jueves, 22 de diciembre de 2011

Un remador del rock

A los 19 años vivió un éxito fugaz con su grupo Cosméticos en los 80. Actualmente, Julio Breshnev toca en Vetamadre hace más de quince años. Hace meses lograron su pico más alto abriendo para Aerosmith. Cómo mantenerse en el camino de la música a pesar de no vivir de eso.

La mayoría de las personas cuando se cruza a alguien por la calle lo saluda agitando la mano. Él no. Te ve de lejos y levanta la mano también, pero te hace cuernitos. Los cuernitos del rock. Esos que popularizó el gran Ronnie James Dio, gracias a que su abuela le enseño que de esa manera se alejaban las malas vibras. La mayoría de las personas también tienen entrevistas de trabajo. Él tiene zapadas en salas de ensayo en donde el CV se ve en carne propia.
Tampoco todo el mundo es un músico con más de veinticinco años de trayectoria, ni tiene una banda con seis discos editados. Tampoco todo el mundo lo conoce, porque su grupo lleva la etiqueta de banda de culto, esa que se usa para aquellas que son un secreto bien guardado a punto de explotar pero que nunca se sabe cuándo.
Él es Julio Breshnev. Edad: 46 años Profesión: cantante y guitarrista.
Junto a Coca Monte, Federico Colella y Martín Dejean hace más de quince años que comandan Vetamadre, una banda de rock alternativo que cuenta con cinco discos de estudios y uno en vivo, nominado como mejor producción del año para los premios Gardel 2008. En 2010 sacaron Otroviaje, un disco que marca una nueva etapa en el grupo con un sonido poderoso y melódico al mismo tiemp. A fines de 2011 se encargaron de telonear nada más y nada menos que a Aerosmith en el Estadio Único de la Plata.
Y ahí estaba Julio Breshnev. Parado en el medio del escenario con su Gibson SG colgando, moviendo sus brazos, girando sus ojos de lado a lado y clavándose en el público. Ahí estaba el cantando para casi 25000 personas teniendo en cuenta la hora que era, con su chiva kilométrica y su pelo por los hombros enmarañado moviéndose con el viento. Ahí estaba Vetamadre, tal vez, en uno de los puntos más altos de su carrera.

lunes, 5 de diciembre de 2011

Catupecu Machu en el Luna Park: Reinventarse les sienta bien


En la historia de Catupecu Machu los cambios, tanto musicales como humanos, son una constante. Desde la salida de Abril Sosa, pasando por el accidente de Gabriel Ruíz Díaz al reciente éxodo de Javier Herrlein en batería y Fausto Lomba, manager histórico de Catupecu, la formación de la banda siempre fue mutando.
Pero como ellos suelen decir, todo queda entre amigos. Por eso hace unos años se sumó Sebastián Cáceres en bajo y guitarras y hace meses Agustín Rocino, ex bajista de Cuentos Borgeanos pero esta vez para ocupar su lugar detrás de los parches. Con esta nueva formación grabaron “El mezcal y la cobra” y ayer lo presentaron en vivo en el Luna Park.
Catupecu toca fuerte. Muy fuerte. Los temas de “El mezcal y la cobra” cobran una dimensión más rockera, suenan menos producidos. En especial la batería se escucha mucho más al frente que en el disco.
Sebastián Cáceres, con bajo en mano, corre por todo el escenario. Lejos de el músico tímido que parecía en los primeros shows con la banda, en la actualidad por momentos recuerda a la energía que ponía en vivo Gabriel Ruíz Díaz. Macabre por su parte, se mantuvo sólido durante todo el recital, destacándose en las segundas voces que le hacía a Fernando Ruíz Díaz.
Por otro lado, el foco estaba puesto sobre Agustín Rocino en su nuevo rol de baterista. Lejos de las sorpresas, cumplió con su deber sin sobresaltos. Eso sí, le imprimió un toque propio tocando con una batería muy particular con dos hi-hats y los platos a gran altura.
Pero el eje de toda la maquinaría Catupecu es el mayor de los Ruíz Díaz. Fernando en vivo explota. Es una subibaja de emociones. Por momentos grita y corre por todo el escenario. Por otros se emociona y se queda sin palabras. Sólo cierra los ojos y se deja llevar, ya sea por los gritos de ánimo para su hermano Gabriel (que estuvo presente en el Luna Park casi todo el recital) o en la energía que le brindaban coreando sus canciones.
Durante el recital no solo aprovecharon para tocar temas de su flamante disco, sino también para reflotar canciones que no sonaban hace mucho como la muy festejada “Gritarle al viento” y “Grandes esperanzas”, ambas pertenecientes a Cuadros dentro de cuadros. Al día de la fecha algo que a Catupecu Machu no le falta son éxitos. Tal es así que se dan el lujo de despacharse con “A veces vuelvo” en el principio del recital.
“Es gracioso lo que pasa con las canciones, uno nunca sabe que va a pasar. Como con este tema que lo escribí después de una resaca atómica y terminó siendo un hit”, cuenta en modo storyteller Fernando Ruíz Díaz antes de arrancar con "Magia veneno" y desatar el primer gran pogo de la noche.
Más tarde, en uno de los puntos más altos de la noche, la banda abandona a Ruíz Díaz quien se despacha a capella con una emotiva versión de “Hay casi un metro al agua” y de “Persiana americana” de Soda Stereo, dedicada a su hermano y a Gustavo Cerati. “En el verano del 94 íbamos con Fausto, nuestro anterior manager, en el auto por la costa y yo tenía una grabación en cassete de 'Hay casi un metro al agua' sin letra, solo cantada con esas onomatopeyas que usamos los músicos. Me acuerdo de decirle a Fausto, 'te imaginas que algún día la gente cante ésta canción'”, cuenta para deleite del público.
Terminado ese momento íntimo, vuelve la versión completa de Catupecu a escena con “Metrópolis nueva”, su último hit. Recuperan una joya como “Eso espero” de aquel disco bisagra que fue Cuentos decapitados y para la hora de tocar “Plan B: Anhelo de Satisfacción”, suben los ya habitués Walas y Tordo de Massacre a interpretar el tema de su autoría.
Continúan con la clásica explosión que genera “Dale!” con todo el Luna Park a 80 cm del piso y el tándem "Origen extremo"/ “Y lo que quiero...” con Zeta Bosio de invitado. “Musas” de su último disco fue la elegida para cerrar el recital con un clima introspectivo, contrario a como es costumbre.
Catupecu Machu mostró en el Luna Park que a pesar de los cambios la esencia es la misma y que reinventarse a ellos les sienta bien. Porque como dice el refrán, "lo que no te mata te fortalece".

