor de Gustavo Cordera, Sancamaleón, Andando descalzo, entre otros. “Es un mix musical y psicológico”, añade el ex baterista de Árbol.

Aunque parezca raro, es vital que se mueva el diván al estudio de grabación. “Uno está a cargo de lo artístico y de lo emotivo también. Hay mucho afecto cruzado. Todos tienen su visión de la música y de su instrumento. Si bien en cada banda hay como un líder, hay que escuchar a todos. Una idea buena puede salir de cualquier integrante”, comenta Juanchi Baleirón, cantante y guitarrista de Los Pericos y productor de varios de los principales discos de los últimos años como “Sistema nervioso central” de Estelares o “El mamut” de Massacre. “La línea entre ser más productor que psicólogo es flexible y firme a la vez. Contenedora pero adaptable. Yo estudié psicología y tengo una visión empapada y conocimiento básico. Pero la experiencia pesa mucho en estos temas”, agrega Baleirón.
La relación entre productor y banda también puede ser conflictiva. Muchos egos juntos luchando por una creación personal, sumado a un tercero que entra, opina y dirige, parece ser la ecuación perfecta para un potencial caos. Pero esto es parte del juego. “Básicamente ese es mi rol , ser el 'de afuera', el que tiene una visión más objetiva de lo que está pasando. La banda que decide llamar a un productor está abriendo el juego a un actor externo , es el abc”, sostiene El Chávez.
Por el contrario, Manza Esaín, lider de Valle de Muñecas y productor fetiche del nuevo indie argentino (Les Mentettes, Coiffeur, entre otros) no adopta una posición distante. “En general, trato de opinar como si fuese un integrante más del grupo, no de imponerme ni de dejar todo en manos de la banda”.
El trabajo de producción de un disco implica una entrega total. Lejos de los horarios de oficina, dentro el estudio el tiempo es un concepto que no existe. “Yo no miro el reloj, es todo el día”, resume Baleirón. “El trabajo es con dedicación total. Por eso cuando me involucro lo hago con el corazón, porque me gusta y el poco tiempo que tengo lo quiero poder dedicar por completo”, explica. Al ser un trabajo tan arduo, la elección de la banda a producir no es casual. “Hacer un disco lleva mucho tiempo y muchísima energía, así que si no hay onda con la banda es una pesadilla. Por eso elijo bandas que, más allá de que suenen bien o mal, me parezca interesante lo que generan”, comenta El Chávez.
Cada productor tiene sus métodos para empujar al artista a dar lo mejor de sí y conseguir el mejor disco posible. Pero, ¿qué características no pueden faltarle a un productor? “Haber escuchado mucha musica y haberla analizado conciente o inconcientemente es primordial”, afirma Esaín. “Conocer los medios técnicos con los que se trabaja también. Saber escuchar, tener tacto para saber cuando hablar y cuando callar, y para darse cuenta si el artista ya dio todo lo que tenia para dar o si hay que empujarlo un poco más”, agrega el líder de Valle de Muñecas. Para Baleirón, el productor debe ser “completito”. Eso no implica que debe tener “un conocimiento enloquecido de música y de arreglos. Hay que saber tercerizar también, buscar un ingeniero de confianza en caso de no poder hacer uno mismo el trabajo. El productor tiene que tener la visión macro. Ingenieros hay muchos buenos, repertorios también. Vos tenés que poder sacar lo mejor de la banda”.
De eso se trata el labor de los productores. De potenciar a un grupo, de llevarlos hasta el límite. Para algunos no son más que ese nombre que aparece en las últimas hojas de los discos, para otros son grandes figuras a las que le rinden culto cada vez que apretan play.

Songs for an Imaginary Film, el nuevo disco de Les Mentettes

2011-09-30T11:31:00.000-07:00

Ya lo cantaron Los Beatles hace más de treinta años, pero hasta el día de hoy sigue siendo una máxima universal. Son diez temas que hablan de (des)amor, de experiencias, de sensaciones, de pensamientos que todos alguna vez tuvimos. Ahí radica el fuerte de Songs for an Imaginary Film, el nuevo disco de Les Mentettes. En hacer canciones simples en las que la mayoría de las personas se puedan sentir identificadas, tal vez lo único que dificulta esto es el hecho de que estén cantadas en inglés. De todas formas, las melodías no tienen idioma.

&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://lesmentettes.bandcamp.com/album/songs-for-an-imaginary-film"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;Songs For An Imaginary Film by Les Mentettes&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;

Red Hot Chili Peppers: ¿la guitarra no se mancha?

2011-09-19T14:22:00.000-07:00

Los Red Hot Chili Peppers se presentaron en River con Josh Klinghoffer como guitarrista y demostraron que lo que importa son las canciones.

Foto: www.rollingstone.com.ar

Dicen que toda crisis esconde una oportunidad. Así parecen tomarlo los Red Hot Chili Peppers, que tras la segunda partida de John Frusciante, reclutaron a Josh Klinghoffer como su nuevo guitarrista. Un nombre que puede sonar poco conocido pero con un CV envidiable, sino pedir referencias a Beck, PJ Harvey y al mismísimo Frusciante, tocó con el en casi todos sus discos solistas y hasta grabaron un EP a dúo.
Con esta formación y con disco nuevo a cuestas, los californianos se presentaron por quinta vez en el país en el estadio de River Plate.
En escena se notan los años que tienen en el rubro. Flea debe tener un master en rock de estadios a esta altura. Corre de acá para allá, salta descontroladamente y es dueño de un virtuosismo envidiable a la hora de tocar el bajo. Chad Smith es un baterista duro, de esos que toda banda de rock debería tener.
Anthony Kiedis no pasó desapercibido con sus ya clásicos bailes exóticos. Cantó bastante mejor que en anteriores oportunidades y a pesar de algunos pifies en las letras tuvo una buena actuación. El último integrante, donde todos los ojos se posaron expectantes, cumplió muy bien con su rol. Pero no el de reemplazar a Frusciante, sino el de ser Josh Klinghoffer.
Con él las guitarras no mandan. Pasan a ser un recurso más de la canción y no un protagonista excluyente. De hecho, a muchos de los solos les faltó fuerza y tal vez apretar más seguido el pedal de distorsión. Ganaron en prolijidad pero perdieron en potencia.
Abrieron con la nuevita “Monarchy of Roses” pegada a “Can't Stop” y desatando el primer gran pogo de la noche. La respuesta del público era notablemente menor para los temas nuevos en comparación con los clásicos, salvo excepeciones como en el corte de difusión “The Adventures of Raindance Maggie” o “Look Around”.
Promediando la mitad del show apareció lo mejor del repertorio. La inesperada “Blood Sugar Sex Magik” encantó a los más fanáticos, el cover que grabaron en Mother's Milk de “Higher Ground” de Stevie Wonder descontroló a todo el público y para cubrir la dosis necesaria de hits sonaron “Californication” y “By the Way”.
Para la hora de los bises, volvieron sin causar mucho revuelo con “Dance, Dance, Dance”, para después descargarse con “Parallel Universe” y despedirse con “Give It Away”, su primer gran éxito.
No hubo gritos desesperados pidiendo el regreso de Frusciante, solo comentarios por lo bajo sentenciando lo que ya todo sabemos, que con él era otra historia.

Florencia Ruíz: Música sin fronteras

2011-09-01T09:56:00.000-07:00

Florencia Ruíz acaba de lanzar Luz de la noche. Fue editado en Japón, México, EEUU y Argentina al mismo tiempo. Cuenta con invitados como Hugo Fattoruso y Ariel Minimal.

“Me siento con la guitarra y busco la canción, la llamo. A veces viene y otras no”. En este caso fueron 14 las canciones que dieron el presente y terminaron en Luz de la noche, el nuevo disco de Florencia Ruíz. Un álbum que se aleja de los climas intimistas que ofrecen sus anteriores trabajos y se anima a un sonido más grandilocuente. “Luz de la noche tiene sus momentos de intimidad pero está concebido desde la apertura”, explica la cantautora. Este cambio lleva la marca registrada en la producción y los arreglos de Carlos Villavicencio. Un nombre que puede sonar desconocido para muchos pero que se repite en los créditos de varios discos fundamentales de rock nacional como son “El amor después del amor” y “Circo Beat” de Fito Páez, “La hija de la lágrima” de Charly García o en “Los ojos” de Luis Alberto Spinetta.
“Fue un sueño hecho realidad trabajar con Villavicencio, compartir tanto tiempo y observar sus modos de encarar los arreglos, la producción y la dirección. Fue un crecimiento a todo nivel. Alentándome siempre a componer, a estudiar y a buscar una nueva canción. Sin dudas trabajar con él cambió mi vida y mi música para siempre”, sentencia la cantante.
En una primera instancia, Ruíz había planeado un disco de unas doce canciones para grabar prácticamente en vivo. “La idea era un trabajo de guitarra y voz”, aclara. Al enseñarle las canciones a Villavicencio, de esas doce solo quedaron cuatro y el resto fueron compuestas durante el 2009 antes de entrar al estudio.
El otro gran aporte del disco viene de la mano de varios “músicos geniales”, como le gusta calificarlos. El uruguayo Hugo Fattoruso aporta su piano, Jaques Morenbaum su cello y Ariel Minimal, su coequiper en lo que fue esa aventura llamada Ese impulso superior, participó con su guitarra, entre otros artistas.
La suma de todos estos factores generó un álbum que atraviesa las fronteras tanto musicales como geográficas ya que este disco fue lanzado simultáneamente en Japón, Estados Unidos, México y Argentina.
Internet tiene mucho que ver en todo esto. Aunque ella considere que está siempre pasos atrás en materia tecnológica sostiene que las redes sociales son muy importantes para la difusión. “Me interesa la accesibilidad y me gusta el contacto que permiten. Por ahora no escucho música de otros en Internet ni me bajo discos pero se que están ahí, al alcance de la mano y eso me atrae”.
Precisamente, durante su segunda gira por Japón en mayo pasado abrió un blog (florenciaruizmusica.blogspot.com) a modo de diario online, en donde relataba sus distintas experiencias por tierras niponas.

- ¿Cómo es tocar para un público con una cultura tan diferente como la japonesa?
- Es un regalo de la vida, de la música. Una experiencia única. El público japonés es totalmente abierto y receptivo y se entrega a la experiencia musical.

- ¿Qué diferencias notás con el público argentino?
- No me gusta comparar y además creo que en este caso es imposible, hay una distancia muy grande entre oriente y occidente. La música une y construye lazos muy fuertes y es genial tener tantos queridos amigos allí y tanta gente esperando mi obra.

- ¿Qué expectativas tenés con este disco? ¿Dar un salto, ya sea en público, difusión, etc?
- Siempre se espera lo mejor y sería buenísimo que llegara a la mayor cantidad de gente porque creo que es un trabajo hermoso y accesible. Mi deseo primero fue dar un paso como música y compositora de canciones. Relacionarme con los músicos referentes para mí y aprender con ellos. Por ahora me ha generado muchas alegrías y creo que todavía se puede hacer un trabajo de promoción y difusión. Los discos cuentan con ese beneficio, tienen todo el tiempo a su favor y además este trabajo tiene cuatro ediciones.

- ¿Cómo tomás que temas como Todo dolor o Naves, del disco Mayor, podrían haber sido grandes hits radiales pero por la poca difusión terminan siendo pequeñas joyas del under?
- Nunca me propuse hacer un hit radial ni estar a la moda. Mi deseo es ser buena música y mantenerme buscando siempre. Por otro lado pienso que no se si podría ser un hit radial una canción llamada “Todo dolor” u otra llamada “Naves”. Al menos, no para los cánones de la radio. Ambas son hermosas canciones, muy queridas por mí y me han dado bellos momentos. En “Todo dolor” participan Hugo Fattoruso y Jaques Morelenbaum. Un lujo increíble, una confirmación de estar en el camino correcto.

- ¿Es posible la realización de otro disco del dúo Minimal-Ruiz?
- Siempre está abierta la posibilidad. Por ahora estamos abocados cada cual a lo suyo pero la amistad y las ganas de armar algo juntos siempre están latentes. Me encantaría hacer discos con varios músicos, es una instancia de crecimiento y de aprendizaje muy importante para todo músico. Un hombre solo no puede hacer nada.

Escuchá "El futuro, Flor" de Luz de la noche:

Reducción de daños, el nuevo EP de Flopa-Minimal

2011-08-14T14:24:00.000-07:00

Son cuatro canciones ideales para escuchar cuando cae la tarde. “Música linda”, como se describe en los tags de su sitio en Bandcamp a este nuevo EP del dúo Flopa-Minimal.

Reducción de daños se basa en la simpleza. Guitarras acústicas, cada tanto una que otra eléctrica y la combinación de las voces del alma mater de Pez con la de su coequiper Lestani son los ingredientes necesarios para generar una atmósfera intimista.
El disco arranca con “Atolondrón”, un tema fogonero por excelencia que reclama repetición constante. “Las momias” tiene un leve aire bossa y el primer solo de guitarra de todo el álbum. “Es invierno” tiene la emoción como rasgo distintivo. La voz de Flopa va desglosando las sensaciones de un invierno en donde “la conciencia quisiera quedarse dormida”. El último tema, “¡Así se trabaja!” tiene un tempo lento y pausado, cada palabra se mantiene en reverb en nuestra cabeza formando el soundtrack ideal para desconectarse de la vorágine de la vida urbana.

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Blind Melon en Niceto: mucho más que un one hit wonder

2011-08-02T13:14:00.000-07:00

Si quedaba alguna duda, Blind Melon demostró en Niceto dos cosas. La primera, que Shannon Hoon, su difunto cantante y alma mater, es irremplazable. Pero eso no quiere decir que se tenga que convertir en una banda tributo a sí misma. Blind Melon es una nueva banda con Travis Warren como vocalista. Una que sabe que sin su pasado hoy no estarían tocando, pero que no se encasilla en eso y mirá al futuro.
La segunda, que Blind Melon no es un one hit wonder. “No Rain” fue el tema que le dio su lugar en el podio de los 90, es la canción que toda banda necesita tener para crecer y es el tema que hasta tu hermanita que escucha Justin Bieber lo conoce, pero reducir a una banda como ésta a un solo tema es una falta de respeto. Y esto se confirma en la cara de las mil y pico de personas que estabamos en Niceto, que fueron a ver a un grupo, no a escuchar un tema.
Desde el comienzo con “2x4”, el pogo y los coritos tipícamente futboleros iban a ser un recurrente en toda la noche. Continuaron sin parar con “Toes Across The Floor” y “Soup” sirvió para calmar un poco a las fieras.
En vivo la banda es tan buena como en estudio. Se nota que los años que llevan recorriendo escenarios no son en vano. Suenan realmente potentes y Travis Warren, el nuevo cantante, sabe lo que hace y no necesita demostrarle a nadie por que está ahí. Tiene sangre de frontman y un registro vocal que le permite cantar todos los temas con total ductilidad.
A los cinco miembros de Blind Melon se los veía contentos, sin poder entender lo que estaban viviendo. Entre tema y tema paraban para filmar al público, como si estuvieran ante un fenómeno extraño.
Para “Skinned”, Warren pide un kazoo, esa especie de silbato chillón, y sube a un flaco con la remera de la selección nacional al escenario. El grito de guerra de “¡Dale la remera!” no impidió que este invitado improvisado bailara descontroladamente en el escenario y se sienta un rockstar por cinco minutos.
El punteo inicial de “No Rain” se volvió coro apenas empezó a sonar. Era la canción que tenía que estar, la que no podía faltar. Hasta el fan más renegado la cantó en cada segundo. Pero el pico más alto de comunión entre público y banda no se dio con el hit. Se dio con el himno. Los primeros acordes de “Time” desataron la locura, tanto arriba como abajo del escenario. No terminó la primera estrofa de la canción que Warren ya había saltado del escenario y estaba , literalmente, en manos de su público.
Para la hora de los bises arrancaron con “The Pusher”, continuaron con la emotiva “Mouthful of Cavities” y una versión un poco más rápida de “Walk” cerró una triada acústica. “¿Quieren un tema más?” preguntó Warren y remataron con “Galaxie” para darle un final eléctrico al recital.

Ahora que ya tocaron por primera vez en nuestro país, nace un nuevo interrogante alrededor de Blind Melon: ¿volverán a pisar suelo argento? Esperemos que así sea.

Hace click para acceder a la lista de temas.

Paper Scratcher en vivo en Niceto:

I Wonder en vivo en Niceto:

Escúchame entre el ruido... de Internet

2011-07-01T10:52:00.000-07:00

Tanto bandas que llenan estadios como las que convocan cien personas tienen su espacio en Internet. Usan las redes sociales para difundir su obra en tiempo real y a todo el mundo sin intermediarios. El “boca en boca” se volvió 2.0.

Atrás quedaron los tiempos en los que los músicos salían a volantear a las afueras de un recital multitudinario o que adornaban las calles con graffitis con el nombre de su banda. Hoy la difusión pasa por las redes sociales. Y eso es algo que afirman tanto artistas independientes como los agentes de prensa de los músicos más importantes del país. “Si tengo que elegir la virtud más grande de las redes sociales, sin dudas es el alcance a todos. Podés estar a un click de que te escuchen en China. Eso antes era imposible”, comenta Bárbara Recanati, cantante y guitarrista de Utopians, una de las bandas que más creció en el under porteño en los últimos años. “Twitter o Facebook constituyen hoy un arma fundamental para la difusión. Anteriormente, la prensa de un artista, requería de las publicaciones en medios gráficos o de entrevistas y presentaciones en los diferentes programas de televisión y radio”, sostiene Silvana Gómez de TyT Group, una agencia de prensa que representa a la Rock and Pop, Metro, Time For Fun y al Centro Cultural Konex, entre otras.
Plataformas como la de Twitter o Facebook permiten al artista tener un contacto directo con sus fans, pueden enterarse si les gustó su nuevo disco y recibir críticas de sus recitales prácticamente en tiempo real. Músicos y seguidores se retroalimentan.
“Es una herramienta muy útil de acercamiento del artista a la gente, a los seguidores de la música en cuestión. A través de ellas nos encontramos disponibles todo el tiempo a las consultas, opiniones y críticas que vengan desde el otro lado”, opina Lula Bertoldi, cantante y guitarrista de Eruca Sativa, una banda cordobesa que salió ganadora como Mejor Grupo Nacional en la encuesta anual del suplemento Sí de Clarín gracias a los votos de sus seguidores que, cómo no podía ser de otra manera, votaron desde Internet incentivados por la banda a través de las distintas redes sociales.
No hay duda de que estas herramientas ofician de nexo con el público. La pregunta es sí este contacto con la audiencia se traduce en beneficios tangibles. “Los resultados que logra un artista a través del contacto con sus seguidores dependen en cada caso, en virtud de la propuesta del artista y la aceptación que el público tenga de su producto artístico. El mundo virtual funciona igual que el mundo real”, afirma Amelia Alvarez, dueña de Amelia Comunicación, una agencia de prensa que representa a Gustavo Cerati y a Catupecu Machu, entre otros músicos.
Según Goméz de TyT Group, las redes sociales son una “esperanza” para los artistas under, ya que “ante la falta de presupuesto las redes sociales constituye una propagación de lo que hacen y de la instalación de la marca”.
Por otra parte, para Bertoldi de Eruca Sativa tanto Twitter como Facebook son “un apoyo, una herramienta mas de trabajo, pero la vida de nuestra banda tiene un movimiento marcadamente mas 'real' que 'virtual'”. Pero eso no quiere decir que descuiden el mundo 2.0. “Todos nuestros canales de comunicación virtual (Facebook, Twitter, YouTube, web oficial, e-mails, msn) están concentrados en un solo lugar y todos comunican la misma información actualizada. Obviamente varía la forma en que esa info es tratada en cada canal, porque cada uno tiene sus beneficios y limitaciones”.
Si uno hace una mínima recorrida por Facebook o Twitter puede notar que están todos. Desde una banda que llena estadios a una que lleva 100 personas tiene su espacio virtual. Alvarez sostiene que esta tendencia está en crecimiento porque “la gente está ahí, sobre todo los más jóvenes. Porque brinda proximidad e instantaneidad. Porque se pueden compartir contenidos que en los medios tradicionales quizás no tendrían cabida o tardarían en ingresar”. La cantante de Utopians, Bárabara Recanati, sostiene que compartir contenidos diferenciales por Internet “son modos de promover a que la gente le de más bola de la normal al grupo en esa red. Son nuevos medios, y como todos tienen su propio manejo”.
De la misma forma que tienen tantos beneficios, Internet es caldo de cultivo para trolls. Personas que dedican su tiempo pura y exclusivamente a insultar o criticar todo lo que haya en la red. “El tema de las opiniones o los insultos, puede ser una contra como no. Cuando las cosas empiezan a ir un poco mejor aprendés a no buscar más comentarios sobre tu banda, y si por casualidad te encontrás con uno, tenés que entender que es la parte perversa del juego de Internet”, opina Recanati. Para Gómez de TyT Group, esto no es nada nuevo. “Perfiles falsos y chismes siempre los hubo y el artista siempre supo combatir contra eso. Lo que pasa que ahora se virtualizaron, cambiaron de generación pero siempre es lo mismo”.
Internet se volvió una oportunidad y un desafío para los artistas. Una oportunidad para mostrarse a todo tipo de públicos sin intermediarios y un desafío, el de hacerse escuchar entre tantos otros músicos que luchan por que vos hagas ese click. El click de la victoria.

Covers inesperados vol.II

2011-06-28T10:55:00.000-07:00

Todas las bandas que a vos te gustan en algún momento de su vida fueron fans igual que vos. Se sentaban horas a escuchar los discos enteros, tardaban horas en aprender el solo de guitarra de tal canción y se memorizaban las letras de sus temas preferidos.

Por eso, es que muchas veces a las bandas les gusta rendirles tributo a esos artistas que los influenciaron, que los incentivaron a seguir el camino de la música. Y sin pensarlo, de la misma forma le abren las puertas a mucha gente para que conozca otras bandas, otros géneros musicales.
Cuántos no conocieron a los Meat Puppets por el unplugged de Nirvana, mismo las generaciones más jóvenes a Bowie por la gran versión de The Man Who Sold The World. Y la lista continúa.
Entrecanciones lanza el volumen II de Covers inesperados, influencias que tal vez no pensaban que tenían esos artistas o simplemente grandes versiones.

Catupecu Machu - Hablando a tu corazón (Charly García) - Fer Ruíz Díaz le rinde homenaje a este himno de Charly García. Una de las primeras veces que cantaron este tema en vivo fue por el verano del 2006 y desde el accidente de Gaby (su hermano y bajista de la banda) la canción cobró otra dimensión y suele formar parte de la mayoría de los recitales.

System of a Down - Goodbye Blue Sky (Pink Floyd) - ¿Alguien alguna vez pensó los creadores de "Chop Suey" fuesen grandes fans de Floyd y, que para colmo, hagan uno de sus temas insignia en vivo?

Adele - Lovesong (The Cure) - La nueva joyita del pop cierra su disco 21 con este clásico de The Cure en una versión medio bossanova.

Pez - International Love (Fidel Nadal) - La banda de Ariel Minimal toca lo que fue el tema del verano de su amigo Fidel Nadal en una versión punk bien al palo.

Chris Cornell - Redemption Song (Bob Marley) - Una de las voces más importantes de los 90's interpreta al ícono del reggae por excelencia en una cálida versión de Redemption Song.

Massacre - Te quiero tanto (Sergio Denis) - Walas y compañía hicieron este cover rockero de uno de los hits más grandes de Sergio Denis para la película Cara de queso.

Plagio vol. V: Diego Torres vs. Yes

2011-06-07T12:17:00.000-07:00

En estos últimos días se habló mucho de Coldplay y su plagio "legal", por llamarlo de alguna manera, a "I go to Rio" de Peter Allen, más conocida por estas tierras por ser reversionada en la cortina del conocido programa de Marcelo Tinelli, Ritmo de la noche.
Pero entre tanto revuelo, en Entrecanciones escuchamos lo que muchos no quieren escuchar. El tema "Creo en América" cantado por Diego Torres y que oficia de himno de la edición 2011 de la Copa América, arranca con unos acordes a lo Hey Soul Sister. Pero tranquilos, no es otro franchising del famoso plagio Train/James Blunt/Israel Kamakawiwo'ole.
El tema del cantante de "Tratar de estar mejor" comparte unos tonos con el mayor hit de una de las principales bandas de rock progresivo de todos los tiempos.
Y si hablamos de hit y de rock progresivo estamos hablando de "Owner of a Lonely Heart" de Yes. El riff de guitarra del comienzo de este clásico tiene una similitud importante con la flamante canción de Diego.
Escuchen ustedes y juzguen si Entrecanciones lo hizo de nuevo o estamos demasiado locos.

Yes - Owner of a Lonely Heart (Álbum: 90125 - Año: 1983)

Diego Torres - Creo en América (Año:2011)

De ninguna manera se esta acusando de plagio a cualquiera de los artistas, solo se destaca el parecido entra las canciones.

Covers inesperados

2011-05-12T08:00:00.000-07:00

John Mayer, Devendra Banhart, Leo García y los Hanson, entre otros le rinden tributo a artistas como Oasis, Radiohead, Fito Páez y Elton John.

El mundo 2.0 creó nuevos hábitos (para no decir vicios) en varios de nosotros. Desde los adictos al Facebook que están pendientes de la última foto que subió alguno de sus 1200 amigos, pasando por los que no pueden dejar de twittear cada cosa que ven hasta los viciosos de YouTube.
Y es desde este sitio creado por tres muchachos que trabajaban en PayPal y que la vendieron a Google por la módica suma de 1650 millones de dólares, que se generó un nuevo fenómeno que también marca el signo de los tiempos: las grabaciones amateur de covers con la cámara digital. Este auge tecnológico permitió registrar varias rarezas y versiones de artistas que antes no podíamos disfrutar.
En Entrecanciones trataremos otra vertiente del fenómeno, los covers más inesperados de artistas nacionales e internacionales. Pasen y vean:

John Mayer - Kid A (Radiohead) - Que John Mayer haga una versión de Kid A es de por sí extraño, que la haga con guitarra acústica, aún más.

Devendra Banhart - Don't Look Back In Anger (Oasis) - El venezolano-yankee sorprende con una simpática versión con aires bossa de este clásico de los 90.

Hanson - Optimistic (Radiohead) - Antes de que muchos piensen que esto es una herejía, tal vez los tres rubiecitos que cantaban Mmmbop hacen uno de los mejores covers de Radiohead. Para que no piensen que es mentira, les dejamos una versión en vivo en Japón en el 2004. Pueden escuchar está versión con mejor calidad de sonido también. ¿Sabrán Yorke y cía. de este tributo?

John Frusciante - Your Song (Elton John) - El ex guitarrista de los Peppers por el año 2000 brindó una serie de recitales pequeños por Estados Unidos y Europa. El repertorio de estos shows se basaba en temas de su disco To Record Only Water For Ten Days, algunos que terminarían en Shadows Collide With People y varios covers de Bowie, Nirvana, Ramones y este tema de Sir Elton.

Vetamadre - Adela en el carrusel (Charly García) - La banda de rock alternativo liderada por Julio Breshnev grabó en su Much Sessions una versión made in Seattle de un clásico de García. Chequear también su gran versión de Weird Fishes de Radiohead.

Leo García - 11 y 6 (Fito Páez) - El cantante pop tiene un amplio repertorio de covers que incluyen artistas tan disímiles como Gilda, Moris, Spinetta, Charly García, Los Gatos, Pet Shop Boys y este de Fito.

Coca Monte de Vetamadre: "Sigo porque amo lo que hacemos"

2011-04-30T09:24:00.000-07:00

Algunos le podrían llamar banda de culto, otros una banda en ascenso. Lo cierto es que a Vetamadre no le importan las etiquetas, sino la música. No por nada, la banda viene peleando en el under local hace ya casi 15 años de manera totalmente independiente.
Luego de cuatro discos de estudio y uno en vivo, el cuarteto integrado por Julio Breshnev, en guitarra y voz, Coca Monte en bajo, Martín Dejean, en teclados y rhodes y Federico Colella, en batería, decidió crear un álbum que sea un nuevo punto de partida. Tres años les llevó terminar OTROviaje, un disco que busca ser una experiencia, no una actividad pasajera. “OTROviaje ofrece un audio distinto y una propuesta original, es una música sincera y alternativa a lo que se entiende por rock nacional”, explica Monte.
Sí ya es difícil a priori hacer música en este país, hacerlo sin una compañía detrás se vuelve una odisea. Pero en tiempos en donde la industria discográfica está en crisis, la independencia puede ser el camino correcto.
Para Monte las discográficas “en Argentina son un desastre. No conocen el concepto de catálogo. Vendían discos e imponían músicas con los medios como socios y el público como cómplices. No eran ni son artistas, solo comercializaban con música”.
Para Vetamadre sería muy difícil firmar con una multinacional en caso de que fuesen llamados. “La condición seria que solo vendan los discos y confíen en nuestro criterio y rumbo. No lo hicimos antes y ahora me parece que ya no puedo contestar, tengo otra cabeza formada”, sostiene el bajista.
A pesar de las distintas trabas en el camino, el cuarteto está intentando cruzar las fronteras y editar en México. “Es muy difícil, pero creemos que puede funcionar”, aclara Monte. “De todos modos creo que en Argentina hay muchas bandas y músicos muy buenos que nadie conoce. Creo que vienen grandes tiempos para el rock”.

- Si tuvieras que elegir tres temas que definan a Vetamadre, ¿cuáles serían y por qué?
- Elegiría “Líbérenme” (de Libérenme), porque cuando la tocamos se crea un estado de tensión increíble; “Acá” (de Veratravés) porque me emociona y “Éxtasis” (de OTROviaje) porque es el Vetamadre versión 2011.

- ¿Qué es lo que te hace seguir en pie en el camino de la música a pesar de todos los problemas que hay en el medio para un artista independiente?
- Si no hago música me muero, si no voy a la sala de ensayo a verme con los Veta también. Amo tocar el bajo y mi público me parece maravilloso, siento que me quieren y valoran lo que hacemos. Nací para hacer esto y sigo porque amo lo que hago. Creo que se llama pasión.

Vetamadre se presenta el sábado 30 de abril en el Samsung Studio.

Te dejamos a continuación los videos de los tres temas que eligió Coca Monte:

Libérenme, en vivo en La Trastienda:

Acá, en vivo en The Roxy Live:

Éxtasis:

Dig Down Deep, nuevo disco de Vandaveer

2011-04-25T12:26:00.001-07:00

Si Divide and Conquer se destacaba por sus arreglos simples, Dig Down Deep trata de abrirse camino como la obra más producida de Vandaveer.
En su tercer disco, el dúo estadounidense decidió repartir los roles en sus canciones. Mientras que en sus anteriores trabajos la guitarra marchaba al frente, en este álbum le cede su lugar preponderante al piano o a los arreglos de cuerdas. Eso sí, el papel protagónico se lo sigue robando la perfecta combinación vocal de Mark Heidinger y Rose Guerin.
El disco abre con los acordes de "Dig Down Deep”, una canción folk de cabo a rabo, con un estribillo que da envidia y que pide repetición en un loop constante.
En “Concerning Past and Future Conquests”, Heidinger relata sobre amores pasados mientras una base de cuerdas dirigen la canción. Llegado el turno de “As a Matter of Fact”, el piano decide rebelarse y abandonar su perfil tímido para liderar un tema que pide ser el soundtrack de cualquier bar de mala muerte.
Mientras que “The Nature of our Kind” aparece como el hit nato del disco, “Spite” descubre un folk sombrío y poderoso, muestra otra cara de la banda. Un Vandaveer que rockea sin usar distorsión, con guitarras densas y un coro final que le da el toque épico a la canción.
Ya redondeando el final, se despachan con “AOK” un tema de aires tristes y tal vez una de las canciones más complejas y mejor logradas de la banda. Pero acá es cuando el dúo comete el error de regrabar “The Waking Hour” en una versión mid-tempo y atmosférica que no aporta nada salvo certificar que su versión original es cien veces mejor.
“Dig Down Deep” es un disco que afianza a Vandaveer como banda, que se anima a dar pequeños cambios que no alteran su esencia. Esa que hace a la banda grandiosa: su simpleza.

Podés descargar el disco acá: http://bit.ly/e1x4DO

"Dig Down Deep" de Vandaveer

"AOK" de Vandaveer

Devendra Banhart en Niceto: el auténtico hippie-chic

2011-04-06T12:10:00.000-07:00

El cantante venezolano-estadoundiense se presentó con su banda The Grogs por segunda vez tras cinco años de ausencia en el país.

Si alguien tenía la imagen mental de Devendra Banhart como un pseudo hippie, roñoso, de barba y pelos largos, paso a comentarles que eso ya no es así.
El venezolano-yankee hoy está muy lejos de esa imagen. Cambió sus trapos viejos por una campera de cuero a la última moda y el pelo y esa barba frondosa pasaron a mejor vida. Eso sí, lo que parece no haber cambiado es su personalidad.
Divertido, hiperquinético y porque no, un poco loco. Así se lo vió al subir al escenario de un Niceto colmado con una cola para entrar que rodeaba toda la manzana del local para eso de las nueve de la noche. Sí, mucha gente.
La línea de bajo de “I Feel Just Like A Child” inició al recital, pegadita a dos de los mejores temas de su último disco “Baby” y “Angelika”.
Una versión mucho más lenta de “At The Hop” generó la primera gran ovación de la noche y el enganche con otro de sus temas más sentidos, “Brindo”, en donde el cantante relata un brindis a un amor “tan raro, tan de repente”, formó un combo no apto para corazones con agujeritos.

"Brindo", en vivo en Niceto, 5 de abril de 2011

Pero Devendra no está solo en esta travesía. Lo acompañan cuatro hombres que son pilares de su sonido. Noah Jefferson, primera guitarra, es el Dr. Watson del cantante, su mano derecha artística. Tanto es así, que el próximo disco de Banhart estará tocado solo por ellos dos. Greg Rogove, es uno de esos bateristas que, de existir, se recibiría con honores de una academia dirigida por Ringo Starr; junto al bajista Tod Dalhoff, arman esa base sólida que es tan importante para toda banda. Pero el comodín del grupo es Rodrigo Amarante, ex miembro de Los Hermanos (banda brasileña que tuvo un temita que por ahí conocen, ¿les suena Ana Julia?) y actual líder de Little Joy, un guitarrista que toma el micrófono e interactúa con el público sin ningún temor.
Y es en temas como “Bad Girl” en donde se disfruta a la banda en un cien por ciento. Donde cada uno cumple con su rol a la perfección y alcanzan uno de los momentos más altos de la noche.
El recital de Banhart da lugar para todo: desmayos, groupies brasileras descontroladas por el artista, y también, una especie de recital a la carta.
“Voy a tocar treinta segundos de una canción que me pidió una chica, que creo que su nombre era Lucía. Esta canción es para vos”. Suenan los primeros acordes de “Santa Maria de la Feira” y el público enloquece. “Ya no me acuerdo más, ¿alguno quiere otro tema por 30 segundos?”, lanzá cómplice el cantante. Una lluvia de gritos indescifrables comienzan y Banhart empieza a interactuar con su gente como si estuviese tocando en un bar. Alguien le pide “Luna de margarita”, un tema de Simón Díaz que grabó en su cuarto disco Cripple Crow, y Devendra se niega a tocarla. “Ese tema lo grabé para que vayas y te comprés un disco de él, así que voy a tocar un tema mío” y así dispara los primeros acordes de “A Sight To Behold”, un himno para sus fanáticos.

Luego de este pasaje en solitario, Banhart se despide con lo más rockero de su repertorio: la genial (e interminable) “Seahorse”, la funky “Lover” y la setentosa “Rats”. Para la hora de los bises, Devendra Banhart retorna - en cuero - para entonar “Hey Mama Wolf” y “Carmencita”, rematando un final a puro baile.
“Me caso”, comenta tajante una chica mientras el cantante saluda a su público. Pensamiento de muchas calculo. Por suerte soñar es gratis.

A continuación el video de "Bad Girl" en vivo en Niceto el 5 de abril de 2011:

Plagios musicales: Mumford and Sons vs. Dave Matthews Band

2011-03-28T13:49:00.000-07:00

Esta vez las canciones son bien distintas. No hay ningún tipo de parecido en la melodía, ni en algún riff, ni en la letra. Esta vez el parecido es vocal.
La música de Dave Matthews no se caracteriza solamente por la virtuosidad de su banda a la hora de arreglar sus canciones, también hay una gran voz que hace las veces de guía melódico. Una voz muy personal, con la capacidad de entonar la melodía más dulce y pasar al gruñido más aspero en un mismo compás.
Resulta que la banda ganadora del premio a la mejor banda nueva en los Grammys, y que tuvo el honor de tocar con Bob Dylan en la misma ceremonia, cuenta con un cantante con una voz muy similar. Estamos hablando de los ingleses de Mumford & Sons, que gracias a su disco debut Sigh No More, lograron un posicionarse como una de las bandas más prometedoras en todo el mundo.
Ahora bien, al escuchar a esta banda, lo primero que noté fue el gran parecido que tienen las voces de Marcus Mumford y la del sudafricano.
Para que comprueben con sus propios oídos y que no terminen siendo puras conjeturas a continuación dos canciones para comprobar este fenómeno (?) :

Funkdoneón: Funk rioplatense

2011-03-23T10:32:00.000-07:00

“Tal vez la idea de una melodía de bandonéon en un groove de funk, sea novedosa”. En esa frase de su gacetilla de prensa Funkdoneón deja un interrogante que en realidad es una afirmación. La banda logra que los arreglos de bandoneón se desplazen sobre una base funky como si este fuese su hábitat natural. El grupo liderado por Marcelo Vaccaro – ex bajista de Fito Páez, Fabiana Cantilo y Alejandro Lerner, entre otros – suena moderno a partir de influencias clásicas.
“Nos encanta pensar que hacemos música para ver”, sostienen. Y de hecho, sus canciones podrían ser el soundtrack ideal para cualquier película de locación urbana.
Desde la gráfica “Subte A” al tributo a Piazzola en “Astor”, Funkdoneón se maneja por distintos estilos como la electrónica y el tango, pero siempre con un groove funky como mátriz.
El EP debut The Singles cuenta con seis canciones que pueden ser escuchadas y descargadas de su página de Reverbnation.

Nuevos lanzamientos desde EEUU

2011-03-16T11:34:00.000-07:00

El 31 de mayo desembarca en las disquerías y seguramente en formato digital, Codes and Keys, el nuevo disco de Death Cab For Cutie.

El disco consta de 11 canciones, de la que ya adelantaron la que le da nombre al álbum en una de sus últimas presentaciones en vivo.

Lista de temas de Codes and Keys:

1. Home Is A Fire

2. Codes And Keys

3. Some Boys

4. Doors Unlocked And Open

5. You Are A Tourist

6. Unobstructed Views

7. Monday Morning

8. Portable Television

9. Underneath The Sycamore

10. St. Peter's Cathedral

11. Stay Young, Go Dancing

Otra banda que también lanza disco nuevo es Vandaveer. Dig Down Deep es el nombre elegido para este nuevo álbum que saldrá a la luz el 16 de abril.
Como adelanto se puede escuchar en su página oficial su nuevo single Concerning Past & Future Conquests, el mismo se puede descargar gratuitamente adhiriéndose a su lista de mails.
Este nuevo lanzamiento también contará con una reversión de The Waking Hour, el mejor tema de su EP A Minor Spell.

Concerning Past & Future Conquests by Vandaveer

Cubiertas, el nuevo disco de Bicicletas

2011-03-09T09:53:00.000-08:00

Se podría decir que en Internet está todo por descubrirse, y es así, que dando vueltas por la red de redes me puse a escuchar un interesante proyecto de una de las bandas del under con mayor crecimiento en este último tiempo, Bicicletas.

Esta vez la novedad no llega a partir de sus innovaciones, como fue en el caso de su videojuegoclip para el tema Hoy. Esta vez es puramente musical.
Se trata de Cubiertas, un disco de covers de artistas latinoamericanos como Café Tacuba, Los Auténticos Decadentes, Andrés Calamaro, Os Paralamas, entre otros. El disco consta de ocho canciones reversionadas bajo el espíritu de la banda sin dejar de lado la esencia de la canción original. Se destacan la versión western de “El gran señor” de los Deca , la eléctrica "Estadio Azteca" de El Salmón y la re-reversión del cover de Los Speakers de The House of the Rising Sun en español.

En 2004 ya habían lanzado otro disco de covers, bautizado Discover, que incluye temas de Duran Duran, The Cure, The Rolling Stones, entre otro bandas anglosajonas.
Cubiertas se puede conseguir en su versión digital a diez pesos y a veinte en CD a través de Soy Rock.
A continuación te dejamos un par de temas de ambos discos para que saques tus propias conclusiones:

El gran señor (Los Auténticos Decadentes)

La Casa del Sol Naciente (Los Speakers)

Estadio Azteca (Andrés Calamaro)

Love Song (The Cure)

Viene Devendra Banhart a Argentina

2011-02-16T12:20:00.000-08:00

Según se pudo saber en los últimas horas a través de Twitter, Devendra Banhart tocará en Niceto Club el 5 y 6 de abril.
El cantante venezolano-yankee desembarcará al país después de tocar en la edición chilena del festival Loolapalooza, el que tendrá lugar los días 2 y 3 de abril.
Banhart está presentando su último disco What Will We Be (2009) y acaba de lanzar el segundo corte del mismo, correspondiente a la canción Brindo.
Las entradas tendrán un precio de 180 pesos y estarían a la venta a mediados de la última semana de febrero en Niceto y por Ticketek.

"Baby", primer corte de What Will We Be

Devendra Banhart - Baby from Ron Winter on Vimeo.

At the Hop, de su tercer disco Niño Rojo

At the Hop (Devendra Banhart) from jbhmusic on Vimeo.