martes, 1 de noviembre de 2011

Charly García en el Gran Rex: Como ir a misa


El Charly García del sábado pasado en el Gran Rex está lejos de aquel Charly Say No More. Ese que era tan genial como impredecible y que coqueteaba de cerca con la muerte. Tampoco es el Charly García de aquel mítico recital subacuático en Vélez. Ese que estaba torpe y en mal estado, pero vivo.
Este es un Charly García en rehabilitación. Uno que vuelve a tocar el piano, uno que vuelve a cantar y uno que sabe exprimir al máximo su prolífera carrera.
La lista de temas del show pasó de una joya a otra. Dividido en tres bloques, Charly pasó por temas de toda su carrera. Empezó con Instituciones, esa canción mítica incluida en el tercer disco de Sui Generis. Siguió con éxitos como “Pasajera en trance”, “Rezo por vos” y “Yendo de la cama al living”.
García se movió por todo el escenario. Tenía un piano a la izquierda, un teclado al medio y un moog a la derecha. Cuando Charly se reposaba en el piano, el Negro García López se apoderaba del escenario. Si el hombre del bigote bicolor es el DT, el Negro es el capitán de “The Prostitution”, la banda que formó con Kiuge Hayashida en guitarra, Carlos González en bajo, Toño Silva en batería, Rosario Ortega en coros, el Zorrito Von Quintiero en teclados, Fernando Samalea en xilofón, bandoneón y unos maniquies que disparaban samples y un trío de cuerdas liderado por Alejandro Terán.
"Influencia" le dio fin a la primera parte. Durante el intervalo se pasaron imágenes de la película el Perro Andaluz mientras la voz de Graciela Borges resonaba por el teatro diciendo frases de canciones de García.
El segundo acto no fue apto para cardíacos. Desde Como conseguir chicas sonó esa gran canción que es Fantasy. Al toque siguió con “Alicia en el país” y la emoción se hizo presente en casi todos los espectadores. “No soy un extraño” se vio opacada por el volumen excesivo del loop que disparaba el Zorrito. Dedicó “Cuchillos” a Mercedes Sosa y arremetió con otro tema que lleva también su marca: “Inconsciente colectivo”. El combo “Promesas sobre el bidet” - “Perro andaluz” fue demasiado para los fanáticos que no podían creer lo que estaban viviendo.
“Gracias por venir y un aplauso para mi representante que se queda con toda la guita”, lanzó un ácido García antes de despacharse con “Rasguña las piedras” y que el Gran Rex se transformara en un inmenso fogón.
Si el bloque anterior tenía una gran carga emotiva, ni hablar entonces de la seguidilla “Desarma y sangra”, “Eiti Leda” y “Fanky”. Tal vez un perfecto resumen en tres canciones de toda la carrera de García.
El fin parecía llegar. Los créditos aparecieron en pantalla mientras sonaba la versión rockera que el músico hizo del Himno Nacional y porque el público "se portó bien" -García dixit-, volvió a escena para regalarnos una versión de “Piano Bar” y el segundo himno nacional: “Canción para mi muerte”.
Fue un recital en donde las canciones tomaron otra dimensión. Cada tema fue un ritual. Si para algunos Charly es Dios, lo que se vivió el sábado fue como ir a misa.

Lista de temas: Instituciones / Pasajera en trance / Rezo por vos / Yendo de la cama al living / Necesito tu amor / Hablando a tu corazón / Influencia / Fantasy / Canción de Alicia en el país / No soy un extraño / Estoy verde / No llores por mi Argentina / Cuchillos / Inconsciente colectivo / Promesas sobre el bidet / Perro andaluz / Rasguña las piedras / Desarma y sangra / Eiti leda / Funky/ Piano Bar / Canción para mi muerte

viernes, 14 de octubre de 2011

El quinto Beatle

Los productores tienen un papel cada vez más fuerte en el sonido de una banda. A qué se dedican y cómo es el trabajo de las personas que dirigen la creación de un disco.

Por Felix Ramallo

Puede sonar anticuado o hasta romántico. Pero agarren su disco preferido. Ábranlo. Saquen el librito y vayan a las últimas páginas. Es probable que una maraña de créditos y agradecimientos llenen las hojas. Busquen donde dice “Producido por”. Anoten ese nombre, porque tiene mucho que ver en el resultado final del álbum.
No por nada muchos reconocen como el quinto Beatle a George Martin, su mítico productor. Es que muy pocos lo deben notar pero el trabajo de estos hombres cumple un rol fundamental en el sonido de un disco. “Es como ser el capitán de un barco, sos el responsable de llevar adelante un proceso creativo. Para eso tenés que tener el respeto y la credibilidad de los músicos con los que trabajás”, explica Matías Méndez, más conocido como El Chávez, productor de Gustavo Cordera, Sancamaleón, Andando descalzo, entre otros. “Es un mix musical y psicológico”, añade el ex baterista de Árbol.
Aunque parezca raro, es vital que se mueva el diván al estudio de grabación. “Uno está a cargo de lo artístico y de lo emotivo también. Hay mucho afecto cruzado. Todos tienen su visión de la música y de su instrumento. Si bien en cada banda hay como un líder, hay que escuchar a todos. Una idea buena puede salir de cualquier integrante”, comenta Juanchi Baleirón, cantante y guitarrista de Los Pericos y productor de varios de los principales discos de los últimos años como “Sistema nervioso central” de Estelares o “El mamut” de Massacre. “La línea entre ser más productor que psicólogo es flexible y firme a la vez. Contenedora pero adaptable. Yo estudié psicología y tengo una visión empapada y conocimiento básico. Pero la experiencia pesa mucho en estos temas”, agrega Baleirón.

La relación entre productor y banda también puede ser conflictiva. Muchos egos juntos luchando por una creación personal, sumado a un tercero que entra, opina y dirige, parece ser la ecuación perfecta para un potencial caos. Pero esto es parte del juego. “Básicamente ese es mi rol , ser el 'de afuera', el que tiene una visión más objetiva de lo que está pasando. La banda que decide llamar a un productor está abriendo el juego a un actor externo , es el abc”, sostiene El Chávez.

Por el contrario, Manza Esaín, lider de Valle de Muñecas y productor fetiche del nuevo indie argentino (Les Mentettes, Coiffeur, entre otros) no adopta una posición distante. “En general, trato de opinar como si fuese un integrante más del grupo, no de imponerme ni de dejar todo en manos de la banda”.

El trabajo de producción de un disco implica una entrega total. Lejos de los horarios de oficina, dentro el estudio el tiempo es un concepto que no existe. “Yo no miro el reloj, es todo el día”, resume Baleirón. “El trabajo es con dedicación total. Por eso cuando me involucro lo hago con el corazón, porque me gusta y el poco tiempo que tengo lo quiero poder dedicar por completo”, explica. Al ser un trabajo tan arduo, la elección de la banda a producir no es casual. “Hacer un disco lleva mucho tiempo y muchísima energía, así que si no hay onda con la banda es una pesadilla. Por eso elijo bandas que, más allá de que suenen bien o mal, me parezca interesante lo que generan”, comenta El Chávez.

Cada productor tiene sus métodos para empujar al artista a dar lo mejor de sí y conseguir el mejor disco posible. Pero, ¿qué características no pueden faltarle a un productor? “Haber escuchado mucha musica y haberla analizado conciente o inconcientemente es primordial”, afirma Esaín. “Conocer los medios técnicos con los que se trabaja también. Saber escuchar, tener tacto para saber cuando hablar y cuando callar, y para darse cuenta si el artista ya dio todo lo que tenia para dar o si hay que empujarlo un poco más”, agrega el líder de Valle de Muñecas. Para Baleirón, el productor debe ser “completito”. Eso no implica que debe tener “un conocimiento enloquecido de música y de arreglos. Hay que saber tercerizar también, buscar un ingeniero de confianza en caso de no poder hacer uno mismo el trabajo. El productor tiene que tener la visión macro. Ingenieros hay muchos buenos, repertorios también. Vos tenés que poder sacar lo mejor de la banda”.

De eso se trata el labor de los productores. De potenciar a un grupo, de llevarlos hasta el límite. Para algunos no son más que ese nombre que aparece en las últimas hojas de los discos, para otros son grandes figuras a las que le rinden culto cada vez que apretan play.

viernes, 30 de septiembre de 2011

Songs for an Imaginary Film, el nuevo disco de Les Mentettes

Ya lo cantaron Los Beatles hace más de treinta años, pero hasta el día de hoy sigue siendo una máxima universal. Son diez temas que hablan de (des)amor, de experiencias, de sensaciones, de pensamientos que todos alguna vez tuvimos. Ahí radica el fuerte de Songs for an Imaginary Film, el nuevo disco de Les Mentettes. En hacer canciones simples en las que la mayoría de las personas se puedan sentir identificadas, tal vez lo único que dificulta esto es el hecho de que estén cantadas en inglés. De todas formas, las melodías no tienen idioma.



lunes, 19 de septiembre de 2011

Red Hot Chili Peppers: ¿la guitarra no se mancha?