Tapados musicales Vol. I: Blind Melon

2011-02-10T09:31:00.000-08:00

Porque siempre existen esos seres que sorprenden, que cuentan con una habilidad o una destreza desconocida por el común denominador de la población. Y es que los llamados “tapados” existen en todos los ámbitos y disciplinas, y el ambiente de la música no es una excepción a la regla.
Desde el principio de los tiempos (?) existieron artistas que no lograron llegar a la masividad y se transformaron en un objeto de culto para unos pocos. Otros tuvieron, aunque sea, la suerte de tener lo que se conoce como un "one hit wonder". Y este es el caso de la banda que toca para el día de la fecha.
La gran mayoría debe conocer "No Rain" y su video protagonizado por esa gordita simpaticona vestida de abeja. Pero Blind Melon fue, y se podría decir que es, mucho más que una banda de un solo hit destinada al olvido.
Tal vez si no fuera por la trágica muerte de su cantante Shannon Hoon, una de las mejores voces de los '90 con Eddie Vedder y Chris Cornell, hoy el grupo estaría ocupando un lugar entre las grandes bandas de esa década. Pero bueno, no tenemos la bola mágica. Son puras conjeturas sin sentido...
Blind Melon aterrizó por el año 1992 con su primer disco homónimo. Una perfecta mezcla de canciones acústicas con pasta de hit (Change) y rock hecho y derecho (Soak the Sin, Tones of Home) basado en el gran juego de guitarras que ejercían Christopher Torn y Roger Stevens. De este álbum se desprende su único hit, el ya mencionado No Rain. En el interín, Hoon supo formar parte de las grabaciones de la serie Use Your Illusion de los Guns N Roses, participando en el megahit Don't Cry, entre otros.
Para 1994, Blind Melon lanza Soup. Un segundo disco más experimental, con un sonido mucho más oscuro y denso, producto de la vida cargada de excesos que llevaba Hoon y su depresión constante. Pero meses después de la salida de este nuevo álbum y antes del nacimiento de su única hija, Shannon Hoon es encontrado muerto durante la gira a la edad de 28 años.
La banda lanza años después, Nico, su tercer disco nombrado así por la hija del cantante, el mismo cuenta con covers, demos y lados B de la banda como Pull, Soul One o Soup.
El resto de los integrantes del grupo decide terminar con la banda, hasta su reunión en el 2008, en donde lanzan For My Friends, con Travis Warren, un nuevo cantante que permanecerá tan solo por dos años.
Actualmente, se encuentran buscando cantante y hacen audiciones vía mail. Así que si te ves como frontman de esta banda ya sabes que hacer...

A continuación dos de los mejores temas de cada disco:

Blind Melon (1992)

Soak the Sin:

Change:

Soup (1994)

St. Andrew's Fall:

Mouthful of Cavities:

Nico (1996)

Soup:

Soul One:

For My Friends (2008):

Harmful Belly:

For My Friends:

Jaydiohead: una mezcla inesperada

2011-01-27T11:22:00.000-08:00

No es la octava maravilla, pero si es bastante interesante. De la misma forma que Danger Mouse mezcló el álbum blanco de los Beatles con el álbum negro de Jay Z, el dj neoyorquino Max Tannone se animó a mezclar al rapero con una de las bandas más importantes de los últimos veinte años: Radiohead.

De esta forma, Tannone creo Jaydiohead. Un proyecto atrevido en donde logra llevar a los ingleses a la pista de baile y salir victorioso en el intento.
Cuenta con dos entregas virtuales, la primera, bajo el mismo nombre del proyecto, cuenta con remixes de canciones de la mayoría de los discos de Radiohead, incluyendo el lado b Gagging Order y Black Swan, del disco solista de Thom Yorke, The Eraser. El segundo disco, The Encore, cuenta con 5 mixes más que siguen la misma línea.

Escuchen y den su propio verédicto:

Para bajar el disco: http://www.maxtannone.com/projects/jaydiohead/

Jaydiohead Ignorant Swan Medley from SUBVOYANT on Vimeo.

Entrevista a Vandaveer: "Vengo llevando bien la etiqueta de cantautor"

2011-01-06T09:22:00.000-08:00

El cantante y guitarrista de Vandaveer nos cuenta cuáles son sus artistas favoritos, su mirada sobre la industria y cómo terminó siendo músico.

Mark Charles Heidinger. Ese es el nombre completo del cerebro detrás de Vandaveer, el grupo folk que forma junto a Rose Guerin, “un ángel con doradas cuerdas vocales” como el mismo la define.

El cantante y guitarrista comenzó este proyecto luego de dejar la electricidad del indie rock de These United States por la resonancia natural de su guitarra acústica. “Todavía me encanta el rock and roll y escucho todo tipo de música. Pero lo que yo compongo lo hago sin pensar mucho en lograr un 'sonido Vandaveer'. Como compositor, uno escribe lo que le sale y toma forma con una identidad definida después del resultado final”, relata Heidinger.
El grupo tiene dos discos de estudio, Grace and Speed (2007) y Divide and Conquer (2009), y el reciente EP, A Minor Spell, consolidando un sonido en donde la simpleza es la principal virtud.

-¿Cómo terminó Rose Guerin siendo parte de Vandaveer?
-Nosotros nos conocimos hace varios años, cantando con unos amigos para juntar dinero para la gente necesitada. Rose es un regalo. Es un ángel, con doradas cuerdas vocales. Diría que fue un encuentro muy afortunado.

-¿Creés que hubo una evolución o un cambio importante de tu sonido o manera de componer de un disco al otro?
-Supongo que todo evoluciona en el tiempo, pero la pregunta es: “¿Estás evolucionando positivamente?”. Yo espero que la respuesta sea que sí, pero no sé si puedo ser un juez imparcial de tales cosas. Yo sigo disfrutando del proceso de grabación y composición y tocando en vivo, así que... ¡calculo que hay esperanza!

-¿Qué opinión tenés acerca de la descarga de canciones por internet? En Argentina la única forma de conseguir tus discos es a través de la red...
-Tengo mil y una opiniones acerca de la disponibilidad de música en internet, pero todas ellas son inconsecuentes a esta altura. La gente encontrará una manera de controlar la propiedad intelectual, ya sea a través de un sistema en especial o cualquier método, por lo que no tiene mucho sentido luchar contra ello. Por lo tanto, prefiero abrazar a la tecnología. Me conviene usarla como una herramienta que me ayude a esparcir mi música y desear que algunas personas lo consideren de tal valor como para pagar una modesta suma por una copia legítima. En algún punto, uno realmente debe poder ganarse la vida. Espero que la tecnología no me haya pasado por arriba en ese frente.

-¿Cuáles son tus artistas favoritos?
-Uh... muy difícil. Pero soy bastante fanático de Tom Waits, Dylan, The Beatles, Jim Henson y toda la banda del Sesame Street, Dr. Seuss, Shel Silverstein, Stanley Kubrick, Marc Chagall, Martin Scorsese, John Steinbeck, Cormac McCarthy y miles más.

-¿Cómo es tu proceso de composición?
-A veces agarró mi guitarra y empiezó a tocar, otras veces simplemente tengo una melodía en mi cabeza. Es difícil decir cual viene primero, pero todo termina junto al final, y eso es lo importante.

-¿Cómo fue tu primer acercamiento a la música?
-Yo era un amante de la música desde muy temprana edad -Sesame Street, Michael Jackson, Madonna – casi todo lo que aparecía en PBS o en MTV durante los 80's. De ahí en más, agarré una guitarra en los principios de mi adolescencia y me imaginaba como cantautor. Tomó mucho tiempo para que esa etiqueta sea real, pero creo que la vengo llevando bien en estos momentos.

-¿Cuál es tu canción preferida de Vandaveer?
-Todas y ninguna de ellas. Mis canciones preferidas son las de otros. Creo que “What A Wonderful World” debe ser la melodía más linda que se escribió en este mundo.

-¿Conocés música de Argentina o Sudamérica?
-Disfruto de la música de Seu Jorge. Rose es una gran fan de Caetano Veloso, a quien descubrí recientemente. Debo decir que mi exposición a la música sudamericana ha sido bastante limitada. ¿Alguna sugerencia?

Por un fogón moderno

2010-12-15T10:34:00.000-08:00

En tiempos de rankings basados en los mejores 243567 discos del año, Entrecanciones como siempre va en contra del torrente, y es más, redobla su apuesta. No, no haremos reseñas de 454667 discos sino que vamos a ofrecer el ranking que va a ganarle a todos los rankings: el top 5 de temas indies/under nacionales para el fogón.

Porque Presente ya saturó todo oído y El oso podría ser declarada canción no grata, desde este humilde lugar te ofrecemos cinco grandes canciones que harán que tu repertorio cancionero tomé gran nivel y se vuelva moderno y original.
Ya se juega:

5. Juan Ravioli – Despedida (Álbum para la juventud Vol.II)

Una canción suave, ideal para arrancar el fogón tímidamente a base de acordes simples y una muy linda melodía que va ablandando el ambiente. Y si se encuentra un buen guitarrista es la canción para que muestre sus dotes en la zapada al final de la versión original del tema.

Juan Ravioli / Despedida from Mono Rengo on Vimeo.

4. Ariel Minimal – Disimular (Un día normal en el maravilloso mundo de Ariel Minimal)
Click acá para ver los acordes de Disimular.

El mejor tema de la faceta solista del cantante y guitarrista de Pez. Minimal hace canción el dicho “menos es más” y entrega una canción sentida con alma de himno.

3. Vetamadre – Ruido del mundo (Ruido del mundo)
Click acá para ver los acordes de Ruido del mundo.

El tema para corear ya entrada la noche y después de varias botellas de cerveza esparcidas alrededor. Con un estribillo que estalla y solo de armónica incluido, tu fogón puede tomar otro color una vez que Ruido del mundo entre en tu repertorio estable.

2. Blue – Lisandro Aristimuño (Ese asunto de la ventana)
Click acá para ver los acordes de Blue.

Porque en todo fogón siempre hay lugar para picar algo (tarea muy difícil para el cantor que nunca puede soltar su guitarra). Blue es ESE tema para recordar amores pasados, sembrar amores nuevos o simplemente disfrutar de la belleza de una canción frente al mar y con la luz de las estrellas. ¿Se puede pedir más?

1. Sancamaleón – Mi chica peruana (Cancionero para niños sin fe)
Click acá para ver acordes de Mi chica peruana

“En el mar me rompió la cabeza una chica peruana” reza el estribillo de esta canción. Un amor de verano particular, una chica que se ríe haciendo malabares mirando al sol y que cuando se enoja le brota la estrella de rock, en el que será el gran hit de tu nuevo repertorio.

Plagios Entrecanciones Vol. IV: Guasones vs. Estelares

2010-11-26T10:20:00.000-08:00

Otro viernes más, otro mes que pasa, pero los plagios siempre persisten. La edición del día de la fecha involucra a dos bandas nacionales en pleno ascenso. Guasones vs. Estelares, Estelares vs. Guasones.
¿Qué canciones caen bajo la sospecha de la copia? Reyes de la noche y Aire, respectivamente. Ambos temas fueron fundamentales para el despegue de estos grupos hacía un público más amplio. Pero eso no es lo único que tienen en común éstas canciones... Dele play a los videos de abajo y compruebe usted mismo!

Guasones - Reyes de la noche (Toro rojo, 2005)

Estelares - Aire (Sistema nervioso central, 2006)

De ninguna manera se esta acusando de plagio a cualquiera de los artistas, solo se destaca el parecido entra las canciones.

OTROviaje, lo nuevo de Vetamadre

2010-11-10T07:44:00.000-08:00

Transmitir sensaciones. Que escuchar su música sea una experiencia, no una actividad pasajera. Eso es lo que propone Vetamadre en su nuevo disco OTROviaje, quinto de estudio y sexto en su carrera con A través del ruido del mundo, grabado en vivo en el 2007. El álbum consta de diez temas, de los cuales la mayoría ya fueron adelantados en vivo como es el caso de “Éxtasis”, “Túnel”, “Nombre” y “A veces”, entre otras.
El mismo fue producido por Luis Volcoff, (productor de artistas como Antonio Birabent, Liliana Herrero, entre otros) quien ya había trabajado junto a Vetamadre en sus anteriores discos.

Como comentó su cantante y guitarrista, Julio Breshnev, a Entrecanciones hace unos años, este disco es “más urgente, más rápido y por un lado también tiene esa sensibilidad y cosa más melódica” que caracteriza a la banda.
El arte de tapa, al retomar el logo del ojo de su disco debut Ruido del mundo, esconde un posible guiño a los orígenes, como un nuevo punto de partida.
El álbum será lanzado a la venta el 25 de noviembre y se podrá comprar por primera vez en el show presentación del disco en The Roxy Live ese mismo día.

Como adelanto, la banda colgó en su Myspace, el tema “Mercurio retrocediendo” que se puede escuchar a continuación.

Lista de temas:

1. ÉXTASIS (6:35)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte/ Federico Augusto Colella)
2. Aveces (4:29)
(Julio Breshnev)
3. RADAR (4:28)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte/ Federico Augusto Colella/ Jorge Martín Dejean)
4. CEMENTERIOsinALMAS (6:45)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte/ Federico Augusto Colella/ Jorge Martín Dejean)
5. SALDRÁS(hombreDORMIDO) (3:39)
(Julio Breshnev)
6. MERCURIOretrocediendo (5:22)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte/ Federico Augusto Colella/ Jorge Martín Dejean)
7. TÚNEL (4:18)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte/ Federico Augusto Colella/ Jorge Martín Dejean)
8. CADAvez + (4:17)
(Julio Breshnev)
9. NOMBRE (5:01)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte/ Jorge Martín Dejean)
10. LAmañanaDESPUÉS (6:34)
(Julio Breshnev/ Marcelo Máximo Monte)

Gorilla Manor de Local Natives: Un disco bipolar

2010-11-05T13:23:00.000-07:00

Es un disco bipolar. Por un lado está el Local Natives versión indie y por el otro la versión popera. Y entre las dos hay un abismo de distancia que se corta gracias a un láser que los quema en eso que llama (¿llamaba?) disco compacto. El principio de Gorilla Manor es excelente, “Wide Eyes” es uno de esos grandes ejemplos de la primera personalidad del grupo. Excelentes juegos vocales, guitarras histriónicas y una base percusiva que se roba toda la atención le dan forma a esta canción. “Sun Hands” aparece con un beat bailable que oficia de sostén a punteos en clean y un estribillo que aparece susurrado por momentos y gritado por otros. “World News”, “Camera Talk” y “Cards and Quarters” logran un balance entre las dos personalidades de la banda. Mientras que en temas como “Who Knows Who Cares”o “Cubism Dream” suenan más a FM Hit que a la difunta Kabul. El contraste es notable, pero tampoco es tan fuerte. Aunque la calidad del principio tienta al oyente a dejar el disco a la mitad (o volver al principio), Gorilla Manor logra captar la atención de nuestros oídos y su música queda rebotando por nuestra cabeza.

Sun Hands en vivo:

A Minor Spell, nuevo EP de Vandaveer

2010-11-01T13:11:00.000-07:00

El nuevo EP de Vandaveer no innova en nada. La formula es la misma: Mark Heidinger al frente liderando la canción con su guitarra y su voz junto a Rose Guerin, dándole ese toque único que lleva en sus cuerdas vocales. Pero ahí es donde está la magia de esta banda, logran TRANS-MI-TIR.
Son cinco canciones hechas y derechas, simples. Cada tanto se asoma un acorde de piano tímido para acolchonar y matizar de otros colores la canción.
En A Minor Spell, el grupo logró trasladar la sensación del vivo, se siente que están cantándonos al oído. The Waking Hour se lleva todos los premios, es tal vez una de las mejores canciones del grupo. Un verso alegre que va mutando a una melodía más melancólica, mientras el juego de voces que forma el dúo se va adueñando uno a uno de todos nuestros sentidos.
La grandeza de esta canción hace que las otras cuatro pasen a ser casi puro relleno por más que Everything Is Spinning o Good Morning sean muy buenas temas.
A Minor Spell cautiva, emociona y divierte en tan solo cinco canciones. Si eso no es eficiencia....

A continuación pueden escuchar todo A Minor Spell:

Esperando a Paul McCartney

2010-10-20T12:42:00.000-07:00

Sir James Paul McCartney, Polma, Pablito o como quieras decirle. Este sujeto hizo que seamos capaces de empeñar hasta nuestra vieja para ir a verlo y sufrir hasta conseguir una entrada (o morir en el intento o padecer la brutal reventa). Viene acompañado de una banda impresionante a tocar temas de todas sus épocas, aunque sabemos que por más que los temas que hizo con Wings están buenos y que los solistas también, la papa acá está en los temas que hace de una bandita, que más o menos quedó en la historia... esa que se llamaba The Beatles.

Y Polma no es ningún ignorante. Por eso quiere que sus contemporáneos y las nuevas generaciones disfruten de estos temas en vivo y cantados por nada más y nada menos que uno de sus principales autores. O tal vez simplemente quiere cuidar su salud y que las instalaciones del estadio de River no se conviertan en proyectiles hacia su persona. Eso ya lo veremos.
Pero visto que no podemos aguantar la sorpresa, estuvimos chequeando los temas que estuvo haciendo en las últimas fechas de su Up and Coming Tour y la verdad que satisfacen en un 100 por ciento, por más que siempre hay lugar para los disconformes.
Desde mi humilde opinión poder escuchar “Eleanor Rigby”, “A Day In The Life”, la mismísima “Blackbird”, “I'm Looking Through You” o “PaperBack Writer” ya es demasiado.
Por eso, a continuación les dejamos la listas completas de los últimos shows de la gira de Paul hasta el momento.

Consol Energy Center, Pittsburgh, PA, USA - 18/08/2010
1. Venus And Mars/Rock Show/Jet
2. All My Loving
3. Letting Go
4. Got To Get You Into My Life
5. Highway (The Fireman cover)
6. Let Me Roll It / Foxy Lady (Jimi Hendrix cover)
7. The Long and Winding Road
8. Nineteen Hundred and Eighty-Five
9. Let 'Em In
10. My Love
11. I'm Looking Through You
12. Two Of Us
13. Blackbird
14. Here Today
15. Dance Tonight
16. Mrs Vanderbilt
17. Eleanor Rigby
18. Something
19. Sing the Changes (The Fireman cover)
20. Band on the Run
21. Ob-La-Di, Ob-La-Da
22. Back in the U.S.S.R.
23. I've Got a Feeling
24. Paperback Writer
25. A Day in the Life / Give Peace A Chance
26. Let It Be
27. Live and Let Die
28. Hey Jude
29. Day Tripper
30. Lady Madonna
31. Get Back
32. Yesterday
33. Helter Skelter
34. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (reprise) / The End

Consol Energy Center, Pittsburgh, PA, USA – 19/08/2010

1. Venus And Mars/Rock Show
2. Jet
3. All My Loving
4. Letting Go
5. Drive My Car
6. Highway (The Fireman cover)
7. Let Me Roll It / Foxy Lady (Jimi Hendrix cover)
8. The Long and Winding Road
9. Nineteen Hundred and Eighty-Five
10. Let 'Em In
11. My Love
12. I've Just Seen a Face
13. And I Love Her
14. Blackbird
15. Here Today
16. Dance Tonight
17. Mrs Vanderbilt
18. Eleanor Rigby
19. Ram On
20. Something
21. Sing the Changes (The Fireman cover)
22. Band on the Run
23. Ob-La-Di, Ob-La-Da
24. Back in the U.S.S.R.
25. I've Got a Feeling
26. Paperback Writer
27. A Day in the Life / Give Peace A Chance
28. Let It Be
29. Live and Let Die
30. Hey Jude
31. Day Tripper
32. Lady Madonna
33. Get Back
34. Yesterday
35. Helter Skelter
36. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)
37. The End

Y para ir matando la ansiedad A Day In The Life/Give Peace A Chance:

Plagios Vol. III James Blunt vs. Train

2010-10-15T10:53:00.000-07:00

Los plagios regresan en otro viernes en donde el oído se pone a prueba. Y esta vez, tengo que admitir, modestia aparte, que está muy afilado. En el día de la fecha, los plagios incluyen a un inglés refinado que se hizo famoso por decir lo linda que era una mujer y una banda con nombre de transporte público que metió un hit que tal vez ya este en la morgue para cuando empiece el verano.

Estamos hablando de James Blunt y Train respectivamente. El primero con "Stay the Night", primer single de su nuevo disco Some Kind Of Trouble; y el segundo con "Hey Soul Sister", ese tema que no paró de sonar en este último mes.
Y el que no quería dejar de sonar se ve que fue el mismísimo Blunt, quien vió la formula del éxito en el tema de Train y no dudo en usar la misma receta.
Pero bueno, para que usar más palabras cuando tienen sus oídos, compruebenlo ustedes mismos acá abajo!

Stay The Night - James Blunt. El británico dejó la melancolía por la playa, las olas, el viento y el chiste obvio de sucundum sucundum. Se ve que es la posta para estar canchero es hacerse el Jack Johnson, pero bueno no solo es la onda sino que es muy parecida a Hey Soul Sister.

Hey Soul Sister - Train. Train cuenta con tres discos de estudio, un par de hits en su Estados Unidos natal y luego de un parate de tres años volvieron a las andanzas con su disco “Save Me, San Francisco” y en mediados de 2009 lanzaron el single de “Hey Soul Sister”, que como muchas cosas, acá llegan tarde y recién hoy lo escuchamos masivamente. Metés un ukulele y una onda a lo Jason Mraz y pum: marche hit.

Bonus track: La versión de Somewhere over the Rainbow de Israel Kamakawiwo'ole (o el apellido más difícil del mundo), la madre de todas estas canciones de arriba.

De ninguna manera se esta acusando de plagio a cualquiera de los artistas, solo se destaca el parecido entra las canciones.

Nuevo disco de Pez

2010-10-13T11:58:00.000-07:00

A fines de octubre sale "¡Viva Pez!", el flamante álbum de la banda liderada por Ariel Minimal. Este es el segundo disco que graban en vivo, el anterior fue "Para las almas sensibles", grabado en shows en el ND Ateneo y La Trastienda allá por el 2004/5.
Para este nuevo disco el grupo utilizó canciones grabadas el 12 de septiembre de 2009 en La Trastienda, a excepción de 3 temas grabados en vivo el 10 de julio de 2010 en Niceto Club. La lista de temas incluye varias canciones de su útimo disco de estudio ( "Roma", "Quiebran", "Soñar soñar", entre otras), clásicos de la banda como "Desde el viento en la montaña hasta la espuma del mar", "La estética del resentimiento"o "Fuerza" y un estreno muy peculiar: "Los caretas del reggae se lo quieren llevar pero el porro es del metal".

Lista de temas:

1- Roma
2- Quiebran
3- Ahogarme
4- El desengaño
5- Introducción declaración adivinanza
6- Desde el viento en la montaña hasta la espuma del mar
7- Cassette
8- Fuerza
9- No mi corazón coraza
10- ¡Vamos!
11- Los orfebres
12- Soñar soñar
13- Bettie al desierto
14- La estética del resentimiento
15- Los caretas del reggae se lo quieren llevar pero el porro es del metal
16- Conciencia
17- Haciendo real el sueño imposible
18- Último acto
19- Gala
20- Caballo loco

A continuación el video de "Desde el viento en la montaña..." en vivo en el Teatro Sala Opera.

Rock de estadios: ¿que en paz descanse?

2010-10-05T12:42:00.000-07:00

Serú Girán, Soda Stereo, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, La Renga, Los Piojos, Bersuit Vergarabat y la última Los Fabulosos Cadillacs. Esas son las bandas nacionales que tuvieron un recital propio en la cancha de River Plate. Spinetta se metió en el túnel del tiempo y revivió a todas sus bandas en un histórico show en Vélez, en el mismo lugar se dio el retorno de Charly García a los escenarios luego de su rehabilitación por consumo de drogas.
Con excepción de La Renga todas las bandas que tocaron en el Monumental hoy ya son parte del pasado. Spinetta y Charly, al margen de su incuestionable genialidad, son historia viva del rock nacional, pero justamente: historia. ¿Qué pasa con las bandas nuevas? ¿llegará alguna a convocar semejante cantidad de público?
Por excepción de una o dos, no lo creo. Contrario a lo que muchos piensan, yo no creo que el rock murió, ni que no hay nada nuevo. Yo creo que sí, que hay cosas geniales que van a lograr una posición más predominante en la industria pero no creo que logren semejante popularidad.
De las bandas grandes de la generación '00 solo está Catupecu Machu y desde un poco más atrás en el tiempo, Divididos. Esas dos ya hoy son cabeza de cartel y calculo que son las que más chances tienen de dar ese paso gigante.
Las Pastillas del Abuelo son tal vez la excepción que nombraba antes. Tienen todo lo que necesitan para esto, hacen grandes canciones, son de barrio, tienen ese tinte popular. Sin ir más lejos hoy ya llenan el Microestadio de Argentinos Juniors con los ojos cerrados. El Bordo también esta creciendo a pasos agigantados pero ¿cuál será su techo? Ya lo veremos.
En el under hay muchas bandas que están por despegar y pasar a las grandes ligas, pero justamente desde las raíces ya se ve que el mercado esta más atomizado que nunca, hablando en materia económica. El mató a un policía motorizado, Banda de Turistas, Los Natas, Vetamadre, Pez, Sancamaleón, Lisandro Aristimuño y un sinfín más son bandas que están en el momento justo para dar el salto que falta debido al cambio generacional que se esta dando en la industria. Pero, justamente, estas bandas no son para cualquier oído, son excelentes pero no son de lo que se conoce como rock de estadio.
Otro ejemplo podría ser Estelares, la banda platense cada día crece más, las críticas que reciben no pueden ser mejores y sus canciones tienen garantía de calidad asegurada pero su música tiene un techo.
La mayoría de los artistas nombrados anteriormente son de nicho, de uno en crecimiento, bastante grande, pero no tienen perfil de estadio.
Sumado a la parte artística, el rock de estadio ahora tiene una nueva traba. La legalidad de los mismos está puesta en duda, los vecinos de Nuñez no pueden vivir cada vez que hay un recital en River y en la Ciudad no hay ningún otro lugar que logre albergar tanta gente y con fácil acceso. El Club Ciudad de Buenos Aires y el mítico Obras ya no están habilitados para dar conciertos desde fines del año pasado. La cuestión ambiental es importante también, habrá que ver que medidas se toman o si se crea algún lugar con buenas condiciones para dar espectáculos de buena calidad.
Estamos ante una etapa de cambio, de un rock más pluralista donde por ahí ya no resalten tres o cuatro bandas sino que tal vez tome más importancia una movida cultural o un género. Pero ya lo dijo el gran Luis Alberto, no todo tiempo por pasado fue mejor. Mañana es mejor.

Vetamadre en el ND Ateneo: Un viaje sin fin

2010-09-29T12:06:00.000-07:00

Una lámpara tenue al medio, velas a los costados y un par de inciensos eran lo único que adornaba el escenario del ND Ateneo. La ambientación perfecta para empezar el viaje electroacústico que proponía Vetamadre.
Julio Breshnev entra al escenario con una guitarra acústica en mano, se sienta en un pequeño sillón y busca la posición más cómoda para arrancar con los acordes de “Para qué”. El cantante y guitarrista juega con su voz, por momentos susurra al oído, por otros, cala los huesos.
Continúa con Sin dudar, un gran tema perdido por su primer disco Ruido del mundo, el que va mutando hasta convertirse en los versos de “Fake Plastic Trees” de Radiohead. Pero la transformación va más allá, vuelve a la raíz (mejor dicho, vuelve a la veta madre) cuando arrancan los acordes de “Nada el tiempo”. Y como bien reza la canción “nada es mejor que estar unidos”, por lo que no hay mejor excusa para que se vayan sumando uno a uno los demás miembros de Vetamadre, Federico Colella en batería, Martín Dejean en rhodes, sintetizadores y teclado y Coca Monte en bajo.
El set acústico estuvo basado en temas de su segunda placa, Libérenme. “Casi todo” y “Ser humano”, dejaron la distorsión de lado en su reversión acústica pero no por ellos su potencia; mientras que temas como “Amanecer ciego” o “Sueño circular” cobraron otra dimensión al ser tocados en su hábitat natural.
La noche contó con un estreno, el tema “Cada vez más (hondo)” de su quinto disco de estudio OTROviaje, que verá la luz este 25 de noviembre. “Tiempo perdido”, del mismo disco, pasó en una versión casera con guitarra y cajón peruano únicamente. Llegado el último golpe al cajón, el escenario queda vacío. Esa lámpara tenue se apaga y los inciensos ya se encontraban completamente consumidos. La intriga empieza a florecer...
En un instante, se levanta un segundo telón de fondo que escondía la versión rockera de Vetamadre. Comenzaba la segunda parte del viaje, el Vetamadre a 220 mhz.
Junto a Tery Langer de Carajo arrancan este set eléctrico con “Saldrás hombre” y “Weird Fishes” de Radiohead, un cover que ya se volvió costumbre para los fanáticos. Luego el punteo de “No me ves” le da inicio a una de sus canciones más logradas. Un estribillo poderoso, un bajo resonante, una guitarra urgente y solo de sintetizador; Vetamadre en estado puro.
Para "ir completando la historia" - como bien dijo Monte - suenan las nuevas “A veces” y “Éxtasis” ; se cuela una versión muy rockera del clásico de Charly García, "Adela en el carrusel", que sorprende a más de uno y para rematar el momento, el himno de la banda, “Ruido del mundo”.
El final llega de la mano del último tema del futuro OTROviaje. Una intro emotiva y pegadiza por demás, un estribillo que conmueve y un final perfecto, en donde cada instrumento va abandonando la canción hasta dejar a Dejean y su piano solos terminando el viaje, que parece no tener fin, que sigue, resonando en nuestras cabezas hasta "La mañana después".

A continuación un video de Sin dudar/Fake Plastic Trees/Nada el tiempo en vivo en el NDAteneo:

Video de "A veces" en vivo en el NDAteneo:

Plagios: Vol II

2010-09-24T11:09:00.000-07:00

Otro viernes de plagios y esta vez más 2.0 que nunca. ¿Por qué? Porque esta vez no son las canciones las que fueron copiadas, sino los videos de dichas bandas. Estamos hablando del caso de El Bordo y The Vines. La banda de los hermanos Kurz lanzó en 2007 Yacanto, su disco más crudo y rockero. De este álbum se desprendieron varios cortes de difusión, entre ellos uno de los más reconocidos llamado La banda. Cuando vi este video en mi televisor hace ya varios años, la alarma de "plagio" empezó a sonar.
Es que claro, cinco años antes hubo una banda que la pegó mucho. Eran unos australianos con pinta rotosa y de bañarse cada 29 de febrero. Se llaman The Vines y uno de los hits de su segundo disco del 2004 fue Ride, el que tenía un video que es muy parecido al de El Bordo. ¿O el de El Bordo es muy parecido al The Vines? Ya me mezcle, fíjense ustedes.

La banda - El Bordo:

Ride - The Vines:

Lados b Hits Wonder

2010-09-21T17:22:00.000-07:00

Muchas de las bandas graban miles de canciones a la hora de componer un disco, de esas miles solo un puñado terminan viendo la luz. ¿Qué se hace con todos esos temas que sobraron? Muchas veces quedan en la nada, otras son retomados en futuros discos y en la mayoría son editados en los singles del disco como lados b.
Vaya uno a saber porque estos temas no entraron en la formación final del álbum, pero esto resulta muy peculiar en varios casos de canciones que terminaron siendo grandes hits y no fueron incluidas en ningún disco oficial.
Por lo que empecé a buscar en las profundidades de mi mente y se me vino el caso de tres de las bandas contemporáneas más grandes: Pearl Jam, Radiohead y Red Hot Chili Peppers.
En el caso de los oriundos de Seattle dos de sus mayores éxitos no corresponden a ningún álbum oficial. Yellow Ledbetter, tal vez una de las canciones más conocidas de Pearl Jam después de Alive, fue editada en el single de Jeremy y Last Kiss, es un cover de Wayne Cochran del '62 que grabaron como regalo de navidad para su club de fans y terminó siendo otro de sus temas mas populares. Ambos clásicos indiscutidos y temas infaltables en vivo.

Radiohead es una de esas bandas que cuenta con miles de lados b, pero hay uno en especial que logró convertirse en un clásico para sus seguidores. Es el tema True Love Waits, empezó a ser tocado en vivo antes del lanzamiento de Ok Computer y muy frecuentemente durante lo que fue la gira de presentación de Kid A y Amnesiac. La única versión oficial de la canción se encuentra grabada en vivo en su disco I Might Be Wrong: Live Recordings.

Por su parte, los RHCP también cuentan con un gran catalogo de lados b, siendo sus casos más resonantes los de Soul To Squeeze y Fortune Faded. El primero un tema que quedó afuera de Blood Sugar Sex Magik y llego a ser más masivo que otros singles de la misma época como fue Breaking the Girl o Suck My Kiss. Esta canción terminó formando parte de la banda sonora de la película Coneheads. Fortune Faded, es un lado b de las sesiones de By the Way y fue incluido en su segundo disco de grandes éxitos y lanzado como corte.

Plagios Entrecanciones: Vol I

2010-09-17T13:25:00.000-07:00

Los plagios renacen, pero esta vez pasan de su modelo radiofónico, en lo que supo ser el gran programa Causas Perdidas, a esta versión virtual. Sí, vuelven los parecidos de las canciones más sorprendentes e inimaginables (?).
Y para empezar acordes al clima primaveral, el debut de los plagios en Entrecanciones se da en clave reggae. Peter Tosh, Sublime y los argentinos de Riddim comparten mucho más que estilos musicales (no tanto en el caso de Sublime, que se caracteriza justamente por su mixtura de géneros) sino que los tres tienen en común una melodía en particular.
Pero basta de palabrerío y escuchen ustedes mismos los estribillos de las tres canciones y comprueben el parecido entre ellas:

Watcha Gonna Do - Peter Tosh: El tercer tema de su histórico disco Legalize It, editado en 1976.

Letra de cancion Peter Tosh - Whatcha Gonna Do

Caress Me Down - Sublime: Canción perteneciente a su álbum más exitoso del año 1995, titulado igual que la banda. El disco se iba a llamar Killin' It, pero debido a la muerte de su cantante Bradley Nowell antes de la salida del mismo decidieron nombrarlo simplemente Sublime.

Hey Bredda - Riddim: El primer single de su nuevo álbum Donde brilla el sol editado en 2009.

De ninguna manera se esta acusando de plagio a cualquiera de los artistas, solo se destaca el parecido entra las canciones.

Cada palabra, otro sentido

2010-09-13T13:41:00.000-07:00

Mis ojos están paralizados contra la ventana viendo como pasa este día gris, nefasto. El viento sopla tan fuerte que más que alerta de granizo tranquilamente podría haber alerta de baldosas. Los paraguas hacen acrobacias contra sus dueños. En otras palabras, un clima apocalíptico.
Pero en mis auriculares sonaba algo mágico, único. “Son cuatro casas sin ventana, cuatro cadáveres que van a renacer de entre los muertos, las visiones del final”. Una voz tenue canta esas palabras, un sintetizador que le hace las veces de sostén.
Estoy hablando de la genial Tango en segunda de Sui Generis. Un tema perdido en esa maravilla musical que es Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, ese disco que marcó el principio del fin.
Y que decir de este dúo, de la genialidad de Charly, de la simpleza de Nito, de la mezcla perfecta que eran. Pero no es eso solo; es la canción, es el momento justo e indicado. Es ese momento en donde todos los planos se cruzan y cada palabra cobra un sentido nuevo, donde cada sonido se vuelve eterno, donde la canción se eleva y te eleva. “Es una loca sin mañana, es una lágrima en el pan, así es la loba que me cuida cuando empiezo a despegar”.
Sigue lloviendo pero ya no importa. Ahora suena una canción veinte años más joven. Juan Ravioli toca Desde mi puerta al fin del mundo y la guitarra se siente como si estuviese al lado mío, sus susurros calan los huesos. La misma historia se repite, cada palabra cobra otro sentido, cada sonido se vuelve eterno.
Y la lluvia ya es parte del todo, un instrumento más, otro ingrediente del momento.

Nuevo corte de Kings Of Leon

2010-09-09T12:34:00.000-07:00

Tres hermanos y un primo aparecieron con sus pelos largos y barbas descuidadas allá por el año 2000 bajo el nombre de Kings Of Leon. Lanzaron un disco urgente y sureño, "Youth and Young Manhood", que contaba con un hit como "Red Morning Lights" y sirvió como puntapie inicial para que la historia de los Followill empezará a despegar. Su segundo disco, "Aha Shake Heartbreak", los consolidó como una gran banda de rock y finalmente dejaron de tener la etiqueta de "promesa" en la frente.
Con "Because of the times" hubo un cambio radical tanto en su apariencia como en su sonido. Se cortaron el pelo, se compraron una Gillette y dejaron la campera de jean rota por chalecos muy elegantes. Por otra parte, su música fue tomando un rumbo más oscuro, más experimental, en cierto punto emparentado con el rock alternativo.
Pero fue finalmente con "Only By The Night" donde alcanzaron una madurez sonora y llegaron a un público masivo gracias a hits radiales como "Sex On Fire" o "Use Somebody".
Su nuevo disco "Come Around Sundown" tiene fecha de salida para el mes de Octubre y ya se puede conocer su nuevo single "Radioactive". Acá abajo el video oficial del mismo. ¿Qué opinan?

La magia de la canción

2010-09-01T12:03:00.000-07:00

En los últimos años mis oídos fueron buscando la grandeza del sonido en lo simple. Hablo de transmitir con lo más mínimo. Me empezó a fascinar como con una instrumentación mínima se puede producir en un ser humano tremendas emociones, sensaciones. Estoy hablando de eso en lo que Los Beatles ya se habían recibido con diploma de honor, hablo de la magia de la canción.
Hoy en día el formato canción esta pisando fuerte, sobre todo gracias a la nueva ola folk con bandas como Fleet Foxes o Kings of Convenience, las que recogieron grandes críticas de los principales medios especializados alrededor del mundo.
En nuestro país la situación es muy similar. La escena under parió una camada de bandas y cantautores que se focalizaron en esta ciencia de la canción. Son artistas que absorvieron tanto de los trovadores inoxidables (Nick Drake, Leonard Cohen, etc.) como de todo el rock de los 90’s, pasan de Sui Generis o Almendra a Radiohead sin tapujos.
Esta generación logró un cruce generacional al mezclar sin miedo los viejos vinilos gastados de sus padres con el último mp3. Este amplio abanico de influencias se ve plasmado en el sonido de estos músicos que logran mezclar el folk y el rock de manera completamente natural, algo así como un fogón pero con ipod.

A continuación un par de bandas que exponen este sonido:

Devendra Banhart: un hippie en el año 2010. Tiene carisma, lindas canciones y varias dosis de vaya uno a saber que tipo de psicotrópicos. Este año lanzó su último disco y primero para una multinacional “What Will We Be” a través de Warner. Crítica del disco acá.

Juan Ravioli: muchos le señalaron sus sesgos spinetteanos pero al respecto dijo: “Me gusta mucho menos de lo que piensan”. Canciones firmes con muchas atmósferas y la perfección sonora como máxima pretensión. Suele tocar con grandes figuras del under porteño como Flopa, Pez o Valle de Muñecas. Tiene dos discos en su haber: Álbum para la juventud Volúmen 1 y 2. Crítica de los discos acá.

Ariel Minimal: el cantante de Pez en su faceta solista mostró uno de los mejores álbumes nacionales de la última época. “Un día en el maravilloso mundo de Ariel Minimal” es un tributo al fogón con canciones acústicas e intimistas. También lanzó “Ese impulso superior” a dúo con Florencia Ruiz siguiendo la misma línea. Otro disco sin desperdicio y una mezcla tan inesperada como homogénea.

Vandaveer: un trovador y su guitarra junto a una excelente vocalista dieron un disco perfecto de principio a fin. Divide and Conquer es capaz de curar cualquier oído. Crítica del disco acá.

Fleet Foxes: los más populares de esta “nueva ola” folk. Cinco tipos con barbas largas, grandes arreglos vocales y canciones con olor a bosque.

Lisandro Aristimuño: las máximas influencias del patagónico son Radiohead y Spinetta. Ahora a eso que se imaginen que pueda llegar a sonar, agréguenle folklore. Para escuchar abajo, para leer más acá.

El trío de Omar Rodríguez López: el guitarrista de Mars Volta recluto a su novia, la cantante Ximena Sariñana y logro un disco impecable. Melancólico por demás, Ciencia de los inútiles debería ser un disco obligado para pasar en las radios en las noches de invierno. Crítica del disco acá.

Little Joy: Rodrigo Amarante, el guitarrista y cantante de Los Hermanos (esos que hicieron un temita llamado Ana Julia, no sé si lo ubican) con Fabrizio Moretti, baterista de The Strokes y la cantante Binki Shapiro se hicieron amigos en un festival. El brasilero fue a Estados Unidos a colaborar con Devendra Banhart para su disco “Smokey Rolls Down Thunder Canyon” y terminó grabando uno propio. Con canciones cortas y alegres en su mayoría, el disco obtuvo grandes elogios de los principales medios.

Nick Drake: el trovador maldito tal vez. Este genial cantautor es un secreto que pasa de boca en boca a través de generaciones pese a no haber tenido nunca una enorme popularidad. Una gran influencia para muchos de los artistas folk de esta última década.

Sui Generis: que decir del dúo más grande que dió este país. La magia de Charly, la simpleza de Nito y canciones que sonarán en el inconsciente hasta el fin de los tiempos.

Kings of Convenience: Son noruegos y están catalogados como los Simon & Garfunkel de está época. Dos muchachos que le cantan a la vida con sus guitarras.

Fin de semana ENTRE CANCIONES

2010-08-25T13:31:00.000-07:00

Empezamos una nueva sección en donde te recomendamos cinco temas para el fin de semana. Te invitamos a que te sumes y nos dejes tu propia selección en los comentarios. Un paquete de canciones de todos los estilos, de todas partes del mundo y directo a tus oídos.

“Sprawl II (Mountains Beyond Mountains), Arcade Fire

El anteúltimo tema de The Suburbs rememora a la épica “Heart of Glass” de Blondie pero en siglo XXI. Para ir calentando la noche con buena música.

“What I Got”, Sublime

La banda californiana siempre es sinónimo de diversión. Un hit inoxidable, ideal para levantar el alma en cualquier momento del día.

“Viernes”, El trío de Omar Rodríguez López

El guitarrista de Mars Volta en su faceta más cancionera e intimista. Con la penetrante voz de su novia Ximena Sariñana nos dejan una canción para acompañar esas noches de soledad y melancolía. Depende el estado en el que estemos hay peligro de lágrima.

“Animal”, Pearl Jam

Noche, amigos, buena música y que las botellas empiecen a girar. Y que mejor manera de hacerlo que escuchando los gruñidos de Eddie Vedder y toda la potencia de una de las bandas más grandes de los últimos 20 años. Que sea rock!

"Total Life Forever", Foals

El tema que le da nombre al último disco de los ingleses de Foals es ideal para empezar la noche. Guitarras histriónicas, pulso bailable y acento inglés. ¡Qué más se puede pedir!

Si te gusto esto no dejes de visitar www.quetemabajo.com.ar, grandes selecciones de grandes artistas a tan solo un click de distancia!