Los Red Hot Chili Peppers se presentaron en River con Josh Klinghoffer como guitarrista y demostraron que lo que importa son las canciones.

Foto: www.rollingstone.com.ar

Dicen que toda crisis esconde una oportunidad. Así parecen tomarlo los Red Hot Chili Peppers, que tras la segunda partida de John Frusciante, reclutaron a Josh Klinghoffer como su nuevo guitarrista. Un nombre que puede sonar poco conocido pero con un CV envidiable, sino pedir referencias a Beck, PJ Harvey y al mismísimo Frusciante, tocó con el en casi todos sus discos solistas y hasta grabaron un EP a dúo.
Con esta formación y con disco nuevo a cuestas, los californianos se presentaron por quinta vez en el país en el estadio de River Plate.
En escena se notan los años que tienen en el rubro. Flea debe tener un master en rock de estadios a esta altura. Corre de acá para allá, salta descontroladamente y es dueño de un virtuosismo envidiable a la hora de tocar el bajo. Chad Smith es un baterista duro, de esos que toda banda de rock debería tener.
Anthony Kiedis no pasó desapercibido con sus ya clásicos bailes exóticos. Cantó bastante mejor que en anteriores oportunidades y a pesar de algunos pifies en las letras tuvo una buena actuación. El último integrante, donde todos los ojos se posaron expectantes, cumplió muy bien con su rol. Pero no el de reemplazar a Frusciante, sino el de ser Josh Klinghoffer.
Con él las guitarras no mandan. Pasan a ser un recurso más de la canción y no un protagonista excluyente. De hecho, a muchos de los solos les faltó fuerza y tal vez apretar más seguido el pedal de distorsión. Ganaron en prolijidad pero perdieron en potencia.
Abrieron con la nuevita “Monarchy of Roses” pegada a “Can't Stop” y desatando el primer gran pogo de la noche. La respuesta del público era notablemente menor para los temas nuevos en comparación con los clásicos, salvo excepeciones como en el corte de difusión “The Adventures of Raindance Maggie” o “Look Around”.
Promediando la mitad del show apareció lo mejor del repertorio. La inesperada “Blood Sugar Sex Magik” encantó a los más fanáticos, el cover que grabaron en Mother's Milk de “Higher Ground” de Stevie Wonder descontroló a todo el público y para cubrir la dosis necesaria de hits sonaron “Californication” y “By the Way”.
Para la hora de los bises, volvieron sin causar mucho revuelo con “Dance, Dance, Dance”, para después descargarse con “Parallel Universe” y despedirse con “Give It Away”, su primer gran éxito.
No hubo gritos desesperados pidiendo el regreso de Frusciante, solo comentarios por lo bajo sentenciando lo que ya todo sabemos, que con él era otra historia.

jueves, 1 de septiembre de 2011

Florencia Ruíz: Música sin fronteras

Florencia Ruíz acaba de lanzar Luz de la noche. Fue editado en Japón, México, EEUU y Argentina al mismo tiempo. Cuenta con invitados como Hugo Fattoruso y Ariel Minimal.

“Me siento con la guitarra y busco la canción, la llamo. A veces viene y otras no”. En este caso fueron 14 las canciones que dieron el presente y terminaron en Luz de la noche, el nuevo disco de Florencia Ruíz. Un álbum que se aleja de los climas intimistas que ofrecen sus anteriores trabajos y se anima a un sonido más grandilocuente. “Luz de la noche tiene sus momentos de intimidad pero está concebido desde la apertura”, explica la cantautora. Este cambio lleva la marca registrada en la producción y los arreglos de Carlos Villavicencio. Un nombre que puede sonar desconocido para muchos pero que se repite en los créditos de varios discos fundamentales de rock nacional como son “El amor después del amor” y “Circo Beat” de Fito Páez, “La hija de la lágrima” de Charly García o en “Los ojos” de Luis Alberto Spinetta.
“Fue un sueño hecho realidad trabajar con Villavicencio, compartir tanto tiempo y observar sus modos de encarar los arreglos, la producción y la dirección. Fue un crecimiento a todo nivel. Alentándome siempre a componer, a estudiar y a buscar una nueva canción. Sin dudas trabajar con él cambió mi vida y mi música para siempre”, sentencia la cantante.
En una primera instancia, Ruíz había planeado un disco de unas doce canciones para grabar prácticamente en vivo. “La idea era un trabajo de guitarra y voz”, aclara. Al enseñarle las canciones a Villavicencio, de esas doce solo quedaron cuatro y el resto fueron compuestas durante el 2009 antes de entrar al estudio.
El otro gran aporte del disco viene de la mano de varios “músicos geniales”, como le gusta calificarlos. El uruguayo Hugo Fattoruso aporta su piano, Jaques Morenbaum su cello y Ariel Minimal, su coequiper en lo que fue esa aventura llamada Ese impulso superior, participó con su guitarra, entre otros artistas.
La suma de todos estos factores generó un álbum que atraviesa las fronteras tanto musicales como geográficas ya que este disco fue lanzado simultáneamente en Japón, Estados Unidos, México y Argentina.
Internet tiene mucho que ver en todo esto. Aunque ella considere que está siempre pasos atrás en materia tecnológica sostiene que las redes sociales son muy importantes para la difusión. “Me interesa la accesibilidad y me gusta el contacto que permiten. Por ahora no escucho música de otros en Internet ni me bajo discos pero se que están ahí, al alcance de la mano y eso me atrae”.
Precisamente, durante su segunda gira por Japón en mayo pasado abrió un blog (florenciaruizmusica.blogspot.com) a modo de diario online, en donde relataba sus distintas experiencias por tierras niponas.

- ¿Cómo es tocar para un público con una cultura tan diferente como la japonesa?
- Es un regalo de la vida, de la música. Una experiencia única. El público japonés es totalmente abierto y receptivo y se entrega a la experiencia musical.

- ¿Qué diferencias notás con el público argentino?
- No me gusta comparar y además creo que en este caso es imposible, hay una distancia muy grande entre oriente y occidente. La música une y construye lazos muy fuertes y es genial tener tantos queridos amigos allí y tanta gente esperando mi obra.

- ¿Qué expectativas tenés con este disco? ¿Dar un salto, ya sea en público, difusión, etc?
- Siempre se espera lo mejor y sería buenísimo que llegara a la mayor cantidad de gente porque creo que es un trabajo hermoso y accesible. Mi deseo primero fue dar un paso como música y compositora de canciones. Relacionarme con los músicos referentes para mí y aprender con ellos. Por ahora me ha generado muchas alegrías y creo que todavía se puede hacer un trabajo de promoción y difusión. Los discos cuentan con ese beneficio, tienen todo el tiempo a su favor y además este trabajo tiene cuatro ediciones.

- ¿Cómo tomás que temas como Todo dolor o Naves, del disco Mayor, podrían haber sido grandes hits radiales pero por la poca difusión terminan siendo pequeñas joyas del under?
- Nunca me propuse hacer un hit radial ni estar a la moda. Mi deseo es ser buena música y mantenerme buscando siempre. Por otro lado pienso que no se si podría ser un hit radial una canción llamada “Todo dolor” u otra llamada “Naves”. Al menos, no para los cánones de la radio. Ambas son hermosas canciones, muy queridas por mí y me han dado bellos momentos. En “Todo dolor” participan Hugo Fattoruso y Jaques Morelenbaum. Un lujo increíble, una confirmación de estar en el camino correcto.