Afuera, lo nuevo de Sancamaleón

2010-08-19T11:00:00.000-07:00

Sancamaleón sale al exterior de nuevo, desde adentro hacía Afuera, como se titula su nuevo disco. El sexteto siempre se destacó por estar en la vanguardia, tanto musical como, en este caso, comercial. Y es que Sanca te regala su disco en alta calidad, de a 2 o 3 temas por semana respectivamente, para descargar desde su sitio oficial www.sancamaleon.com.ar.
Pero eso no es todo, la banda no relega por eso el arte. La propuesta contiene tapas individuales para cada disco, las letras de cada canción, un comentario respecto de la misma, un video interactivo y la perlita para los más nerds del disco compacto (me incluyo): los créditos. Su edición en formato cd se podrá conseguir en el show de presentación del disco el 14 de septiembre en la Trastienda.
En cuanto a lo musical, los dos primeros temas que se encuentran disponibles marcan un gran avance en comparación a lo que fue Polenta, un disco más simple y pasajero, Afuera, da la impresión de ser un trabajo robusto y que llegó para quedarse. El primer tema, “Afuera”, muestra el Sanca más moderno y bailable, pero esta vez no en el sambódromo sino en la Creamfields y “Todos los caminos” es una genial oda a la oportunidad con una gran letra y un estribillo que queda reverberante en los oídos. A fin de mes, tendremos el disco completo, por el momento esperamos ansiosos que Afuera salga al exterior.

El cronograma de descarga de Afuera desde www.sancamaleon.com.ar:
Mar 17/8 : Afuera y Todos los caminos
Mar 24/8 : Tropa, 1988, Tómalo o déjalo
Mar 31/8 : Un ojo en el cielo, Paranoia del fin del mundo, Sandro
Mar 7/9 : Tormenta Africana y La última canción

De Canadá para todo el mundo

2010-07-29T12:04:00.000-07:00

Agosto. Ese era el mes elegido para el lanzamiento de The Suburbs, tercer disco de estudio de los canadienses Arcade Fire, pero el mundo digital -o más bien un ladrón digital (?)-decidió que ésta fecha se adelante unas semanas esparciendo por toda la web el disco completo y, dato no menor, a una calidad de sonido muy óptima.
Una gran expectativa giraba alrededor de esta nueva producción. No sólo era una de los lanzamientos más esperados de este año, sino que también este disco sería el escalón definitorio que los consagraría como banda o el que haría dudar a los críticos si no se encontraban frente a una estrella fugaz. Y por fortuna, esta última posibilidad se cae desde el primer tema.
El disco arranca con la canción que le da título al álbum, un tema con aires folk, bien cancionero. Un giro inesperado para lo que venía siendo su sonido, pero inmediatamente engancha con “Ready to Start”, un tema que ya vuelve más a los orígenes. Energía pop, pulso eléctrico y una atmósfera medio oscura para uno de los temas más sólidos del disco. “Modern Man” lleva una impronta de rock clásico pero -valga la contradicción- llevado a un plano bien moderno, con un corte de batería muy interesante que cambia los tiempos de la canción de manera abrupta.
Con un tono épico, apoyado en las melodías de violín y una atmósfera densa, “Rococo” aparece como la más experimental hasta el momento. El disco parece no dar respiro entre tema y tema. “Empty Room” arranca de la mano de unos violínes frenéticos que desencadenan en un tema con furia powerpop. Simplemente genial.
“City with no Children” pasa sin pena ni gloria basándose en unos sintetizadores y una de las melodías más luminosas (?) que haya entregado la banda, pese a tener una letra que no conjugue mucho con este adjetivo. El dúo “Half Light” y “Half Light II (No Celebration)” generan el clima ideal para la mitad del disco. La primera, una balada a lo Arcade Fire: jugando con violínes y guitarras acústicas, mientras la segunda arranca con un bombo en negras; pulso bailable y sintetizadores para un tema que en cierto aspecto rememora a U2.
“Suburban War”, es una de esas canciones que se convertirán en himno de los canadienses. Comienza como un arpegio de guitarra eléctrica en clean que ya denota el aire meláncolico de la canción que va increscendo hasta estallar en un final épico. El tema también sirve como un norte para entender este disco, en donde claramente se buscó una unidad. La letra de “Suburban War” incluye, como en un guiñó al oído atento, parte de el tandem inicial de “The Suburbs” y “Ready To Start”.
Continúa la acústica “Deep Blue” y otro de los temas más sólidos del disco, “We Used To Wait”. Un piano que taladra nuestros oídos desde el principio al final de la canción que sirve de base para que los Arcade Fire nos demuestren todo su arsenal. Un tema bailable, oscuro, rockero; bien Arcade Fire.
Para finalizar aparece otro dúo, “Sprawl (Flatland)” y “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains), como en la anterior pero con menos efectividad. La primera aparece como una balada mientras que la segunda es el tema más ochentoso que la banda jamás allá hecho. Algo así como el “Heart of Glass” de Blondie pero del 2010. El disco cierra con una versión melódica de The Suburbs, dándole un final cíclico a esta obra.
“The Suburbs” es un disco que, justamente, encuentra su fortaleza en su condición de álbum, de unidad. Curiosamente en épocas donde cada vez se apuesta menos por un concepto, los Arcade Fire apuestan contra el sistema. No por nada, los temas más sólidos del disco son elegidos como corte de difusión para EEUU e Inglaterra respectivamente. “The Suburbs” es muy bueno. Mejor que Neon Bible, un disco que contenía una serie de grandes canciones junto con otras de un porte mucho menor, pero no llega a ser genial como lo es “Funeral”, tal vez el mejor disco debut para una banda en los últimos tiempos.
En una industria cambiante día a día, con el poder para destruir grandes artistas en segundos como de llevar al estrellato a muñecos prefabricados en el mismo tiempo, Arcade Fire se consolida a pasos firmes y con el arte como estandarte.

A continuación, We Used To Wait:

Lisandro Aristimuño: El cantante de invierno

2010-07-15T11:37:00.000-07:00

A Lisandro Aristimuño lo encaré lleno de prejuicios. Todas las flores que le llovían por cada disco que lanzaba o entrevista que leía no hacían más que alejarme (momentáneamente) de la escucha de su música. Lo que es la estupidez, pero bueno. Las tapas de los discos con su cara como insignia no me motivaba ni un poquito a insertarme en su música, mas me continuaba alejando. Vean la tapa de su disco 39º y parece más de un cantante melancopoplatino que de un artista de la talla de Aristimuño.

Pero finalmente salió Las crónicas del viento con un arte de tapa (no cara de tapa) y los carteles del ND Ateneo con el papel pegado encima de “nueva función” visto 3 veces seguidas me dió la sensación de que algo grande se me estaba escapando de las manos. Y la primera escucha costó, tal vez sobre todo acostumbrarme al timbre de su voz. Esa voz áspera y aguda que al principio molestaba, pero al entrar en su arte me dí cuenta que es perfecta en su imperfección. De ese disco doble, pasé a sus anteriores discos: 39º, Ese asunto de la ventana y Azules Turquesa.

Aristimuño propone un viaje a través de imágenes y colores que pinta mediante líricas de amor y desamor, con melodías que coquetean entre el folk y la canción melancólica a la Radiohead. Y fiel discípulo de los de Oxford la sonoridad no es un tema menor en sus discos que incluyen pasajes instrumentales experimentales, grandes arreglos vocales y una que otra sección de cuerdas que siempre ronda las canciones.

Como bien dijo en una entrevista, los discos de este patagónico “son de invierno” y haciéndole honor me decidí a escuchar su música en esta estación y ya tuvo efecto en mí convirtiendo algunas de sus canciones en himnos de mis días como el caso de la bellísima y genial “Blue”, un bossanova que pega derecho en el alma (más si de un corazón roto se trata), la simple y potente “Es todo lo que tengo y es todo lo que hay”, la oscura “Perdón” o la folkie “La última prosa”, solo para citar un par.

Te puede gustar más o menos pero no se puede decir que no es un artista que no vale la pena darle una oportunidad. Así que sí no lo escuchaste ahora es el momento, yo ya rompí mis prejuicios y hoy no puedo parar de escucharlo.

A continuación "Blue":

Vandaveer: La perfección folk o algo muy cercano a ello

2010-07-08T12:26:00.000-07:00

Vandaveer es la banda ideal para musicalizar un día soleado de invierno. Las canciones que componen Divide and Conquer tienen esa elegancia y melancolía del invierno con la dulzura y el calor de una tarde de sol. Y un gran porcentaje de esto es logrado gracias a la impecable voz de Rose Guerin, quien canta a dúo en todas las canciones con el líder de este proyecto, Mark Charles Heidinger.

El tema que abre el disco, no sólo le da nombre al álbum sino que actúa como una perfecta síntesis de lo que Vandaveer ofrece en sus canciones: melodías dulces y guitarras acústicas dirigiendo la función junto a un piano tímido que merodea por los compases de la mano de una percusión simple que acompaña en un costado a la canción.

“Woolgathering” se presenta como un tema alegre, en donde Heidinger y su guitarra dan cátedra de lo que es un tema de fogón. “A Mighty Leviatan of Old” se lleva todos los aplausos en este fogón imaginario, con un tema en donde la fuerza que se genera de la conjunción de ambas voces logran llamar la atención hasta del oído más sordo, especialmente las segundas voces de Guerin son un festín para el escucha. Se merece ser el futuro himno folk por excelencia

“Fistful of Soon” es una de las canciones que rompe con ésta estructura fogonera, siendo el tema más oscuro del disco y uno de los mejores. Los cantantes nos susurran la letra, la instrumentación de toda la canción parece tener miedo de sonar fuerte con excepciones en los estribillos donde se animan a soltar la timidez.

En “Turpentine” la banda logra concentrar la oscuridad de “Fistful of Soon” con la fuerza de “A Mighty Leviatan of Old” en un tema lleno de subibajas sonoros. Si hubiese algo parecido a un ranking con alguna etiqueta como “folk alternativo” éste sería el hit número 1. Por el contrario “Before the Great War” aparece como el tema más popero del disco, ese que entraría en cualquier radio y en cualquier horario.

Divide and Conquer es un disco que no pasa desapercibido, que invita a viajar por distintos paisajes sonoros a través de una fórmula simple, eficiente y porqué no perfecta: menos es más. Y vaya que lograron un disco que es más que mucho de lo que anda dando vueltas por el mundo musical de estos días.

A continuación "A Mighty Leviatan of Old":

Perdónalo porque no sabe lo que hace

2010-06-23T11:45:00.000-07:00

Hace unos pocos días un amigo se compró en Taringa un clásico del rock de los 90 made in Seattle: Superunknown de Soundgarden. Automáticamente nos pusimos a hablar de las cualidades vocales de Chris Cornell. Ese hombre de refinado bigote y chivita cuenta con un timbre único, un rango vocal íncreible, una impronta de aquellas, de esas que no da lugar a confusiones.

Volví a casa y le dí play a Euphoria Morning, su excelente primer disco solista. Con eso me terminó de conquistar de vuelta, retomar ese álbum me dió el valor para bajar su último producto: Scream. ¿Porqué necesite valor? Por qué la prensa especializada lo destruyó de arriba a bajo, nadie rescataba nada de esta grabación y arriesgarme a des-enamorarme de este gran artista no era ninguna pavada para mis oídos. Ya su segundo disco solista fue un tropiezo, o más que un tropiezo un casillero en blanco. Un disco sin espíritu, con nada nuevo para ofrecer pero con algunas canciones que te hacían valer la escucha. A Scream, por el contrario, no se lo puede criticar por no innovar. Tal vez, lo hace demasiado.

En la tapa Cornell esta rompiendo una guitarra. Un llamado de atención ante lo que nos podríamos encontrar en el disco. Ya el hecho de estar producido por Timbaland (ese productor estrella del pop y hip hop) hizo que todos mis prejuicios salieran a flor de piel. Cuando tome el coraje suficiente di play al primer tema. Mi cabeza se convirtió en una licuadora de pensamientos. Lo primero que pensé fue a) esto es una joda, b) la crítica se quedó corta c) ¿me baje la música del Super Mario? El disco arranca con una intro (?) claramente inspirada en el soundtrack del Mario, más específicamente cuando ganas el nivel y llegás al castillo. Avanza el tema y se vuelve canchero, no llega a ser de boliche pero sí pseudo bailable. No está tan mal para un disco de un rapero featuring Chris Cornell. Pero no, la cosa no era así. Esto es un disco de Cornell y lamentablemente lleva su firma. Y no da lugar ni a un respiro, todos los temas están enlazados entre sí, como formando un gran opus generación 00. Los primero temas del disco ("Time", "Part of me") son los más logrados y mención aparte para la sorpresa del final: "Two Drink Minimum", un bluesecito guiado por una guitarra casi en clean, batería "a pulmón" y armónica inclusive. Una gota de esperanza para que sepamos que no todo esta perdido. El resto, más de lo mismo: mucho sintetizador y música de computadora.

No se puede decir que el disco aburre, todo lo contrario. Es entretenido, pero este estilo no le sienta bien. ¿Acaso necesitaba probar que es un artista versátil? No era necesario, ya lo había hecho. Sino escuchar la genial jazzera/soulera When I'm Down (de Euphoria Morning), la acústica Sunshower (del soundtrack de Singles) o cualquier tema de Soundgarden o Audioslave, para ver que es un artista de múltiples facetas. Algunos temas zafan más que otros, se te quedan pegados, por su melodía o porque empalagan a autotune y efectos innecesarios. Este álbum definitivamente fue un paso en falso, pero las esperanzas nunca se pierden y menos ahora que vuelve Soundgarden. Así que a sus compañeros de banda les pedimos, no sean malos y regálenle una guitarra nueva. El pobre la rompió para la tapa de un disco, no sabe lo que hace...

"Part of Me", Chris Cornell

Amor... o la ciencia de los inútiles

2010-05-04T12:44:00.000-07:00

La trío liderado por el guitarrista de Mars Volta lanzó su primer álbum basado en guitarras acústicas y la particular voz de Ximena Sariñana.

Ocho canciones. Una guitarra, un contrabajo y una voz femenina que envuelven a uno en un viaje en donde la sensibilidad brota a flor de piel. La voz de Ximena Sariñana no se destaca por ser despampanante, sino por una cualidad que hace la diferencia entre cantar -bien, mal o excelente- y ser un artista con todas las letras: transmitir, la ciencia de reflejar sentimientos a través de canciones.
Las palabras que entona la mexicana se desplazan sobre una base enteramente acústica a cargo de su novio, el multifacético e inquieto (chequear su site oficial sino) guitarrista de The Mars Volta Omar Rodríguez López y el contrabajista Aaron Cruz. Todas las canciones del trío comandado por Rodríguez López fueron bautizados como días de la semana, excepto por la creación del "octavo día" llamado Noche Día.
¿Acaso no dijeron por ahí que el amor es el motor del mundo? Por lo menos podemos asegurar que es el de este disco. Las letras giran alrededor del desamor y por momentos se animan a coquetear con temáticas existencialistas. Las guitarras eléctricas, algunos sintetizadores y efectos tienen su pequeño espacio en algunos pasajes de temas como Miércoles y Jueves. Pero lo que caracteriza al álbum es su carácter intimista. Uno siente que tiene al trío tocando ahí, al lado nuestro cantándonos al oído.
Volver a escuchar la oscura y agresiva Martes o la dulce Viernes se torna una obligación. Pero Ciencia de los inútiles está creado como una obra entera sin desperdicio alguno, ideal para musicalizar esas largas y frías noches, en donde la melancolía toca la puerta y que mejor que recibirla con un disco que le calza a la medida justa.

Disco: Ciencia de los inútiles
Artista: El trio de Omar Rodríguez López
Lista de temas:
1. Lunes
2. Martes.
3. Miércoles
4. Jueves
5. Viernes
6. Sábado
7. Domingo
8. Noche Día

A cotinuación el video oficial de Miércoles:

Juan Ravioli: El cantor de los sentimientos

2010-03-15T12:10:00.000-07:00

Juan Ravioli. Es el nombre y apellido de un arte que tanto suele escasear por estas pampas. Ya lo había escuchado cuando lanzó Álbum para la juventud volumen 1 y me pareció simplemente genial ese sonido tan oscuro y a la vez esperanzador, opulento y a la vez ajustado, complejo y simple. Es este tipo de disyuntiva lo que hace de Ravioli un músico excepcional. En sus dos discos editados oficialmente, Álbum para la juventud Vol. 1 y 2, el multiinstrumentista de casi dos metros de largo nos deja su alma en las canciones. Sus letras son pieza fundamental de su obra. Las canciones hablan de amor, pero no desde un punto trillado y meloso, sino desde lo más humano y visceral. La larga espera del olvido (tanto tiempo desatando nudos de recuerdos), el duro adiós final del amor (nuestro mejor defecto fue dejarnos partir), los juegos mentales (si pienso que nada cambió es porque ya no quiero ver), la dura ausencia (yo ya no quiero decir que esto no es lo mismo sin vos), los sentimientos imborrables (como no voy a decir que me hace bien recordar si yo no hice nada mal) y tantos otros efectos que conlleva el fin del amor funcionan como pilar de sus líricas. Permítanse viajar con Ravioli y sentir sus canciones como si fuesen propias.

A continuación, Los últimos tres en vivo en el Centro Cultural Islas Malvinas:

La consolidación de un artista versátil

2009-11-23T11:15:00.000-08:00

El cantautor Devendra Banhart lanzó su sexto disco What Will We Be. Un disco creado en base a pasajes acústicos y melodías alegres aptas para todo público.

Devendra Banhart es uno de los artistas que descubrí hace relativamente poco y pasó a estar entre mis preferidos. Con la simpleza como estandarte, el mitad venezolano mitad yankee logró establecerse como un referente de la movida folk con discos excelentes como Rejoicing In The Hands, Cripple Crow o Smokey Rolls Down Thunder Canyon. Estos dos últimos fueron lanzados ya acompañado por una banda estable, lo que le dió un sonido más contundente y rockero a las canciones.
Hace menos de un mes, Banhart lanzó What Will We Be, su sexta placa de estudio, pero esta vez por una compañía multinacional: Warner. Este disco muestra a una versión menos experimental de Banhart y más afirmado a la canción.
El álbum arranca con “Can’t Help But Smiling”, un tema que anticipa el clima que guiará todo el álbum: melodías simples y alegres acompañadas de una instrumentación que sabe no necesita de virtuosismos para destacarse.
Le sigue “Angelika”, tal vez el mejor tema del disco. Una canción que mecha una melodía infantil (que recuerda a su canción "Todos los dolores" de su segundo disco Rejoicing In The Hands) con un ritmo latino con letra en castellano. Un clásico tema made in Devendra. Completa la trilogía inicial “Baby”, un tema soft rock con pasta de hit.
A lo largo del álbum prevalecen los paisajes acústicos – “Goin' Back”- y otros más atmosféricos con la inclusión del piano – “Last Song For B”-.
“16th & Valencia Roxy Music” se presenta como el bicho raro del disco, pero logra salir airoso animándose al rock de pista de baile por un ratito pero manteniendo su estilo con la inmersión de distintos instrumentos de percusión, lo que le da un toque experimental. “Rats” llama la atención con su riff zeppelineano, pero no logra pasar a mayores y queda a medio camino.
La simple y genial “Brindo” es la canción ideal para escuchar una noche lluviosa junto a tu pareja o solo en plan melancólico. “Walilamdzi” nos transporta a un mundo de paz y armonía, en otras palabras: una canción con olor a bosque. Para el final, Banhart sorprende con “Foolin’” un reggae que recuerda más a Toots & The Maytals que a Bob Marley.
Banhart se consolida con un disco ATP, que no brilla pero deslumbra con un par de canciones que tienen futuro de clásicos.

Los más destacados:
Angelika - 16th & Valencia Roxy Music - Can't Help But Smiling - Brindo - Baby

Lista de temas:
1. Can't Help But Smiling
2. Angelika
3. Baby
4. Goin' Back
5. First Song for B
6. Last Song for B
7. Chin Chin & Muck Muck
8. 16th & Valencia Roxy Music
9. Rats
10. Maria Lionza
11. Brindo
12. Meet Me At Lookout Point
13. Walilamdzi
14. Foolin'

A paso firme

2009-10-08T11:50:00.000-07:00

Los cambios artísticos en la vida de un músico muchas veces marcan un antes y un después. Es cierto que hay bandas que mantienen un sonido monótono. Grupos que prefieren reposarse en los laureles de la estabilidad conseguida gracias a un determinado sonido que apostar por nuevos rumbos llenos de posibilidades, tanto de fracasos como de victorias. Los más difícil y a la vez más meritorio, es (jugándomela de filósofo) cambiar los accidentes pero no la esencia. Experimentar pero manteniendo eso que tanto cuesta conseguir: una identidad. De eso se trata, de mantener la identidad. Eso es lo que logró AFI por partida doble, consagrarse como una banda del mainstream, innovando y conservando su esencia.
Crash Love es la octava placa de los californianos y la que los muestra en su faceta más sólida desde su primer lanzamiento multinacional, Sing the Sorrow. Dejando de lado el mini-affair que tuvieron con la música electrónica en su antecesor Decemberunderground, Crash Love se planta como el disco más luminoso y guitarrero de su carrera, escasean las letras oscuras y depresivas tan características de su cantante Davey Havoc, pero no por eso son optimistas. La mayoría de ellas tratan sobre las desventuras del showbusiness norteamericano, ambiente con el que estos ex – punks de la costa oeste de California. se empezaron a chocar en este último tiempo. Las letras tal vez sean el punto más bajo de todo el disco, la mayoría de ellas carecen de contenido o pululan por situaciones banales y comunes como en el caso de “Veronica Sawyer Smokes” o “Medicate”.
De lo que no se puede decir lo mismo es en cuanto a su sonido. Producidos por Joe McGrath and Jacknife Lee, el cuarteto propone doce temas en donde el formato tradicional de canción – verso, estribillo, verso – prima por sobre todas las cosas.
Contrario a la tradición de la banda, Crash Love abre sin ningún track introductorio, arremete directamente con “Torch Song”, una canción que tranquilamente podría formar parte de Sing the Sorrow, con una tapping supremo como riff principal, un trabajo de guitarras impecable y un estribillo épico; seguida por la contundente “Beautiful Thieves”, en donde la voz de Havoc rememora por partes a la del ex The Smiths, Morrisey.
Con una clara influencia del rock de los 80’s y 90’s, “End Transmission” se presenta como un tema mid tempo en donde el bajo de Hunter Burgan guía toda la canción acompañada por la guitarra de Jade Puget, que en este caso no se encuentra tan al frente, sino que sirve más como un instrumento atmosférico.
“Too Shy To Scream” aparece como la canción más experimental y más comercial al mismo tiempo. Con un verso donde las guitarras, el bajo y la batería forman una tríada rítmica impresionante que termina decayendo en un estribillo casi infantil y meloso por demás. Por su parte, “Veronica Sawyer Smokes” es una canción pop hecha y derecha que no genera sobresaltos. Simplemente, cumple.
Por el contrario, en la mitad exacta del disco aparece “Okay, I Feel Better Now”. Melodía, sentimiento, un estribillo con aires a The Killers y unas guitarras más que interesantes para crear una de las canciones más destacadas del disco.
El primer single del disco, “Medicate” es la canción más urgente del disco, con un aire punk que a los más nostálgicos les recordará a los primeros discos de la banda, salvo que en esa época no hacían solos como los que tiene el final de esta canción. “I Am Trying Very Hard To Be Here” es un tema destinado a convertirse en un clásico de la banda, con una letra que parece aludir a la trágica muerte de Lady Di y al acoso que sufría de parte de los paparazzi (“Flash Flash/Car Crash/ We are no fixtures/Quick Now Quick/Take a picture”).
“Cold Hands” contiene unas guitarras muy al frente y un estribillo con destino radiofónico. El último tema del álbum, “It Was Mine” conserva las características clásicas para ser un gran final: ímpetu, fuerza y un plus: pasta de hit.
AFI pasó de ser una banda de hardcore punk crudo a ser una banda emo antes de que el terminó existiera. Hoy recorren un camino más ligado al rock clásico, a ese rock que puede llenar estadios, y lo están haciendo a paso firme.

Lista de temas:
1. Torch Song
2. Beautiful Thieves
3. End Transmission
4. Too Shy To Scream
5. Veronica Sawyer Smokes
6. Ok, I Feel Better Now
7. Medicate
8. I Am Trying Very Hard To Be Here
9. Sacrilege
10. Darling, I Want To Destroy You
11. Cold Hands
12. It Was Mine

Los más destacados: Torch Song - Beautiful Thieves - Ok, I Feel Better Now - End Transmission - I Am Trying Very Hard To Be Here

A continuación el video oficial de su single "Medicate":

Cortitas y al pie

2009-08-31T12:01:00.000-07:00

Entre rumores y mp3s. Radiohead lanzó gratis para descargarse desde su página oficial un nuevo tema llamado “These Are My Twisted Words”. Fieles a las nuevas tendencias, la canción viene en un archivo Zip que incluye el arte de tapa en un archivo .pdf y los créditos de la canción en un archivo .txt. El lanzamiento de este single se produjo entre una ola de rumores que sostenían que la decisión de regalar el tema en cuestión fue tomada tras la filtración de esta nueva canción en Internet. Sin ir más lejos, la radio inglesa Sirius XM presentó “These Are My Twisted Words” como el corte de difusión de su nuevo EP, cuyo nombre sería Wall Of Ice. Desde el lado de la banda de Oxford no hay ninguna novedad al respecto de este rumor. Lo único cierto es que Radiohead logró de nuevo estar en boca de todos.

Tweet Love. Este 26 de septiembre sale a la venta Crash Love, el octavo disco de estudio de los californianos AFI. En una gran estrategia de marketing fiel a los tiempos que corren, el cuarteto develó la lista de temas del álbum utilizando Twitter. A medida que se llegaba la cantidad de “tweets” necesaria se develaba una nueva canción del disco. Sumado a esto, la banda lanzó progresivamente distintos videos de las sesiones de grabación por Youtube. “Medicate”, el primer single de Crash Love, ya se puede adquirir vía Itunes y la versión deluxe del disco ya puede ser encargada por el mismo medio.

Una de vampiros. Death Cab for Cutie compusó un tema exclusivo para la banda sonora de New Moon, la segunda película de la saga de vampiros Twilight. La nueva canción fue titulada “Meet Me On The Equinox” y, según su bajista Nick Harmer, “captura ese desesperante sentimiento de finales y principios que fuertemente afecta a los personajes”. El estreno de esta canción será el 13 de septiembre por el sitio web de MTV durante la transmisión de los Video Music Awards 2009. La banda sonora de New Moon contaría con la participación de artistas como Thom Yorke, cantante de Radiohead, Grizzly Bear y Muse, entre otras.

En contra del torrente

2009-07-13T17:50:00.000-07:00

Vetamadre se presentó en Niceto Club en un gran recital a base de excelentes covers, gran sonido y lo más importante, buenas canciones.

A PESAR DE TODO. "No sabíamos si tocar o no, pero teníamos muchas ganas y decidimos que lo mejor era dar info de la gripe a la gente y cuidarse", comentó Julio Breshnev, cantante y guitarrista de Vetamadre

“Pásenla bien y lávense las manos”. Que mejor frase que la que disparó Julio Breshnev, desde el escenario para retratar la situación vivida. Entre frío y alcohol en gel, Vetamadre tocó en un Niceto bastante lleno considerando la situación actual del país.
Los recitales de Vetamadre se suelen destacar por la variación de sonidos y ambientes que logran, pasando de la intensidad a la tranquilidad entre tema y tema. “Letargo” fue la canción elegida para abrir la noche, seguida sin respiro por “Lluvia Cósmica” como para empezar a calentar el recinto.
El primer cover de la noche llegó más temprano de lo esperado, cuando la batería empezó a sonar y las caras de los presentes que mordían sus labios o giraban sus cabezas sin poder creer que lo que estaban escuchando era “Weird Fishes” de Radiohead, uno de los mejores temas de su último disco In Rainbows.
“Torrente”, de su tercer disco Veratravés, es tal vez una de las mejores canciones que representa el estilo de la banda y eso se nota también en su público, quienes responden cantando a viva voz su estribillo, casi queriéndole robar el puesto a su cantante y guitarrista, Julio Breshnev. El conjunto presentó también “Nombre”, un tema de su futuro disco con una gran letra que reza: libertad/ese es mi nombre.
Aproximadamente en la mitad del show, la guitarra acústica tomó el lugar de la SG para dar lugar a la sentida “A través", la mística “Sueño circular” y la oscura “Para qué”, con un coda en donde el bajo de Coca Monte, los sintetizadores de Marín Dejean, la batería de Federico Colella y la guitarra de Breshnev se fusionaron en un mantra sonoro que deja perplejo a cualquiera.
Como si todo esto fuera poco, el segundo cover de la noche fue “Interstate Love Song”, himno de los recientemente reunidos Stone Temple Pilots. Pichu Serniotti, ex – guitarrista de Cabezones y actual cantante y guitarrista de Quedate Así, sumo su guitarra para “Rara puerta” y Luis Volcoff, productor artístico de Vetamadre y bajista de Quedate Así, se adhirió para “Ruido del mundo”, “el tema que tal vez más les gusta”, como comentó Coca Monte.
“Nada el tiempo” fue el tema encargado de cerrar la noche y de dejar a todos los presentes con ganas de más. Las luces del local se prendieron, para dejarnos en claro que el recital terminó. Cada uno marcha a su destino, aunque con una imagen atípica: la mayoría refregándose las manos con alcohol en gel.

A continuación un video de "Ruido del mundo" en vivo en Niceto Club:

Cambia, todo cambia

2009-07-03T07:42:00.000-07:00

Las tecnologías avanzan y el mundo de la música no se queda afuera. Mp3, Myspace, Itunes y derechos de autor en la era digital.

RENOVACIÓN. Los Ipods, símbolos de una nueva era.

Ninguna persona de más de 60 años hubiera imaginado que existiría algo como Internet, ni que esos discos de vinilo que escuchaban en sus tocadiscos hoy son como dinosaurios para sus nietos. De la rockola al Myspace, del vinilo al mp3, de la radio Spika al Ipod, la difusión y los soportes de transmisión de música han variado drásticamente en la última década.

Los números hablan por sí solos. En lo que va de 2008 se llevan vendidos 12.692.633 discos, casi diez millones menos que en 1998; 90.000 son los reproductores de mp3 que se llevan vendidos a lo largo del año, sin contar los 5000 que se venden de manera ilegal y más de 115 millones son los usuarios activos registrados en Myspace alrededor de todo el mundo.

“Creo que Internet es un medio enorme para que la música se conozca y para mi es muy importante que mi música llegue, que no tenga fronteras”, comenta Florencia Ruiz, una referente de la escena under porteña. El sitio Myspace es uno de los principales precursores de una “música sin fronteras”, ofreciendo la posibilidad de mostrar sus canciones y promocionar sus obras de manera gratuita para todo el mundo. Pero no es sólo un reproductor de música virtual, también ofrece un mail propio para comunicarse entre usuarios, la posibilidad de crear un blog personal y espacio para subir videos y fotos.

“El Myspace favoreció a una mayor exposición y Youtube también. Hay un montón de gente que ahora puede difundir sus obras gratis por Internet. Creó una escena, virtual, pero una escena de la que todos pueden ser parte y eso es genial” opina Juana Chang, cantautora porteña. Andrés Centrone, baterista del grupo Boreales, disiente con Ruiz y Chang: “No creo que aumente la exposición, por ahí la facilita, pero al haber tanta demanda de bandas no se termina de escuchar de verdad una obra en su totalidad como en un disco. Se tiene todo para no tener nada”.

Hoy en día, Myspace pasó a ser vital en cuanto a la difusión de los artistas. Desde los que tocan en estadios a los que ensayan en el garage de su casa tienen uno. El fenómeno creció tanto que las principales compañías discográficas llegaron a distintos acuerdos con los dueños del sitio para crear páginas oficiales en Myspace del catálogo de cada disquera con una promoción y difusión mayor que la del resto.

Tampoco faltan los casos de artistas completamente desconocidos que llegaron a un contrato discográfico y, consecuentemente, a la fama de la noche a la mañana gracias a Myspace. Las últimas revelaciones del rock y el pop internacional, como Lily Allen o los Arctic Monkeys, son una muestra de ello.

¿MP3 es cultura?

El vertiginoso descenso de la venta de discos y el furor del download son dos sucesos que tocan al músico muy de cerca. Las multinacionales desesperan sin saber que hacer para frenar la descarga de canciones por Internet, pero ¿los artistas qué piensan al respecto? “Negarse a Internet es negarse a algo irremediable. Y más allá de ideologías o posturas, la red es una herramienta”, señala Martín Kraut, bajista de Carmensandiego. Fede Cabral, cantante de Sancamaleón, ve a esta movida como algo natural: “yo me bajo discos, la gente también lo hace”. Por otra parte, Florencia Ruiz asegura no haber caído bajo las fauces del gigante tecnológico. “Nunca bajé nada de Internet. Dos de mis discos se venden en la red y los demás los podes encontrar para descargarlos gratuitamente. Yo no los subí pero no puedo luchar contra eso.”

El 10 de octubre de 2007, el grupo inglés Radiohead marcó un antes y un después en la historia de la industria musical. La banda ofreció su disco “In Rainbows” para bajar desde su sitio oficial al precio que cada uno quisiera ponerle. “Estoy a favor de la distribución gratuita, no sé si pueden hacerla todos los artistas, pero es decisión de cada uno y me parece genial que se abra la cancha y artistas como Radiohead dejen que la gente decida el precio de su obra”, sostiene Srta. Carolina, cantautora porteña. También desde Inglaterra, Prince decidió lanzar su último disco gratis con la entrega dominical del diario “Mail on Sunday”; el grupo Nine Inch Nails lanzó un disco séxtuple instrumental por Internet y la lista sigue en aumento.

En Argentina, los artistas consagrados se ven más reacios ante estas nuevas tecnologías. “Comprar un disco no es burguesía, ¡es dignidad!”, dispara Andrés Calamaro en una entrevista para la revista Rolling Stone. Por otra parte, artistas como Luis Alberto Spinetta también se apegan al formato clásico aunque no le dan la espalda al nuevo fenómeno. “El mp3 es una rebaja en la calidad sonora y a la vez tiene la virtud de que cuenta con suficiente calidad para que escuches una gran cantidad de material instantáneamente. Tiene tantas virtudes que no sé qué contra se le puede encontrar”, opina el “Flaco”.

En este aspecto, la nota la dan los artistas emergentes, como el caso de la banda Hamacas al Río, que ofrece gratis su último EP “Un pequeño relato” a través de su sitio oficial, con la curiosa posibilidad de elegir entre cuatro opciones para la tapa del disco, entre ellas, una por el reconocido dibujante Liniers. Otra banda que se sumó a esta “nueva ola” es Panza, que también brinda su último EP “Pequeños Fracasos” del mismo modo.

Uno de los principales temas de debate acerca de la transferencia de música por Internet es si debiera tener un costo o ser gratuita. Andrés Centrone cuenta que personalmente prefiere el formato tradicional del disco antes que estas nuevas formas, de todas maneras, está de acuerdo con la distribución sin fines de lucro. “La idea de la música gratis me parece bien, los discos siguen estando caros.” Tajante y apocalíptico, Cabral remata: “Los discos no se venden más”.

Pero no todo el mundo esta de acuerdo con el concepto de “música gratis”, principalmente, las discográficas. La Asociación para la Protección de los Derechos Intelectuales sobre Fonogramas y Videogramas (APDIF) demandó a varios usuarios de programas p2p (softwares que permiten descargar archivos de otros usuarios y compartirlos entre ellos) como Kazaa, LimeWire o Emule. El daño estaría basado en el hecho de compartir los archivos con otros usuarios y así conformar una red interminable de transferencia de archivos ilegales. Ilegales por tener todos los derechos reservados y de este modo, prohibida su préstamo o cualquier otro uso no autorizado, siendo los artistas más bajados en su gran mayoría, los pertenecientes a las principales discográficas como Sony-BMG, Universal o EMI.

Como solución a estos problemas, Lawrence Lessig, profesor de derecho en la Universidad de Stanfordy especialista en ciberderecho, fundó la organización sin fines de lucro Creative Commons (CC). El objetivo de Creative Commons es dar la posibilidad de registrar distintos productos bajo “algunos derechos reservados” en vez del “todos los derechos reservados” que ofrece el copyright clásico. Algunas de las propiedades de la licenciatura CC son la citación de las fuentes de los contenidos obligatoriamente, la imposibilidad de recibir alguna bonificación económica para quien haga uso de contenidos bajo esta licencia, y la posibilidad de compartir y descargar archivos sin ningún problema legal. Trent Reznor, líder de Nine Inch Nails, fue uno de los primeros en licenciar su disco “Ghosts I-IV” bajo CC, y de este modo la ONG consiguió tener un renombre internacional. El proyecto se expandió mundialmente con la creación de Creative Commons International, en dónde se quiere traducir las licencias a distintos idiomas para así adaptarlas a cada país. En la actualidad cuenta con 48 países con las licencias traducidas (entre ellos Argentina) y con más de 70 países interesados en empezar dichos trámites.

Pero a pesar de estas innovaciones en lo que respecta a los tipos de licencia posibles, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) cobra distintos aranceles por el uso de música en Internet ya sea descargable o no. Sin ir más lejos, SADAIC le cobra a los propios artistas por usar música como ambientación de su propio sitio web con los siguientes aranceles: 3 pesos por un mes, 17 pesos por 6 meses y 31 pesos por año. En el caso de los artistas que pongan sus canciones para descargar deberán abonar un 10% más IVA del precio de venta del mp3. En otras palabras, los artistas que ofrecen gratis sus canciones desde su sitio web deben pagar por regalar su obra.

En Argentina, la venta de música en formato digital no logró instalarse en el mercado de la misma manera que en Estados Unidos u otros países de Europa. Según los últimos datos de la consultora de mercado NPD Group, la empresa Apple vendió a través de su programa Itunes más de cinco billones de canciones. Además de tener el record de ventas, contiene el catálogo de canciones más grande con más de ocho millones de temas. Un verdadero magnate virtual. En Norteamérica se logró introducir una cultura de consumo de música vía Internet legal, una veta que en el país todavía no fue explotada.

A escala nacional, la venta de música digital es ínfima en comparación con Itunes. Sitios como 10música.com ofrece la venta de mp3 pero no llegan ni a un mínimo por ciento de las ganancias que se logran en otros países.

A su vez, sitios como Taringa.net, en donde cada usuario comparte lo que quiere libremente y lo publica en la página disponible para descargar, crecen de manera exorbitante cada día. Tanto es así, que llevan más de un millón de usuarios registrados, sin tener en cuenta que las publicaciones en Taringa son accesibles para cualquier persona que navegue por la red, lo que lleva a una cantidad de usuarios imposible de contar.

Por otra parte, hay quienes buscan darle otra vuelta a la industria pero manteniendo el disco como soporte. Ese es el caso de Leo García, que decidió editar una serie de diez discos de seis canciones cada uno para regalar en cada lugar que se presente en vivo. Su objetivo es crear un box-set que reúna todos los discos para luego venderlo en las disquerías. Toda una revolución para el mercado nacional desde el ya mítico disco quíntuple de Andrés Calamaro, “El salmón”.

Otros que no se quedaron fuera de esta revolución tecnológica son los Babasónicos. Fieles a las vanguardias, el grupo innovó en la industria lanzando su último disco “Mucho” por celular. El álbum venía cargado en formato mp3 con la compra de los teléfonos de Motorola W5 y Z6 afiliados a la empresa Personal.

Tal vez por ahora, como sostiene Manza Esaín, productor mítico del under porteño y cantante y guitarrista de Valle de Muñecas, sólo “hay que aceptar” los recursos que brinda Internet. Al fin y al cabo “es el signo de los tiempos, y no se puede ir en su contra, sólo aprovechar los beneficios”.

Oído de músico: Flopa

2009-06-06T08:46:00.000-07:00

La cantautora por excelencia del indie local nos cuenta todo sobre sus gustos musicales. De The Smiths a Caetano Veloso, su primer recital y las siempre presentes siglas: MP3.

Flopa (Florencia Lestani) en sus canciones nos muestra sin tapujos su interior. Amor o desamor, felicidad o tristeza, la música habla por sí sola y nos transmite lo que ella es. En esta ocasión, no son las canciones sino la mismísima Flopa, quien se abre pero para contarnos qué anda dando vueltas por sus oídos.
La cantautora afirma que Caetano Veloso le "abrió la cabeza para escuchar música que no era necesariamente rock", rememora su primer recital - The Cure en el estadio de Ferro "con trifulca y todo" - y confiesa que "la gran mayoría de la música que tenía era grabada. Igual que ahora, sólo cambió la sigla TDK por MP3".

-¿Cuál es la banda o solista qué últimamente más escuchás?
- Estoy escuchando mucho Arnaldo Antunes y The Byrds. También a Juan Ravioli y a Pez, que acaban de sacar sus discos y los tengo ahí girando.

-¿Qué banda o solista te marcó en tu vida?
-Varios. En la infancia, Serrat y Nino Bravo. De adolescente fui muy fanática de The Smiths y The Cure, que los ví acá en Ferro. Fue mi primer recital, no me lo olvido más, con trifulca y todo. Y después, Caetano Veloso fue otro gran clic, me abrió la cabeza a escuchar música que no era necesariamente rock.

-Si fueras una canción, ¿cuál serías?
-Sería... ¡Popotitos! Doy con el fisic to rol, de una.

-¿Cuáles son las cinco canciones que más te gustan?
-Hoy se me antoja un listado al estilo de “esa vieja música de locos”. "Heatwave", un clásico de Motown del sesenta y algo. Una canción que levanta muertos, con versiones muy conocidas de Martha Reeves and The Vandellas y de The Jam. Otras canciones son "Victoria" deThe Kinks, "The One I Love" de REM, "Somegirls Are Bigger Than Others" de The Smiths y "You Don´t Know Me" de Caetano Veloso.

-¿Cuál fue el primer disco que te compraste?
-Comprado original en casette, creo que fue The Head on the Door de The Cure. La gran mayoría de la música que tenía era grabada. Igual que ahora, sólo cambió la sigla TDK por MP3.

-¿Cómo armarías tu banda ideal?
-Es grande la tentación de resucitar muertos para esta prenda, habiendo tantos vivos e igualmente imposibles, ¿no? Haría un cuarteto con Johnny Marr, Mick Harvey y Dante Salvador.