- ¿Es posible la realización de otro disco del dúo Minimal-Ruiz?
- Siempre está abierta la posibilidad. Por ahora estamos abocados cada cual a lo suyo pero la amistad y las ganas de armar algo juntos siempre están latentes. Me encantaría hacer discos con varios músicos, es una instancia de crecimiento y de aprendizaje muy importante para todo músico. Un hombre solo no puede hacer nada.

Escuchá "El futuro, Flor" de Luz de la noche:

domingo, 14 de agosto de 2011

Reducción de daños, el nuevo EP de Flopa-Minimal

Son cuatro canciones ideales para escuchar cuando cae la tarde. “Música linda”, como se describe en los tags de su sitio en Bandcamp a este nuevo EP del dúo Flopa-Minimal.
Reducción de daños se basa en la simpleza. Guitarras acústicas, cada tanto una que otra eléctrica y la combinación de las voces del alma mater de Pez con la de su coequiper Lestani son los ingredientes necesarios para generar una atmósfera intimista.
El disco arranca con “Atolondrón”, un tema fogonero por excelencia que reclama repetición constante. “Las momias” tiene un leve aire bossa y el primer solo de guitarra de todo el álbum. “Es invierno” tiene la emoción como rasgo distintivo. La voz de Flopa va desglosando las sensaciones de un invierno en donde “la conciencia quisiera quedarse dormida”. El último tema, “¡Así se trabaja!” tiene un tempo lento y pausado, cada palabra se mantiene en reverb en nuestra cabeza formando el soundtrack ideal para desconectarse de la vorágine de la vida urbana.



martes, 2 de agosto de 2011

Blind Melon en Niceto: mucho más que un one hit wonder

Si quedaba alguna duda, Blind Melon demostró en Niceto dos cosas. La primera, que Shannon Hoon, su difunto cantante y alma mater, es irremplazable. Pero eso no quiere decir que se tenga que convertir en una banda tributo a sí misma. Blind Melon es una nueva banda con Travis Warren como vocalista. Una que sabe que sin su pasado hoy no estarían tocando, pero que no se encasilla en eso y mirá al futuro.
La segunda, que Blind Melon no es un one hit wonder. “No Rain” fue el tema que le dio su lugar en el podio de los 90, es la canción que toda banda necesita tener para crecer y es el tema que hasta tu hermanita que escucha Justin Bieber lo conoce, pero reducir a una banda como ésta a un solo tema es una falta de respeto. Y esto se confirma en la cara de las mil y pico de personas que estabamos en Niceto, que fueron a ver a un grupo, no a escuchar un tema.
Desde el comienzo con “2x4”, el pogo y los coritos tipícamente futboleros iban a ser un recurrente en toda la noche. Continuaron sin parar con “Toes Across The Floor” y “Soup” sirvió para calmar un poco a las fieras.
En vivo la banda es tan buena como en estudio. Se nota que los años que llevan recorriendo escenarios no son en vano. Suenan realmente potentes y Travis Warren, el nuevo cantante, sabe lo que hace y no necesita demostrarle a nadie por que está ahí. Tiene sangre de frontman y un registro vocal que le permite cantar todos los temas con total ductilidad.
A los cinco miembros de Blind Melon se los veía contentos, sin poder entender lo que estaban viviendo. Entre tema y tema paraban para filmar al público, como si estuvieran ante un fenómeno extraño.
Para “Skinned”, Warren pide un kazoo, esa especie de silbato chillón, y sube a un flaco con la remera de la selección nacional al escenario. El grito de guerra de “¡Dale la remera!” no impidió que este invitado improvisado bailara descontroladamente en el escenario y se sienta un rockstar por cinco minutos.
El punteo inicial de “No Rain” se volvió coro apenas empezó a sonar. Era la canción que tenía que estar, la que no podía faltar. Hasta el fan más renegado la cantó en cada segundo. Pero el pico más alto de comunión entre público y banda no se dio con el hit. Se dio con el himno. Los primeros acordes de “Time” desataron la locura, tanto arriba como abajo del escenario. No terminó la primera estrofa de la canción que Warren ya había saltado del escenario y estaba , literalmente, en manos de su público.
Para la hora de los bises arrancaron con “The Pusher”, continuaron con la emotiva “Mouthful of Cavities” y una versión un poco más rápida de “Walk” cerró una triada acústica. “¿Quieren un tema más?” preguntó Warren y remataron con “Galaxie” para darle un final eléctrico al recital.
Ahora que ya tocaron por primera vez en nuestro país, nace un nuevo interrogante alrededor de Blind Melon: ¿volverán a pisar suelo argento? Esperemos que así sea.

Hace click para acceder a la lista de temas.

Paper Scratcher en vivo en Niceto:


I Wonder en vivo en Niceto:


viernes, 1 de julio de 2011

Escúchame entre el ruido... de Internet

Tanto bandas que llenan estadios como las que convocan cien personas tienen su espacio en Internet. Usan las redes sociales para difundir su obra en tiempo real y a todo el mundo sin intermediarios. El “boca en boca” se volvió 2.0.

Atrás quedaron los tiempos en los que los músicos salían a volantear a las afueras de un recital multitudinario o que adornaban las calles con graffitis con el nombre de su banda. Hoy la difusión pasa por las redes sociales. Y eso es algo que afirman tanto artistas independientes como los agentes de prensa de los músicos más importantes del país. “Si tengo que elegir la virtud más grande de las redes sociales, sin dudas es el alcance a todos. Podés estar a un click de que te escuchen en China. Eso antes era imposible”, comenta Bárbara Recanati, cantante y guitarrista de Utopians, una de las bandas que más creció en el under porteño en los últimos años. “Twitter o Facebook constituyen hoy un arma fundamental para la difusión. Anteriormente, la prensa de un artista, requería de las publicaciones en medios gráficos o de entrevistas y presentaciones en los diferentes programas de televisión y radio”, sostiene Silvana Gómez de TyT Group, una agencia de prensa que representa a la Rock and Pop, Metro, Time For Fun y al Centro Cultural Konex, entre otras.
Plataformas como la de Twitter o Facebook permiten al artista tener un contacto directo con sus fans, pueden enterarse si les gustó su nuevo disco y recibir críticas de sus recitales prácticamente en tiempo real. Músicos y seguidores se retroalimentan.
“Es una herramienta muy útil de acercamiento del artista a la gente, a los seguidores de la música en cuestión. A través de ellas nos encontramos disponibles todo el tiempo a las consultas, opiniones y críticas que vengan desde el otro lado”, opina Lula Bertoldi, cantante y guitarrista de Eruca Sativa, una banda cordobesa que salió ganadora como Mejor Grupo Nacional en la encuesta anual del suplemento Sí de Clarín gracias a los votos de sus seguidores que, cómo no podía ser de otra manera, votaron desde Internet incentivados por la banda a través de las distintas redes sociales.
No hay duda de que estas herramientas ofician de nexo con el público. La pregunta es sí este contacto con la audiencia se traduce en beneficios tangibles. “Los resultados que logra un artista a través del contacto con sus seguidores dependen en cada caso, en virtud de la propuesta del artista y la aceptación que el público tenga de su producto artístico. El mundo virtual funciona igual que el mundo real”, afirma Amelia Alvarez, dueña de Amelia Comunicación, una agencia de prensa que representa a Gustavo Cerati y a Catupecu Machu, entre otros músicos.
Según Goméz de TyT Group, las redes sociales son una “esperanza” para los artistas under, ya que “ante la falta de presupuesto las redes sociales constituye una propagación de lo que hacen y de la instalación de la marca”.
Por otra parte, para Bertoldi de Eruca Sativa tanto Twitter como Facebook son “un apoyo, una herramienta mas de trabajo, pero la vida de nuestra banda tiene un movimiento marcadamente mas 'real' que 'virtual'”. Pero eso no quiere decir que descuiden el mundo 2.0. “Todos nuestros canales de comunicación virtual (Facebook, Twitter, YouTube, web oficial, e-mails, msn) están concentrados en un solo lugar y todos comunican la misma información actualizada. Obviamente varía la forma en que esa info es tratada en cada canal, porque cada uno tiene sus beneficios y limitaciones”.
Si uno hace una mínima recorrida por Facebook o Twitter puede notar que están todos. Desde una banda que llena estadios a una que lleva 100 personas tiene su espacio virtual. Alvarez sostiene que esta tendencia está en crecimiento porque “la gente está ahí, sobre todo los más jóvenes. Porque brinda proximidad e instantaneidad. Porque se pueden compartir contenidos que en los medios tradicionales quizás no tendrían cabida o tardarían en ingresar”. La cantante de Utopians, Bárabara Recanati, sostiene que compartir contenidos diferenciales por Internet “son modos de promover a que la gente le de más bola de la normal al grupo en esa red. Son nuevos medios, y como todos tienen su propio manejo”.
De la misma forma que tienen tantos beneficios, Internet es caldo de cultivo para trolls. Personas que dedican su tiempo pura y exclusivamente a insultar o criticar todo lo que haya en la red. “El tema de las opiniones o los insultos, puede ser una contra como no. Cuando las cosas empiezan a ir un poco mejor aprendés a no buscar más comentarios sobre tu banda, y si por casualidad te encontrás con uno, tenés que entender que es la parte perversa del juego de Internet”, opina Recanati. Para Gómez de TyT Group, esto no es nada nuevo. “Perfiles falsos y chismes siempre los hubo y el artista siempre supo combatir contra eso. Lo que pasa que ahora se virtualizaron, cambiaron de generación pero siempre es lo mismo”.
Internet se volvió una oportunidad y un desafío para los artistas. Una oportunidad para mostrarse a todo tipo de públicos sin intermediarios y un desafío, el de hacerse escuchar entre tantos otros músicos que luchan por que vos hagas ese click. El click de la victoria.