A continuación, un video de "Los días por llegar" en vivo en el FestiPez:

Oído de músico: Srta. Carolina

2009-05-19T07:55:00.000-07:00

La cantautora nos cuenta sus gustos musicales con lujo de detalles. Sus bandas nuevas favoritas, algunas recomendaciones y su fanatismo por Radiohead.

Sincera y sencilla. Así es Carolina Pacheco y un relfejo de ello son sus palabras. "Que la vida traiga a quien traiga y tocaremos", opina la cantautora. Tampoco la vida trajo a cualquiera, ya que no todos tienen la oportunidad de grabar una canción con un artista al que uno admira , como en su caso fue Gabo Ferro. "Es un poeta y es muy coherente. Sencillamente, me encanta", sostiene Pacheco acerca del músico.
La cantante confiesa que si fuera una canción "desearía ser Barro tal vez" y considera que Muse es la única banda que le "rompió la cabeza" de este último tiempo.

-¿Cuál fue el último disco que te compraste?
-Hace poquito me compré Years Of Refusal de Morrissey.

-Si tendrías que recomendarle alguna banda a alguien, ¿cuál sería?
-Hace poco recomendé en mi facebook a Sia. Es una cantante australiana que muchos ya habrán escuchado sin saberlo, porque participó como una de las voces en todos los discos de Zero7. Tengo sus dos LPs en mi mp3 y no paran de sonar. Vale la pena, además de tener una gran habilidad con la voz, es su onda y sus composiciones lo que me atrapan. Y de acá, soy completamente enferma de La Cosa Mostra, son sanguíneos y me provocan algo inexplicable, además hacen algo que no está haciendo nadie. Quien aún no haya ido a un show suyo, se está perdiendo de algo importante.

-¿Cuál es la banda o solista qué últimamente más escuchás?
-Ahora estoy descubriendo a Soulwax que es genial para antes de salir, y estos días volví a Mentre Tutto Scorre, segundo disco de Negramaro, una banda italiana tipo Incubus que a pesar de su "popismo" me fascina.

-Si fueras una canción, ¿cuál serías?
-Uh que jodido. Como desear, desearía ser Barro tal vez (de Luis Alberto Spinetta), lo que dice es lo que me pasa. Pero no me puedo autodefinir con una, a menos que sea una mía.

- ¿Cuáles son las bandas internacionales y nacionales que más te gustaron en este último tiempo?
-De lo más nuevo no hay mucho que me rompa la cabeza. Lo más cercano a eso es lo que me pasó hace un par de años con Muse, que me parece que es lo que más va a perdurar de las bandas nuevas, porque son simplemente grandiosos. Sus discos, y lo que hacen en vivo. Los vi en el Gran Rex y es zarpado. De acá, Gabo Ferro es alguien a quien escucho de forma distinta cada vez, porque tiene belleza en la estética sin perder el contenido. Lo admiro, es un poeta y es muy coherente. Sencillamente, me encanta y disfruto escucharlo.

- ¿Con qué banda o solista te gustaría tocar?
-Soy partidaria de la promiscuidad musical. Que la vida traiga a quien traiga y tocaremos.

- Si tendrías que definir la música con un artista, ¿cuál sería? ¿Por qué?
-Sería Radiohead. Porque son suficientemente consistentes sin perder apertura. Porque se renuevan pero tienen personalidad. Porque son profundos con una forma bella, estéticamente equilibrados pero poderosos. Porque siempre se animaron a evolucionar. Porque no les importa nada y no necesitan ser agresivos hacia el público o la prensa para demostrarlo.

A continuación un video del tema "Invierno" en vivo en el Centro Cultural de la Cooperación:

Oído de músico: Fede Cabral, de Sancamaleón

2009-05-14T14:53:00.000-07:00

El cantante se abre y nos cuenta que música anda dando vuelta por sus oídos. Sus bandas preferidas, los mejores recitales a los que fue y sus ganas de tocar con todos en el rock.

Los estilos que toca Sancamaleón van desde el hardcore a la samba, pasando por el funk y el ska. Así de variados también son los gustos de Federico Cabral, su cantante, quien cuenta que escucha desde Gustavo Cerati a Bob Marley.
El cantante nos confiesa qué lo llevó a ser músico y considera que "Radiohead definió la última década". "Acá la vanguardia esta en Babasónicos y en la canción popular de la mano del Gran Andrés", dispara Cabral.

-¿A cuál fue el mejor recital que fuiste o cuál te marcó más en especial?
-Vi muchos y muy buenos shows, tanto de afuera como de acá. Podría nombrarte el de White Stripes en el Luna, que fue rockerisimo, retro y futurista. Lo mismo el de Radiohead, fue hermoso; con Bjork hace unos años también. De acá shows de Babasónicos, Illya Kuryaki and the Valderramas o La Vela. Todos estos en Cemento hace muchos años, una locura, y... es lo que me llevó a ser músico.

-Si tendrías que recomendarle alguna banda a alguien, ¿cuál sería?
Muchísimas cosas, hay mucha música. La última que vi y me encanto fue Les Mentettes, de Argentina.

-¿Cuál es la banda o solista qué últimamente más escuchás?
-Últimamente me copé mucho con los discos de Keith Richards solista. En los ultimos años siempre escuché mucho a Radiohead, Cerati y Bob Marley.

-Si fueras una canción, ¿cuál serías?
-Últimamente me copé con el tema "19" de Horvillieur, sería una buena canción para mí: modernita y sentimental (risas).

-¿Cuáles son las bandas internacionales y nacionales que más te gustaron en este último tiempo?
-Radiohead definió la última década. También me gustan mucho Los Strokes, Jack White en todos sus proyectos. MGMT es un bandón, su disco es bellísimo. De acá creo que la vanguardia está en Babasónicos y en la canción popular de la mano del Gran Andrés.

-¿Con qué banda o solista te gustaría tocar?
-Con los Baba seria genial. Con Catupecu o con Calamaro también. Hace poco Sanca tocó con Massacre y fue genial. ¡Con todos ! ¡Quiero tocar con todos!

A continuación un video en vivo de "Sambódromo", de Sancamaleón:

Un porvenir urgente y visceral

2009-05-01T11:55:00.000-07:00

El porvenir es el undécimo disco de Pez. Canciones eléctricas que cumplen pero no sorprenden.

EN VIVO. Pez mostrando todo su potencial en el escenario.

La identidad es un rasgo muy difícil de mantener durante una carrera artística y Pez es una de esas bandas que hace más de quince años lo viene logrando con creces. Algo nada simple, más siendo una banda de sonidos tan diversos.
Dentro de ese eclecticismo, El porvenir es un disco que vuelve un poco a las raíces más punk de la banda comandada por Ariel Minimal, guitarra y voz del grupo. Mantiene vivas algunas cenizas de su álbum anterior, Los orfebres, pero desde un lado más urgente, más veloz.
El disco comienza a toda velocidad con dos de los puntos más altos del disco, "Porvenir" y "Roma". "Refugio" gira la dirección del álbum con un sonido más melódico que termina estallando en ese choque de guitarra y teclados a cargo de Pepo Limeres.
Desde "Quiebran" a "Saben" se suceden cinco canciones cortas, rápidas y concisas, en donde Pez descarga su sonido más visceral. Menos cuelgue psicodélico, pero más vacío de canción.
"Alada" llega para romper con este bloque de distorsión con una canción de corte jazzera, al mejor estilo "Al espacio", de su genial disco Hoy. Le sucede "Volverán", con un solo de guitarra donde la batería de Franco Salvador y el bajo de Fósforo García suenan como si fuesen tocados por mil hombres.
El porvenir es un disco que cumple pero no sorprende. Mantiene un sonido netamente eléctrico, ese que tanto le gusta a sus fanáticos más acérrimos. Rockea como Pez bien sabe hacer, pero eso a esta altura ya no es ninguna novedad, porque el rock es su identidad.

Lista de temas:
1- Porvenir
2- Roma
3- Refugio
4- Quiebran
5- Eyéctenlo
6- Conciencia
7- Saben
8- Alada
9- Volverán
10- Desconectado
11- Tratando
12- Sueño

Los más destacados: Volverán - Roma - Porvenir - Alada

A continuación un video en vivo en La Trastienda de "Roma":

La perfección de lo imperfecto

2009-03-26T16:40:00.000-07:00

Radiohead tocó en vivo el pasado martes para 35 mil personas en el Club Ciudad de Buenos Aires como apertura del Quilmes Rock'09.

Fueron dos horas que parecieron eternas, dos horas que quedarán para siempre en la mente de las 35 mil personas que estábamos en ese momento. Ese momento en el que todas las voces se volvieron una sola, en el que cada sonido que salió de la garganta de Thom Yorke se convertía en el himno de nuestras vidas.

Fue una noche más para algunos, y la noche de nuestras vidas para otros. Desde la percusión inicial de "15 Step" que el corazón entró en taquicardia. Cuando el riff de "Airbag" se apropió por nuestros oídos se hacía imposible no saltar, con la seguidilla de "Kid A" y "Karma Police" empezamos a dudar si lo que estábamos viviendo era realidad. Si ese que estaba ahí, moviéndose y cantando como un esquizofrénico era Thom Yorke, si el que estaba a su derecha usando una guitarra como si fuese un cello era Jonny Greenwood, si aquel que estaba saltando en el fondo con el bajo era su hermano, Collin, si el que estaba tocando una infinidad de pedales y efectos era Ed O'brien, si ese pelado que mantenía el ritmo en la batería como un reloj suizo era Phil Selway.

"The National Anthem" fue una descarga eléctrica directa a nuestros cerebros. Con esa línea de bajo demoledora liderando la canción y la voz de Yorke luchando contra ese mar de sonido que logran estos cinco mortales. "Street Spirit" fue el primer climax de ese viaje que emprendimos desde que pisaron el escenario del Club Ciudad de Buenos Aires con esos arpegios que dan escalofríos y ese estribillo que se convirtió en rezo. El viaje tomó un giro radical con "Idioteque", donde el predio se convirtió en una pista de baile por unos minutos.

Todo era perfecto, hasta esas palabras que a veces son en vano. "Esto es un sueño hecho realidad", sostuvo Ed O'Brien, antes de dedicar "How To Dissapear Completely" para las "personas que fueron torturadas y que desaparecieron" por causa de los golpes militares.

Cuando todo parecía demasiado, llegó "Paranoid Android" para romper con cualquier esquema. Definitivamente, el segundo gran climax de la noche con el público haciendo las veces de coristas para que Thom se luciera en este tema épico de la banda de Oxford. Luego de "Reckoner", con su excelente simbiosis de percusión y ese arpegio punzante, apareció "Planet Telex", tal vez la sorpresa más grande del recital ya que fue la primera vez que la hicieron en la gira, y hasta hoy la única.

Y si es que algo faltaba, llegó en el final. "Everything In It's Right Place" y "Creep", ESE tema que nunca pensábamos que iba a volver a ser tocado en vivo.
Radiohead es eso. Es espontaneidad, asombro, fuerza, electricidad, nostalgia, melodía, ruido. Radiohead es la perfección de lo imperfecto.

A continuación, el video de "Karma Police" en vivo en Argentina:

La escena under por sus artistas: El mató a un policía motorizado

2009-02-19T10:44:00.000-08:00

Santiago, bajista y cantante de El mato a un policía motorizado, opina de lo que es ser un artista independiente. Internet, multinacionales y la vigencia del disco.

AMOR PLATÓNICO. "Queremos dar un mensaje para que no se pierda el amor por el disco", sostiene Santiago.

El mató a un policía motorizado, es de las bandas indies mas halagadas por la prensa local de estos últimos tiempos y bien merecido lo tienen. Desde 2003 vienen encaminando un ascenso que no encuentra techo con un rock crudo, de guitarras bien al frente y distorsionadas. Los motorizados hacen lo que quieren y cuando quieren. Desde la ciudad de las diagonales para todo el mundo.

¿Cuáles son para vos los pros y los contras de pertenecer a un sello independiente?
Las contras son que es mucho, pero mucho trabajo. De todas maneras, lo bueno es que sos tu propio jefe, haces lo que querés y cuando querés.

¿Cuáles serían las principales cosas que crees que se deberían cambiar de un sello multinacional?
Deberían dar total libertad a las bandas. Pero bueno, son empresas y lo que buscan es hacer negocio rápido y al menor costo.

Una definición de "artista independiente".
Artista libre de hacer cualquier cosa, como quiera y cuando quiera.

¿Crees que hay más oportunidades en el mercado independiente o qué este empezando a haber una mayor exposición de artistas independientes?
Creo que si, con la ayuda de internet como herramienta de difusión, se genera un nuevo espiritu de hacer las cosas. Ahora, como sea, sin esperar la ayuda de nadie.

¿Cuál es su postura frente a la distribución de música por internet?
Estamos a favor de venderla o regalarla. Nosotros somos fetichistas del disco, entonces tratamos de defender eso hasta el fin, por eso no subimos nuestros discos. Pero quienes los buscan los van a encontrar por ahí, y esta todo más que bien.

¿Aumenta la exposición?
Nos ayuda mucho, pero preferimos que se genere algun esfuerzo (risas) , aunque sea mínimo, en buscarlo. Igualmente, queremos dar una especie de mensaje para que también lo compren, que no se pierda el amor por el disco en formato real y palpable.

El lado oscuro de un artista

2009-02-10T15:41:00.000-08:00

The Empyrean es el noveno disco de John Frusciante como solista. Oscuro, intimista y experimental.

"Para escucharlo lo más fuerte posible y bien entrada la noche". Esa era la carta de recomendación que el mismo Frusciante ofreció desde su blog... y no queda otra opción que hacerle caso. Se escucha el metrónomo, una progresión de acordes a un volumen bajo, golpe de batería sintetizada, bajo galopante, batería tracción a sangre y finalmente, un solo eterno que le da un final casi perfecto a la canción. Algo así es "Before The Beginning", el primer tema de The Empyrean, su noveno disco de estudio como solista.

Desde el vamos Frusciante invita a dejarse llevar por las melodías, a olvidarse de todo e introducirse en su música. "Song To The Siren" confirma estas palabras, con la voz de Frusciante envuelta en un mantra de sintetizadores y piano con una leve guitarra acústica de fondo. "Unreachable" y "God" le dan un giro al disco, inyectándole un poco de ruido (que no pase jamás desapercibido el solo final de "Unreachable", una de las mejores muestras psicodélicas que el músico haya dado).

Con "Dark/Light", el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers logra envolvernos y llevarnos lejos a través de esos coros interminables realizados por The New Dimension Singers, junto a unos arreglos de cuerdas interpretados por el Sonus Quartet, que de aquí en más serán pieza clave en todos los temas restantes. "Heaven" sigue la misma dirección, para dar paso a la seguidilla de "Enough of Me" y "Central", ambos con la colaboración de Johnny Marr, ex The Smiths, en guitarras.

"Enough of Me" nos despierta de ese trance en el que nos embarcamos a partir de "Dark/Light". Nos engaña al principio con una intro envolvente para darnos un sacudón de guitarra eléctrica, que termina en el mejor solo de todo el disco: dos minutos de distorsión al mango a través de una escala deforme que nos deja listos para lo que viene.

Lo que viene es lejos el mejor tema del disco. Melodías, arreglos de cuerdas, solos de guitarra, distorsión, pianos y sintetizadores varios, y sobre todo ROCK. "You've to feel your lines (tenés que sentir tus líneas)" repite sin cesar Frusciante en el final de la canción, con "Central" si que podemos sentir las de el.

Y si hay algo que marca al disco es su carácter envolvente, intimista y oscuro. Así son las canciones elegidas para finalizar la obra, "One More Of Me", con el registro de voz más grave que Frusciante haya dado, y "After The Ending", ideal para dejarnos colgados en ese viaje, sin ganas de bajar.

El cantante y guitarrista se muestra en The Empyrean como un artista maduro, sin miedo a los cambios, con letras introspectivas y dispuesto a llevarnos, aunque sea por unos minutos, a ese lugar que sólo las canciones saben guiarnos.

Nuevo disco de John Frusciante

2008-12-28T07:54:00.000-08:00

El cantante y guitarrista lanzá su noveno disco de estudio, el primero en cuatro años de ausencia.

THE EMPYREAN. La tapa de su nuevo álbum con fecha de salida programada para el 20 de enero.

Entre fines de 2004 y principios de 2005 sacó seis discos en seis meses y desde ese entonces la carrera solista de John Frusciante se mantuvo en estado vegetativo. Hasta el próximo 20 de enero, donde lanzará su noveno disco de estudio: The Empyrean.

El nuevo álbum contiene nueve canciones de su autoría más un cover de "Song To The Siren" de Tim Buckley y será editado a través de Record Collection. El disco fue grabado entre diciembre de 2006 y marzo de 2009, cuenta con la colaboración de su coequiper por excelencia , Josh Klinghoffer; su compañero de los Red Hot Chili Peppers, Flea, como también incursiones del Sonus Quartet, Johny Marr y The New Dimension Singers.

"The Empyrean es una historia que no tiene lugar en el mundo físico. Todo transcurre en la mente de una persona a través de su vida. El único personaje es alguien que no vive en el mundo físico, pero que se encuentra en el. En el sentido de que existe en la mente de las personas", cuenta Frusciante en su blog. Como adelanto de este disco en su Myspace oficial se encuentra "Unreachable", el tema número tres del disco. Una canción contundente, con buenos arreglos vocales y una base guitarrera que lleva a una de las muestras más psicodelicas de Frusciante en varios años en un gran solo final.

El cantante y guitarrista afirma que esta "muy contento" con el trabajo terminado y que lo escucha mucho "por la experiencia psicodelica que brinda".

Habrá que esperar hasta fines de enero para conocer de que se trata este viaje sonoro y escucharlo como el mismo Frusciante recomienda: "lo más fuerte posible" y en "living rooms oscuros bien entrada la noche".

Lista de temas de The Empyrean:

1. Before The Beginning

2. Song To The Siren

3. Unreachable

4. God

5. Dark/Light

6. Heaven

7. Enough Of Me

8. Central

9. One More Of Me

10. After The Ending

Un video de "Unreachable con imágenes de John Frusciante:

Radiohead en Argentina: Fecha y lugar confirmados

2008-12-12T05:30:00.000-08:00

La banda inglesa confirmó su visita a nuestro país a través de su página oficial. Luego de una larga espera, en su sección de "Tour Dates" se estableció el lugar y la fecha del show de Radiohead: el martes 24 de marzo en el Club Ciudad de Buenos Aires. Las entradas estarán proximamente a la venta por Ticketek.

Los oriundos de Oxford visitarán durante todo marzo (además de Argentina) México, Chile y Brasil.

Por el momento sólo hay una fecha confirmada para nuestro país, mientras que los demás países incluidos en la gira cuentan con dos shows programados.

Canciones desde el bosque

2008-12-02T17:08:00.000-08:00

Fleet Foxes es el nombre de la última revelación indie norteamericana. De Seattle para todo el mundo.

Arreglos corales, guitarras acústicas, solos de mandolina, barbas largas y melodías por doquier. Esas son algunas de las características de Fleet Foxes, la última revelación del folk rock norteamericano.

Oriundos de Seattle, el quinteto firmó recientemente con Sub Pop, la disquera cazatalentos indie por excelencia, y lanzó a principios de junio su primer larga duración autodenominado "Fleet Foxes".

Cuentan con 2 EPs que, como su disco debut, recibieron grandes halagos de la crítica especializada de todo el mundo, desde la Rolling Stone al diario inglés The Guardian .

Actualmente se encuentran de gira por Australia y ya tienen fechas confirmadas para el 2009 en Nueva Zelanda e Inglaterra.

En vivo se destacan por sus shows intensos y por su fidelidad al sonido logrado en estudio, aunque en concierto, lógicamente, suenan más crudos.

Desde las entrañas del bosque nace la nueva revolución indie, y tan sólo nos queda esperar un milagro y soñar con verlos en vivo por nuestros pagos.

Para escuchar a Fleet Foxes: www.myspace.com/fleetfoxes

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A continuación, el video del tema "Blue Ridge Mountains" en vivo en el programa "Lateshow with David Letterman":

La escena under por sus artistas: Valle de Muñecas

2008-10-19T06:10:00.000-07:00

Manza Esaín, cantante y guitarrista de Valle de Muñecas, opina seguro de eso que tanto conoce: la escena independiente.

TECNOLÓGICO."La digitalización permite que más gente acceda a una mayor cantidad de bandas. Pero al haber tanta oferta, la mirada sobre cada propuesta es fugaz. ", sostiene Esaín.

Mariano Esaín es una leyenda viviente del under porteño. Formó parte de algunas de las bandas más importantes del llamado Nuevo Rock Argentino como lo fueron Menos que cero y Martes Menta. Junto a Ariel Minimal y a Flopa Lestani, formaron el trío Flopa-Manza-Minimal, y se despacharon con uno de los mejores discos de canciones jamás hechos. Hoy en día, "Manza" lidera Valle de Muñecas, que ya lleva editados dos discos, y se convirtió en uno de los productores más requeridos de la escena indie trabajando junto a bandas como Mataplantas, Norma y Carmensandiego, entre otras.

Se pronuncia seguro para hablar desde las multinacionales a las nuevas tecnologias, asegura que "internet es el signo de los tiempos y no se puede ir en su contra"

¿Cuáles son para vos los pros y los contras de pertenecer a un sello independiente?
-Los pros son obviamente la total libertad para manejar la parte artística, aunque probablemente algunos grupos que pertenecen a multinacionales consigan esta libertad de todos modos. También una total independencia de los tiempos y plazos que el sistema propone, así como un control claro sobre la cantidad de discos que se venden y el dinero que entra y sale. La contra principalmente es la falta de acceso a los medios masivos de comunicación.

¿Cuáles serían las principales cosas que creés que se deberían cambiar de un sello multinacional?
-Las multinacionales deberían tener personas que conozcan y recorran la escena, para así poder pensar proyectos a largo plazo.

Una definición de "artista independiente"
-El que no esta condicionado por nada más que por su arte y su necesidad de expresarse

¿Creés que hay más oportunidades en el mercado independiente o qué este empezando a haber una mayor exposición de artistas independientes?
-Creo que la digitalización permite que más gente acceda a una mayor cantidad de bandas. Pero al haber tanta oferta, la mirada sobre cada propuesta es fugaz. Igualmente creo que el balance es positivo.

¿Cuál es su postura frente a la distribución de música por internet?
-Me parece bien que se distribuya por internet, es una herramienta que claramente aumenta la exposición.

¿Estás a favor de su distribución gratuita?
-No estoy ni a favor ni en contra de que sea gratuita, es así y hay que aceptarlo. Internet es el signo de los tiempos y no se puede ir en su contra. Sólo hay que aprovechar los beneficios que ofrece.

La escena under por sus artistas: Carmensandiego

2008-10-05T18:48:00.000-07:00

Martín Kraut, bajista de Carmensandiego, opina sobre todo. De la independencia a el mundo de las multinacionales sin escalas.

Carmensandiego es una banda ecléctica de raíz. La mezcla de estilos que logran se conjuga de manera perfecta en sus canciones. Pero las que no se mezclan son sus palabras. Martín Kraut, bajista de la banda, se muestra seguro en sus declaraciones, tajantes y hasta polémicas por momentos. "Hoy por hoy, en tu casa o hasta en un ciber por dos pesos la hora podrías grabar un disco que recorra el mundo", sentencia.

-¿Cuáles son los pros y los contras de pertenecer a un sello independiente?

- Creo que hoy por hoy las diferencias son varias, aunque todavía no pasamos por la experiencia. Nosotros estamos por sacar nuestro primer disco, y aún no sabemos en qué sello será. Lo bueno obviamente es que el sello independiente tiene poca influencia en la creación del disco y la música, aunque a veces hay una impostura "indie" que es super hipócrita. Las contras tienen que ver con el apoyo limitado que un sello independiente te ofrece y los pocos recursos que puede darle a una banda en ascenso.

-¿Cuáles serían las principales cosas que cree que se deberían cambiar de un sello multinacional?

- Probablemente deberían cambiar algo que, antes, debería cambiar en la gente: una apertura musical mayor. ¿Pero cómo pedirles un cambio de elección de artistas si la gente compra Arjona y Teen Angels? La época en que lo más popular eran músicos del nivel como The Beatles, Bowie o Charly quedó lejos, aunque por suerte la buena música nunca va a desaparecer. Después no se le puede exigir tantos cambios ya que es su propio negocio, pero proponen un control y una invasión al artista que es, muchas veces, asquerosa.

-Una definición de "artista independiente".

-Como antes dije, me parece que englobar al "artista independiente" es un error y un facilismo. Ya sea en el cine , mi otra actividad, o en la música, hay impostura, falsedad e hipocresía en un lado como en el otro. Ponerse el sello de "indie" es atravesar la música con una cuestión ajena a la creación. Hoy por hoy, en tu casa o hasta en un ciber por dos pesos la hora podrías grabar un disco que recorra el mundo.

-¿Cree que hay más oportunidades en el mercado independiente o qué este empezando a haber una mayor exposición de artistas independientes?

-Creo que hay un montón de gente que descubrió que la música dejó de ser un negocio de venta de discos y se está moviendo en nuevas direcciones. Obviamente internet y la proliferación de bandas y músicos provocan una necesidad de buscar, innovar y crear. Mucha de esa libertad se puede dar siendo "independiente", sin tener un control empresarial sobre tus hombros.

-¿Cuál es su postura frente a la distribución de música por internet?

-Negarse a internet es negarse a algo irremediable. Y más allá de ideologías o posturas, la red es una herramienta. Nosotros pensamos hacer una pre-presentación de nuestro disco en exclusiva por internet. Todos sabemos lo que hizo Radiohead recientemente y otras bandas también, así, la música tiene un acceso limitado, gratuito y socializado. Eso es genial, aunque no hay que perder la vinculación humana en el arte: calor, sonido en vivo, conocer los instrumentos... Nunca hay que olvidar que la música existe hace milenios y hace apenas un siglo que se puede escuchar "re"producida, sin la presencia viva de los músicos.

Para escuchar Carmensandiego: www.myspace.com/casacarmen

La escena under por sus artistas: Srta. Carolina

2008-09-21T16:02:00.000-07:00

La cantautora habla sin pelos en la lengua de la independencia, la distribución de música por internet y de las multinacionales.

CONFIANZA. La cantautora se ve optimista frente al futuro. "Oportunidades hay siempre, simplemente hay que ser intuitivo y confiar", sostiene. Foto: Damián Benetucci

Srta. Carolina es una las artistas más inquietas de todo lo que va del año. Lanzó, su primer LP, Florecida, y continúa presentando su primer DVD, En vivo en el CCC, por todo el circuito under porteño. Carolina se caracteriza por tener un sonido pop/rock, con un trabajo fino en melodías y el formato canción por encima de cualquier pretención. Además de Florecida, la cantante cuenta con tres EPs editados de forma independiente y prepara la salida de un nuevo DVD.

-¿Cuáles son los pros y los contras de pertenecer a un sello independiente?

-Los pro son que no hay un contrato que ate tu creatividad a los tiempos o ganas de otros. Podés sacar un disco cuando querés, no tenés que contenerlo ni apurarlo.
Tampoco te ves rodeado de marcas que quizás no te representen, ni de obligaciones contractuales que conviertan un tema tuyo en un jingle. Tampoco existe la posibilidad de que limiten tu concepto creativo, ni desde la estética musical o personal, cómo vestirte, cómo peinarte o cómo ponerte en las fotos. No sé si sucede con todos los sellos, o todos los contratos, pero sé que muchos soportan cosas por el estilo solamente con tal de tener un sello detrás.
Los contras... son muchos! Primero, la inversión es 100% del artista. Tanto económica, de tiempo y de trabajo. No tenés alguien que te respalde para la distribución, ni tenés gancho para entrar en festivales masivos, o incluso ciclos pseudo independientes. Tampoco alguien que te manageree si no lo conseguís vos mismo, esto si es que podés costear uno. Es mucho más difícil conseguir sponsors que te vistan, peinen, difundan y banquen.

-¿Cuáles serían las principales cosas que cree que se deberían cambiar de un sello multinacional?

-A esta altura, me parece imposible cambiar nada. Pero así, soñando, te diría que me gustaría ver una búsqueda creativa interesante en vez de productos de la estadística de unos tipos en una oficina. Mi sensación es esa: que muchos artistas "nuevos" son productos. Me gustaría que apoyaran a un artista emergente en base a algo humano, que tenga más que ver con la transmisión o conexión de energías e ideas, de música.
Y cuando no convierten a un artista nuevo en un producto, solamente se dedican a apostar a los consagrados de siempre, los que hace más de diez años llenan Obras y ahora grandes estadios. Sospecho que parte de eso sucede gracias a la vorágine del negocio; no tienen el tiempo para que el artista desarrolle y madure su concepto y su música. Es un tema.
Igualmente siempre hay espacio para que alguna multinacional demuestre lo contrario y empiece a generar contenidos interesantes y orgánicos.

-Una definición de "artista independiente".

-El artista que no depende más que de sí mismo para decidir y hacer lo que crea correcto sobre sus composiciones, estética, tiempos, sponsors, shows. En un punto el artista o música siempre es independiente ya que elegir uno u otro sello es una decisión adulta y propia, siempre y cuando sea consciente de la letra chica del contrato, si la hubiese.

-¿Cree que hay más oportunidades en el mercado independiente o qué este empezando a haber una mayor exposición de artistas independientes?

-Relativamente. Lo que importa es ser independiente de esa sensación también. Si uno se pone frenético, a revisar las olas y tendencias, lo creativo no fluye y uno se convierte en una de esas personas que te mencionaba antes, haciendo estadísticas en una oficina, buscando el momento de "su producto". Oportunidades hay siempre, simplemente hay que ser intuitivo y confiar.

-¿Cuál es su postura frente a la distribución de música por internet?

- Me estoy informando sobre el tema, ¡es casi lo único que me hace dar cuenta la edad que tengo! Me cuesta, porque el formato natural para mí eran los discos, pero la verdad es que hace años me bajo música e incluso no soy una luchadora fervorosa contra la piratería. Me parece que es un medio más, otra herramienta para poner tu música a disposición de la gente. Hay que ser consciente que los soportes evolucionan todo el tiempo, y adaptarse a eso es también ser un artista que refleje tu época.

-¿Está a favor de su distribución gratuita?

-Estoy a favor de la distribución gratuita, no sé si pueden hacerla todos los artistas, pero es decisión de cada uno y me parece genial que se abra la cancha y artistas como Radiohead dejen que la gente decida el precio de su obra. Ahí te das cuenta que son artistas, no solamente músicos. Tienen un concepto, hay un motivo, un contenido en todo lo que hacen. Sean conscientes de las repercusiones o no.

Escuchar a Srta. Carolina: www.myspace.com/srtacarolina

El cantautor psicodélico

2008-09-11T18:02:00.000-07:00

Devendra Banhart se consolida con su cuarto disco de estudio: Cripple Crow.

Melodía, delirio, spanglish, folk, rock, instrumentos varios y probablemente algún que otro estupefaciente son la fórmula para crear esto que Devendra Banhart supo llamar Cripple Crow, su cuarto disco de estudio.

En este LP Devendra logra plasmar una variedad de estilos (desde el rock de "Chinese Children" al estilo hindu de "Lazy Butterfly") usando la simpleza como su mejor arma. "Now That I Know", el primer tema del disco, es una clara muestra de ello: voz, guitarra y violín. Cinco de las 22 canciones que forman el disco están escritas en castellano, su lengua nativa ya que Devendra nació en Venezuela.

Hay aires a flamenco en "Quedate luna", guitarras urgentes en "I Feel Just Like A Child", climas envolventes en "Hey Mama Wolf" o "Cripple Crow", aires jazzeros en "Some People Ride The Wave" y canciones netamente experimentales como "The Beatles". Sus letras abarcan desde un mensaje de paz anti-guerra como a la poesía de la nada.

Sin lugar a dudas, Devendra logró uno de los mejores discos de su carrera y aprobar con creces una de las tareas más difíciles: armar un disco con 22 canciones digno de escuchar de principio a fin sin hartar en el intento.

Lista de temas:
1. Now That I Know
2. Santa Maria Da Feira
3. Heard Somebody Say
4.Long Haired Child
5. Lazy Butterfly
6. Quedate Luna
7. Queen Bee
8. I Feel Just Like A Child
9. Some People Ride The Wave
10. The Beatles
11. Dragonflies
12. Cripple Crow
13. Inaniel
14. Hey Mama Wolf.
15. How's About Tellin' A Story
16. Chinese Children
17. Sawkill River
18. I Love That Man
19. Luna De Margarita
20. Koreandogwood
21. Little Boys
22. Canela

Los más destacados: Now That I Know - Quedate Luna - Inaniel - Hey Mama Wolf - Chinese Children - The Beatles

El video en vivo de "Quedate Luna"

Electricidad de principio a fin

2008-08-17T19:35:00.000-07:00

Death Cab For Cutie lanzó Narrow Stairs, su segundo disco para un sello multinacional.

Pocas bandas son las que logran entrar al mainstream sin perder su esencia, y todavía menos las que se consolidan como tales defendiendo esta postura. Con Narrow Stairs la banda muestra una faceta completamente distinta a la que ofrecía Plans, donde predominaban un sonido acústico de melodías serenas. Esta vez es un disco eléctrico de principio a fin. Hasta la balada final "The Ice Is Getting Thinner" esta tocada con una guitarra eléctrica en clean.
Se puede escuchar una propuesta más experimental en canciones como "Bixby Canyon Bridge", "I Will Possess Your Heart", (con una intro instrumental de cuatro minutos) o "Pity And Fear".
Hay canciones más upbeat que rememoran al sonido de The Photo Album como "Long Division" y "No Sunlight" , y otras más tranquilas y oscuras como "Grapevine Fires".
Death Cab For Cutie logra innovar y no perder en el intento, creando uno de sus mejores trabajos por lejos.

Lista de temas:
01 Bixby Canyon Bridge
02 I Will Possess Your Heart

03 No Sunlight

04 Cath...

05 Talking Bird

06 You Can Do Better Than Me

07 Grapevine Fires

08 Your New Twin Sized Bed

09 Long Division

10 Pity and Fear

11 The Ice Is Getting Thinner

Los más destacados: No Sunlight - I Will Possess Your Heart - Your New Twin Sized Bed - Cath... - Long Division

El video del tema "I Will Possess Your Heart" de Death Cab For Cutie

Volver a empezar

2008-07-17T21:13:00.000-07:00

Blind Melon lanzó For My Friends, su primer disco después de diez años de ausencia.

Blind Melon vuelve al ruedo con For My Friends, un disco que retoma el trabajo que dejaron inconcluso en los 90 con la muerte de su cantante Shannon Hoon.
Esta vez, de la mano de Travis Warren en la voz, la banda logra un disco con un sonido más ligado a la canción, lejos de la oscuridad sonora y más experimental que ofrecía Soup, su segundo disco, como del espíritu de “eterna zapada” de su primer disco homónimo. Canciones como “Harmful Belly” o “Wishing Well” son una clara muestra del Blind Melon versión 2008.
“Tumblin’ Down” y “So High” muestran el costado más pop de la banda, mientras en temas como “Make A Difference” o “Down On The Pharmacy” se refleja un sonido más cercano a sus comienzos.

El poder del quinteto llega a su punto máximo en "With The Right Set Of Eyes", una canción con un estribillo ideal y un sonido un tanto más experimental.

For My Friends marca un nuevo comienzo para la banda, que claramente no se olvido como hacer rock del bueno.

Lista de temas:

01. For My Friends

02. With The Right Set Of Eyes

03. Wishing Well

04. Sometimes

05. Tumblin Down

06. Down On The Pharmacy

07. Make A Difference

08. Harmful Belly

09. Last Laugh

10. Hypnotize

11. Father Time

12. So High

13. Cheetum Street

Los más destacados: Harmful Belly - With The Right Set Of Eyes - Wishing Well - For My Friends - Tumblin' Down

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El video del tema "Wishing Well" de Blind Melon.

Melodía y fuerza en la medida justa

2008-05-25T16:17:00.000-07:00

Antes de la salida de su nuevo DVD, Julio Breshnev, cantante y guitarrista de Vetamadre, habla del nuevo rumbo sonoro de la banda y de la relación con las mulinacionales.

Por Felix Ramallo.

EN VIVO.La banda desplegando todo su potencial en el escenario. "Mi sueño acerca de un show fue siempre que sea un viaje, un momento especial".

Sale de la entrada de la Trastienda y no puede caminar dos pasos que ya sus fans van a su encuentro. Lo saludan, lo abrazan, le piden sacarse una foto o un autógrafo. Pero no, no es Chayanne ni Luis Miguel. Es Julio Breshnev, cantante y guitarrista de Vetamadre. El músico causa furor entre sus fans, como si fuera un ídolo pop, salvo que su look netamente rockero lo delata: una remera con la cara de Jimi Hendrix y una barba digna de un faraón egipcio.

Hace más de diez años que Breshnev lidera Vetamadre, y lo festejan con la salida de su primer DVD en vivo "A través del ruido del mundo", en el que recopilan toda su trayectoria: cuatro discos de estudio editados todos de manera independiente.

Vetamadre se caracteriza por un sonido que rememora el rock de los '90, con guitarras en un primer plano y la melodía como máxima pretensión.

El cantante habla de las multinacionales, su manera de componer y de el nuevo rumbo sonoro de la banda. "Podríamos repetir las formulas, que en cierto aspecto esta bueno, pero por otro lado tenés que ir reinventándote, cambiando y jugándote a algo nuevo" reflexiona Breshnev.

-¿Cómo fue la producción del DVD?

-El DVD lo trabajamos con el mismo director con el que hicimos los videos. La idea era filmarlo y ver como salía, lo hicimos con pocas cámaras y la verdad que se logró un trabajo muy bueno.

-¿Cómo va a ser la salida del disco?

-Lo va a fabricar y distribuir Sony-BMG y Pop Art, como hicimos con los demás discos. Ellos nos dieron su apoyo y nos propusieron hacer un CD + DVD, por lo que se va a poder comprar el combo de los dos o cada uno por separado. El álbum incluye un plus, un bonus track que se llama “Todo bien”. Es un tema que grabamos haciendo la pre-producción de Libérenme (2002) en Rosario, después le metimos una sección de cuerdas en Buenos Aires y quedo olvidado hasta ahora que lo decidimos incluir.

-¿Son de buscar temas descartados para los discos nuevos?

-Generalmente no, porque lo que no entró, consideramos que no entró por algo. “Todo bien” se incluyó porque nos pareció que esta bueno para cerrar un disco en vivo. Lo que sí, para este disco nuevo, estamos reflotando un tema que se llama “Qué querés”, que lo tocamos en vivo varías veces y quedó en nada. Finalmente, cuando nos fuimos a la costa a zapar y grabar cosas, lo agarramos, le dimos una vuelta de tuerca que esta buena y quizás entre. Es un tema que nos encanta.

-¿Cómo va a ser la producción del disco nuevo?

-Vamos a empezar a laburar con Esteban “Pichu” Serniotti (ex-guitarrista de Cabezones) y Luis Volcoff, que fue el productor de los otros discos. Decidimos trabajar con los dos, ya que Luis es muy sanguíneo, tiene una sensibilidad mayor a nivel acordes y arreglos, mientras que Pichu es muy perfeccionista, de darle mucho fuerza a las canciones. Y nosotros estamos ahí en el medio de las dos, así que es buenísimo. Creo que puede ser una buena combinación.

-¿A qué apuntan a nivel sonido en este nuevo CD? ¿Un sonido más poderoso o más melódico?

-Una cosa es lo que yo quiero y otra es lo que vaya a salir. Me parece que va a tener un poco de las dos cosas. Yo estoy escuchando mucha música nueva, como las cosas más raras de The Killers o The Mars Volta, Arcade Fire, Black Rebel Motorcycle Club. Muchas cosas que por ahí no tienen tanto que ver con lo que hacíamos y lo voy incorporando. También quiero encarar la guitarra desde otro lugar, porque podríamos repetir las formulas, que en cierto aspecto esta bueno, pero por otro lado tenés que ir reinventándote, cambiando y jugándote a algo nuevo. El nuevo disco va a ser como más urgente, más rápido y por un lado también va a tener esa sensibilidad y cosa más melódica.

-¿Cómo es el proceso de producción de las letras?

-Con respecto a las letras no tengo una manera fija. En esos momentos de inspiración voy haciendo así como lista de supermercado, empiezo a anotar cosas. También a veces escribo en prosa conceptos y ensayos que se van transformando en lo que puede llegar a ser el hilo conductor de una canción. Generalmente me inspira la música que hacemos. Me di cuenta que cuando trabajo los temas solo me falta algo, y cuando vamos a la sala y los tocamos ahí aparecen frases que estaban inconclusas, es como que se arman.

-¿Cuál es tu idea acerca de un recital?

-Mi sueño acerca de un show fue siempre que sea un viaje, un momento especial. A veces me gustaría ahondar más vinculado con la temática o lo climático. Pero al mismo tiempo, la energía que te vuelve del público, si fuera una cosa demasiado climática, se perdería. Creo que eso de un show puramente temático es más de otra época en donde había menos interacción, el publico observaba y la banda hacia lo suyo en el escenario.

-¿Cuáles son los pros y las contras en cuanto a pertenecer a una multinacional?

-Yo siempre digo que son como elefantes blancos. Son gigantes que como en cualquier empresa, todo se basa en vender un producto, y en ese afán de vender no les importa si es artístico o no. Pueden vender zapatillas como vender música. El transar con una discográfica grande involucra hacer musicalmente algo que no estas convencido de hacer y pensar que con eso vas a vender más, ser popular, conseguir chicas y ser famoso. Primero, que no va a pasar, y si pasa es lo peor que te podría pasar. Además, ¿qué pasa si pegas? Qué pasa si nosotros hacemos un tema, que no nos gusta pero a la compañía le encanta. Salimos con eso, pega y la gente lo compra. Después vos lo tenés que tocar en todos los shows y ¡para siempre! Y esa es la desgracia más grande. Los pros serían, que justamente te pueda pasar que vos hagas la música que a vos te gusta y que eso funcione como es el caso de Catupecu Machu, en donde la compañía dice “esto está buenísimo, vamos a apoyarlos”. También hay que usar el sistema a favor de lo que uno tiene ganas de hacer en la vida. Yo siempre digo que nuestra situación hoy con las compañías esta buenísima. Pop Art y Sony trabajan para nosotros como una empresa que nos fabrica y distribuye. La verdad es que ambas trabajan muy bien y sumado a el boca en boca, que es muy fuerte, nuestra convocatoria creció muchísimo.

Video del tema "Ser Humano" de Vetamadre.