martes, 28 de junio de 2011

Covers inesperados vol.II

Todas las bandas que a vos te gustan en algún momento de su vida fueron fans igual que vos. Se sentaban horas a escuchar los discos enteros, tardaban horas en aprender el solo de guitarra de tal canción y se memorizaban las letras de sus temas preferidos.
Por eso, es que muchas veces a las bandas les gusta rendirles tributo a esos artistas que los influenciaron, que los incentivaron a seguir el camino de la música. Y sin pensarlo, de la misma forma le abren las puertas a mucha gente para que conozca otras bandas, otros géneros musicales.
Cuántos no conocieron a los Meat Puppets por el unplugged de Nirvana, mismo las generaciones más jóvenes a Bowie por la gran versión de The Man Who Sold The World. Y la lista continúa.
Entrecanciones lanza el volumen II de Covers inesperados, influencias que tal vez no pensaban que tenían esos artistas o simplemente grandes versiones.

Catupecu Machu - Hablando a tu corazón (Charly García) - Fer Ruíz Díaz le rinde homenaje a este himno de Charly García. Una de las primeras veces que cantaron este tema en vivo fue por el verano del 2006 y desde el accidente de Gaby (su hermano y bajista de la banda) la canción cobró otra dimensión y suele formar parte de la mayoría de los recitales.


System of a Down - Goodbye Blue Sky (Pink Floyd) - ¿Alguien alguna vez pensó los creadores de "Chop Suey" fuesen grandes fans de Floyd y, que para colmo, hagan uno de sus temas insignia en vivo?



Adele - Lovesong (The Cure) - La nueva joyita del pop cierra su disco 21 con este clásico de The Cure en una versión medio bossanova.



Pez - International Love (Fidel Nadal) - La banda de Ariel Minimal toca lo que fue el tema del verano de su amigo Fidel Nadal en una versión punk bien al palo.



Chris Cornell - Redemption Song (Bob Marley) - Una de las voces más importantes de los 90's interpreta al ícono del reggae por excelencia en una cálida versión de Redemption Song.



Massacre - Te quiero tanto (Sergio Denis) - Walas y compañía hicieron este cover rockero de uno de los hits más grandes de Sergio Denis para la película Cara de queso.


martes, 7 de junio de 2011

Plagio vol. V: Diego Torres vs. Yes



En estos últimos días se habló mucho de Coldplay y su plagio "legal", por llamarlo de alguna manera, a "I go to Rio" de Peter Allen, más conocida por estas tierras por ser reversionada en la cortina del conocido programa de Marcelo Tinelli, Ritmo de la noche.
Pero entre tanto revuelo, en Entrecanciones escuchamos lo que muchos no quieren escuchar. El tema "Creo en América" cantado por Diego Torres y que oficia de himno de la edición 2011 de la Copa América, arranca con unos acordes a lo Hey Soul Sister. Pero tranquilos, no es otro franchising del famoso plagio Train/James Blunt/Israel Kamakawiwo'ole.
El tema del cantante de "Tratar de estar mejor" comparte unos tonos con el mayor hit de una de las principales bandas de rock progresivo de todos los tiempos.
Y si hablamos de hit y de rock progresivo estamos hablando de "Owner of a Lonely Heart" de Yes. El riff de guitarra del comienzo de este clásico tiene una similitud importante con la flamante canción de Diego.
Escuchen ustedes y juzguen si Entrecanciones lo hizo de nuevo o estamos demasiado locos.

Yes - Owner of a Lonely Heart (Álbum: 90125 - Año: 1983)


Diego Torres - Creo en América (Año:2011)


De ninguna manera se esta acusando de plagio a cualquiera de los artistas, solo se destaca el parecido entra las canciones.

jueves, 12 de mayo de 2011

Covers inesperados

John Mayer, Devendra Banhart, Leo García y los Hanson, entre otros le rinden tributo a artistas como Oasis, Radiohead, Fito Páez y Elton John.

El mundo 2.0 creó nuevos hábitos (para no decir vicios) en varios de nosotros. Desde los adictos al Facebook que están pendientes de la última foto que subió alguno de sus 1200 amigos, pasando por los que no pueden dejar de twittear cada cosa que ven hasta los viciosos de YouTube.
Y es desde este sitio creado por tres muchachos que trabajaban en PayPal y que la vendieron a Google por la módica suma de 1650 millones de dólares, que se generó un nuevo fenómeno que también marca el signo de los tiempos: las grabaciones amateur de covers con la cámara digital. Este auge tecnológico permitió registrar varias rarezas y versiones de artistas que antes no podíamos disfrutar.
En Entrecanciones trataremos otra vertiente del fenómeno, los covers más inesperados de artistas nacionales e internacionales. Pasen y vean:


John Mayer - Kid A (Radiohead) - Que John Mayer haga una versión de Kid A es de por sí extraño, que la haga con guitarra acústica, aún más.


Devendra Banhart - Don't Look Back In Anger (Oasis) - El venezolano-yankee sorprende con una simpática versión con aires bossa de este clásico de los 90.


Hanson - Optimistic (Radiohead) - Antes de que muchos piensen que esto es una herejía, tal vez los tres rubiecitos que cantaban Mmmbop hacen uno de los mejores covers de Radiohead. Para que no piensen que es mentira, les dejamos una versión en vivo en Japón en el 2004. Pueden escuchar está versión con mejor calidad de sonido también. ¿Sabrán Yorke y cía. de este tributo?


John Frusciante - Your Song (Elton John) - El ex guitarrista de los Peppers por el año 2000 brindó una serie de recitales pequeños por Estados Unidos y Europa. El repertorio de estos shows se basaba en temas de su disco To Record Only Water For Ten Days, algunos que terminarían en Shadows Collide With People y varios covers de Bowie, Nirvana, Ramones y este tema de Sir Elton.


Vetamadre - Adela en el carrusel (Charly García) - La banda de rock alternativo liderada por Julio Breshnev grabó en su Much Sessions una versión made in Seattle de un clásico de García. Chequear también su gran versión de Weird Fishes de Radiohead.


Leo García - 11 y 6 (Fito Páez) - El cantante pop tiene un amplio repertorio de covers que incluyen artistas tan disímiles como Gilda, Moris, Spinetta, Charly García, Los Gatos, Pet Shop Boys y este de Fito.

sábado, 30 de abril de 2011

Coca Monte de Vetamadre: "Sigo porque amo lo que hacemos"


Algunos le podrían llamar banda de culto, otros una banda en ascenso. Lo cierto es que a Vetamadre no le importan las etiquetas, sino la música. No por nada, la banda viene peleando en el under local hace ya casi 15 años de manera totalmente independiente.
Luego de cuatro discos de estudio y uno en vivo, el cuarteto integrado por Julio Breshnev, en guitarra y voz, Coca Monte en bajo, Martín Dejean, en teclados y rhodes y Federico Colella, en batería, decidió crear un álbum que sea un nuevo punto de partida. Tres años les llevó terminar OTROviaje, un disco que busca ser una experiencia, no una actividad pasajera. “OTROviaje ofrece un audio distinto y una propuesta original, es una música sincera y alternativa a lo que se entiende por rock nacional”, explica Monte.
Sí ya es difícil a priori hacer música en este país, hacerlo sin una compañía detrás se vuelve una odisea. Pero en tiempos en donde la industria discográfica está en crisis, la independencia puede ser el camino correcto.
Para Monte las discográficas “en Argentina son un desastre. No conocen el concepto de catálogo. Vendían discos e imponían músicas con los medios como socios y el público como cómplices. No eran ni son artistas, solo comercializaban con música”.
Para Vetamadre sería muy difícil firmar con una multinacional en caso de que fuesen llamados. “La condición seria que solo vendan los discos y confíen en nuestro criterio y rumbo. No lo hicimos antes y ahora me parece que ya no puedo contestar, tengo otra cabeza formada”, sostiene el bajista.
A pesar de las distintas trabas en el camino, el cuarteto está intentando cruzar las fronteras y editar en México. “Es muy difícil, pero creemos que puede funcionar”, aclara Monte. “De todos modos creo que en Argentina hay muchas bandas y músicos muy buenos que nadie conoce. Creo que vienen grandes tiempos para el rock”.

- Si tuvieras que elegir tres temas que definan a Vetamadre, ¿cuáles serían y por qué?
- Elegiría “Líbérenme” (de Libérenme), porque cuando la tocamos se crea un estado de tensión increíble; “Acá” (de Veratravés) porque me emociona y “Éxtasis” (de OTROviaje) porque es el Vetamadre versión 2011.

- ¿Qué es lo que te hace seguir en pie en el camino de la música a pesar de todos los problemas que hay en el medio para un artista independiente?
- Si no hago música me muero, si no voy a la sala de ensayo a verme con los Veta también. Amo tocar el bajo y mi público me parece maravilloso, siento que me quieren y valoran lo que hacemos. Nací para hacer esto y sigo porque amo lo que hago. Creo que se llama pasión.

Vetamadre se presenta el sábado 30 de abril en el Samsung Studio.

Te dejamos a continuación los videos de los tres temas que eligió Coca Monte:

Libérenme, en vivo en La Trastienda:


Acá, en vivo en The Roxy Live:


Éxtasis:

lunes, 25 de abril de 2011

Dig Down Deep, nuevo disco de Vandaveer


Si Divide and Conquer se destacaba por sus arreglos simples, Dig Down Deep trata de abrirse camino como la obra más producida de Vandaveer.
En su tercer disco, el dúo estadounidense decidió repartir los roles en sus canciones. Mientras que en sus anteriores trabajos la guitarra marchaba al frente, en este álbum le cede su lugar preponderante al piano o a los arreglos de cuerdas. Eso sí, el papel protagónico se lo sigue robando la perfecta combinación vocal de Mark Heidinger y Rose Guerin.
El disco abre con los acordes de "Dig Down Deep”, una canción folk de cabo a rabo, con un estribillo que da envidia y que pide repetición en un loop constante.
En “Concerning Past and Future Conquests”, Heidinger relata sobre amores pasados mientras una base de cuerdas dirigen la canción. Llegado el turno de “As a Matter of Fact”, el piano decide rebelarse y abandonar su perfil tímido para liderar un tema que pide ser el soundtrack de cualquier bar de mala muerte.
Mientras que “The Nature of our Kind” aparece como el hit nato del disco, “Spite” descubre un folk sombrío y poderoso, muestra otra cara de la banda. Un Vandaveer que rockea sin usar distorsión, con guitarras densas y un coro final que le da el toque épico a la canción.
Ya redondeando el final, se despachan con “AOK” un tema de aires tristes y tal vez una de las canciones más complejas y mejor logradas de la banda. Pero acá es cuando el dúo comete el error de regrabar “The Waking Hour” en una versión mid-tempo y atmosférica que no aporta nada salvo certificar que su versión original es cien veces mejor.
“Dig Down Deep” es un disco que afianza a Vandaveer como banda, que se anima a dar pequeños cambios que no alteran su esencia. Esa que hace a la banda grandiosa: su simpleza.

Podés descargar el disco acá:

"Dig Down Deep" de Vandaveer


"AOK" de Vandaveer

miércoles, 6 de abril de 2011

Devendra Banhart en Niceto: el auténtico hippie-chic

El cantante venezolano-estadoundiense se presentó con su banda The Grogs por segunda vez tras cinco años de ausencia en el país.


Si alguien tenía la imagen mental de Devendra Banhart como un pseudo hippie, roñoso, de barba y pelos largos, paso a comentarles que eso ya no es así.
El venezolano-yankee hoy está muy lejos de esa imagen. Cambió sus trapos viejos por una campera de cuero a la última moda y el pelo y esa barba frondosa pasaron a mejor vida. Eso sí, lo que parece no haber cambiado es su personalidad.
Divertido, hiperquinético y porque no, un poco loco. Así se lo vió al subir al escenario de un Niceto colmado con una cola para entrar que rodeaba toda la manzana del local para eso de las nueve de la noche. Sí, mucha gente.
La línea de bajo de “I Feel Just Like A Child” inició al recital, pegadita a dos de los mejores temas de su último disco “Baby” y “Angelika”.
Una versión mucho más lenta de “At The Hop” generó la primera gran ovación de la noche y el enganche con otro de sus temas más sentidos, “Brindo”, en donde el cantante relata un brindis a un amor “tan raro, tan de repente”, formó un combo no apto para corazones con agujeritos.

"Brindo", en vivo en Niceto, 5 de abril de 2011


Pero Devendra no está solo en esta travesía. Lo acompañan cuatro hombres que son pilares de su sonido. Noah Jefferson, primera guitarra, es el Dr. Watson del cantante, su mano derecha artística. Tanto es así, que el próximo disco de Banhart estará tocado solo por ellos dos. Greg Rogove, es uno de esos bateristas que, de existir, se recibiría con honores de una academia dirigida por Ringo Starr; junto al bajista Tod Dalhoff, arman esa base sólida que es tan importante para toda banda. Pero el comodín del grupo es Rodrigo Amarante, ex miembro de Los Hermanos (banda brasileña que tuvo un temita que por ahí conocen, ¿les suena Ana Julia?) y actual líder de Little Joy, un guitarrista que toma el micrófono e interactúa con el público sin ningún temor.
Y es en temas como “Bad Girl” en donde se disfruta a la banda en un cien por ciento. Donde cada uno cumple con su rol a la perfección y alcanzan uno de los momentos más altos de la noche.
El recital de Banhart da lugar para todo: desmayos, groupies brasileras descontroladas por el artista, y también, una especie de recital a la carta.
“Voy a tocar treinta segundos de una canción que me pidió una chica, que creo que su nombre era Lucía. Esta canción es para vos”. Suenan los primeros acordes de “Santa Maria de la Feira” y el público enloquece. “Ya no me acuerdo más, ¿alguno quiere otro tema por 30 segundos?”, lanzá cómplice el cantante. Una lluvia de gritos indescifrables comienzan y Banhart empieza a interactuar con su gente como si estuviese tocando en un bar. Alguien le pide “Luna de margarita”, un tema de Simón Díaz que grabó en su cuarto disco Cripple Crow, y Devendra se niega a tocarla. “Ese tema lo grabé para que vayas y te comprés un disco de él, así que voy a tocar un tema mío” y así dispara los primeros acordes de “A Sight To Behold”, un himno para sus fanáticos.
Luego de este pasaje en solitario, Banhart se despide con lo más rockero de su repertorio: la genial (e interminable) “Seahorse”, la funky “Lover” y la setentosa “Rats”. Para la hora de los bises, Devendra Banhart retorna - en cuero - para entonar “Hey Mama Wolf” y “Carmencita”, rematando un final a puro baile.
“Me caso”, comenta tajante una chica mientras el cantante saluda a su público. Pensamiento de muchas calculo. Por suerte soñar es gratis.

A continuación el video de "Bad Girl" en vivo en Niceto el 5 de abril de 2011:


lunes, 28 de marzo de 2011

Plagios musicales: Mumford and Sons vs. Dave Matthews Band


Esta vez las canciones son bien distintas. No hay ningún tipo de parecido en la melodía, ni en algún riff, ni en la letra. Esta vez el parecido es vocal.
La música de Dave Matthews no se caracteriza solamente por la virtuosidad de su banda a la hora de arreglar sus canciones, también hay una gran voz que hace las veces de guía melódico. Una voz muy personal, con la capacidad de entonar la melodía más dulce y pasar al gruñido más aspero en un mismo compás.
Resulta que la banda ganadora del premio a la mejor banda nueva en los Grammys, y que tuvo el honor de tocar con Bob Dylan en la misma ceremonia, cuenta con un cantante con una voz muy similar. Estamos hablando de los ingleses de Mumford & Sons, que gracias a su disco debut Sigh No More, lograron un posicionarse como una de las bandas más prometedoras en todo el mundo.
Ahora bien, al escuchar a esta banda, lo primero que noté fue el gran parecido que tienen las voces de Marcus Mumford y la del sudafricano.
Para que comprueben con sus propios oídos y que no terminen siendo puras conjeturas a continuación dos canciones para comprobar este fenómeno (?) :






miércoles, 23 de marzo de 2011

Funkdoneón: Funk rioplatense


“Tal vez la idea de una melodía de bandonéon en un groove de funk, sea novedosa”. En esa frase de su gacetilla de prensa Funkdoneón deja un interrogante que en realidad es una afirmación. La banda logra que los arreglos de bandoneón se desplazen sobre una base funky como si este fuese su hábitat natural. El grupo liderado por Marcelo Vaccaro – ex bajista de Fito Páez, Fabiana Cantilo y Alejandro Lerner, entre otros – suena moderno a partir de influencias clásicas.
“Nos encanta pensar que hacemos música para ver”, sostienen. Y de hecho, sus canciones podrían ser el soundtrack ideal para cualquier película de locación urbana.
Desde la gráfica “Subte A” al tributo a Piazzola en “Astor”, Funkdoneón se maneja por distintos estilos como la electrónica y el tango, pero siempre con un groove funky como mátriz.
El EP debut The Singles cuenta con seis canciones que pueden ser escuchadas y descargadas de su página de Reverbnation.




miércoles, 16 de marzo de 2011

Nuevos lanzamientos desde EEUU


El 31 de mayo desembarca en las disquerías y seguramente en formato digital, Codes and Keys, el nuevo disco de Death Cab For Cutie.
El disco consta de 11 canciones, de la que ya adelantaron la que le da nombre al álbum en una de sus últimas presentaciones en vivo.

Lista de temas de Codes and Keys:

1. Home Is A Fire

2. Codes And Keys

3. Some Boys

4. Doors Unlocked And Open

5. You Are A Tourist

6. Unobstructed Views

7. Monday Morning

8. Portable Television

9. Underneath The Sycamore

10. St. Peter's Cathedral

11. Stay Young, Go Dancing

Otra banda que también lanza disco nuevo es Vandaveer. Dig Down Deep es el nombre elegido para este nuevo álbum que saldrá a la luz el 16 de abril.
Como adelanto se puede escuchar en su página oficial su nuevo single Concerning Past & Future Conquests, el mismo se puede descargar gratuitamente adhiriéndose a su lista de mails.
Este nuevo lanzamiento también contará con una reversión de The Waking Hour, el mejor tema de su EP A Minor Spell.

Concerning Past & Future Conquests by Vandaveer

miércoles, 9 de marzo de 2011

Cubiertas, el nuevo disco de Bicicletas

Se podría decir que en Internet está todo por descubrirse, y es así, que dando vueltas por la red de redes me puse a escuchar un interesante proyecto de una de las bandas del under con mayor crecimiento en este último tiempo, Bicicletas.
Esta vez la novedad no llega a partir de sus innovaciones, como fue en el caso de su videojuegoclip para el tema Hoy. Esta vez es puramente musical.
Se trata de Cubiertas, un disco de covers de artistas latinoamericanos como Café Tacuba, Los Auténticos Decadentes, Andrés Calamaro, Os Paralamas, entre otros. El disco consta de ocho canciones reversionadas bajo el espíritu de la banda sin dejar de lado la esencia de la canción original. Se destacan la versión western de “El gran señor” de los Deca , la eléctrica "Estadio Azteca" de El Salmón y la re-reversión del cover de Los Speakers de The House of the Rising Sun en español.
En 2004 ya habían lanzado otro disco de covers, bautizado Discover, que incluye temas de Duran Duran, The Cure, The Rolling Stones, entre otro bandas anglosajonas.
Cubiertas se puede conseguir en su versión digital a diez pesos y a veinte en CD a través de Soy Rock.
A continuación te dejamos un par de temas de ambos discos para que saques tus propias conclusiones:

El gran señor (Los Auténticos Decadentes)


La Casa del Sol Naciente (Los Speakers)


Estadio Azteca (Andrés Calamaro)


Love Song (The Cure)


miércoles, 16 de febrero de 2011

Viene Devendra Banhart a Argentina

Según se pudo saber en los últimas horas a través de Twitter, Devendra Banhart tocará en Niceto Club el 5 y 6 de abril.
El cantante venezolano-yankee desembarcará al país después de tocar en la edición chilena del festival Loolapalooza, el que tendrá lugar los días 2 y 3 de abril.
Banhart está presentando su último disco What Will We Be (2009) y acaba de lanzar el segundo corte del mismo, correspondiente a la canción Brindo.
Las entradas tendrán un precio de 180 pesos y estarían a la venta a mediados de la última semana de febrero en Niceto y por Ticketek.

"Baby", primer corte de What Will We Be

Devendra Banhart - Baby from Ron Winter on Vimeo.



At the Hop, de su tercer disco Niño Rojo

At the Hop (Devendra Banhart) from jbhmusic on Vimeo.


jueves, 10 de febrero de 2011

Tapados musicales Vol. I: Blind Melon

Porque siempre existen esos seres que sorprenden, que cuentan con una habilidad o una destreza desconocida por el común denominador de la población. Y es que los llamados “tapados” existen en todos los ámbitos y disciplinas, y el ambiente de la música no es una excepción a la regla.
Desde el principio de los tiempos (?) existieron artistas que no lograron llegar a la masividad y se transformaron en un objeto de culto para unos pocos. Otros tuvieron, aunque sea, la suerte de tener lo que se conoce como un "one hit wonder". Y este es el caso de la banda que toca para el día de la fecha.
La gran mayoría debe conocer "No Rain" y su video protagonizado por esa gordita simpaticona vestida de abeja. Pero Blind Melon fue, y se podría decir que es, mucho más que una banda de un solo hit destinada al olvido.
Tal vez si no fuera por la trágica muerte de su cantante Shannon Hoon, una de las mejores voces de los '90 con Eddie Vedder y Chris Cornell, hoy el grupo estaría ocupando un lugar entre las grandes bandas de esa década. Pero bueno, no tenemos la bola mágica. Son puras conjeturas sin sentido...
Blind Melon aterrizó por el año 1992 con su primer disco homónimo. Una perfecta mezcla de canciones acústicas con pasta de hit (Change) y rock hecho y derecho (Soak the Sin, Tones of Home) basado en el gran juego de guitarras que ejercían Christopher Torn y Roger Stevens. De este álbum se desprende su único hit, el ya mencionado No Rain. En el interín, Hoon supo formar parte de las grabaciones de la serie Use Your Illusion de los Guns N Roses, participando en el megahit Don't Cry, entre otros.
Para 1994, Blind Melon lanza Soup. Un segundo disco más experimental, con un sonido mucho más oscuro y denso, producto de la vida cargada de excesos que llevaba Hoon y su depresión constante. Pero meses después de la salida de este nuevo álbum y antes del nacimiento de su única hija, Shannon Hoon es encontrado muerto durante la gira a la edad de 28 años.
La banda lanza años después, Nico, su tercer disco nombrado así por la hija del cantante, el mismo cuenta con covers, demos y lados B de la banda como Pull, Soul One o Soup.
El resto de los integrantes del grupo decide terminar con la banda, hasta su reunión en el 2008, en donde lanzan For My Friends, con Travis Warren, un nuevo cantante que permanecerá tan solo por dos años.
Actualmente, se encuentran buscando cantante y hacen audiciones vía mail. Así que si te ves como frontman de esta banda ya sabes que hacer...

A continuación dos de los mejores temas de cada disco:

Blind Melon (1992)

Soak the Sin:


Change:


Soup (1994)

St. Andrew's Fall:


Mouthful of Cavities:


Nico (1996)

Soup:


Soul One:


For My Friends (2008):

Harmful Belly:


For My Friends:

jueves, 27 de enero de 2011

Jaydiohead: una mezcla inesperada

No es la octava maravilla, pero si es bastante interesante. De la misma forma que Danger Mouse mezcló el álbum blanco de los Beatles con el álbum negro de Jay Z, el dj neoyorquino Max Tannone se animó a mezclar al rapero con una de las bandas más importantes de los últimos veinte años: Radiohead.
De esta forma, Tannone creo Jaydiohead. Un proyecto atrevido en donde logra llevar a los ingleses a la pista de baile y salir victorioso en el intento.
Cuenta con dos entregas virtuales, la primera, bajo el mismo nombre del proyecto, cuenta con remixes de canciones de la mayoría de los discos de Radiohead, incluyendo el lado b Gagging Order y Black Swan, del disco solista de Thom Yorke, The Eraser. El segundo disco, The Encore, cuenta con 5 mixes más que siguen la misma línea.
Escuchen y den su propio verédicto:

Para bajar el disco: http://www.maxtannone.com/projects/jaydiohead/

Jaydiohead Ignorant Swan Medley from SUBVOYANT on Vimeo.

jueves, 6 de enero de 2011

Entrevista a Vandaveer: "Vengo llevando bien la etiqueta de cantautor"

El cantante y guitarrista de Vandaveer nos cuenta cuáles son sus artistas favoritos, su mirada sobre la industria y cómo terminó siendo músico.

Mark Charles Heidinger. Ese es el nombre completo del cerebro detrás de Vandaveer, el grupo folk que forma junto a Rose Guerin, “un ángel con doradas cuerdas vocales” como el mismo la define.
El cantante y guitarrista comenzó este proyecto luego de dejar la electricidad del indie rock de These United States por la resonancia natural de su guitarra acústica. “Todavía me encanta el rock and roll y escucho todo tipo de música. Pero lo que yo compongo lo hago sin pensar mucho en lograr un 'sonido Vandaveer'. Como compositor, uno escribe lo que le sale y toma forma con una identidad definida después del resultado final”, relata Heidinger.
El grupo tiene dos discos de estudio, Grace and Speed (2007) y Divide and Conquer (2009), y el reciente EP, A Minor Spell, consolidando un sonido en donde la simpleza es la principal virtud.

-¿Cómo terminó Rose Guerin siendo parte de Vandaveer?
-Nosotros nos conocimos hace varios años, cantando con unos amigos para juntar dinero para la gente necesitada. Rose es un regalo. Es un ángel, con doradas cuerdas vocales. Diría que fue un encuentro muy afortunado.

-¿Creés que hubo una evolución o un cambio importante de tu sonido o manera de componer de un disco al otro?
-Supongo que todo evoluciona en el tiempo, pero la pregunta es: “¿Estás evolucionando positivamente?”. Yo espero que la respuesta sea que sí, pero no sé si puedo ser un juez imparcial de tales cosas. Yo sigo disfrutando del proceso de grabación y composición y tocando en vivo, así que... ¡calculo que hay esperanza!

-¿Qué opinión tenés acerca de la descarga de canciones por internet? En Argentina la única forma de conseguir tus discos es a través de la red...
-Tengo mil y una opiniones acerca de la disponibilidad de música en internet, pero todas ellas son inconsecuentes a esta altura. La gente encontrará una manera de controlar la propiedad intelectual, ya sea a través de un sistema en especial o cualquier método, por lo que no tiene mucho sentido luchar contra ello. Por lo tanto, prefiero abrazar a la tecnología. Me conviene usarla como una herramienta que me ayude a esparcir mi música y desear que algunas personas lo consideren de tal valor como para pagar una modesta suma por una copia legítima. En algún punto, uno realmente debe poder ganarse la vida. Espero que la tecnología no me haya pasado por arriba en ese frente.

-¿Cuáles son tus artistas favoritos?
-Uh... muy difícil. Pero soy bastante fanático de Tom Waits, Dylan, The Beatles, Jim Henson y toda la banda del Sesame Street, Dr. Seuss, Shel Silverstein, Stanley Kubrick, Marc Chagall, Martin Scorsese, John Steinbeck, Cormac McCarthy y miles más.

-¿Cómo es tu proceso de composición?
-A veces agarró mi guitarra y empiezó a tocar, otras veces simplemente tengo una melodía en mi cabeza. Es difícil decir cual viene primero, pero todo termina junto al final, y eso es lo importante.

-¿Cómo fue tu primer acercamiento a la música?
-Yo era un amante de la música desde muy temprana edad -Sesame Street, Michael Jackson, Madonna – casi todo lo que aparecía en PBS o en MTV durante los 80's. De ahí en más, agarré una guitarra en los principios de mi adolescencia y me imaginaba como cantautor. Tomó mucho tiempo para que esa etiqueta sea real, pero creo que la vengo llevando bien en estos momentos.

-¿Cuál es tu canción preferida de Vandaveer?
-Todas y ninguna de ellas. Mis canciones preferidas son las de otros. Creo que “What A Wonderful World” debe ser la melodía más linda que se escribió en este mundo.

-¿Conocés música de Argentina o Sudamérica?
-Disfruto de la música de Seu Jorge. Rose es una gran fan de Caetano Veloso, a quien descubrí recientemente. Debo decir que mi exposición a la música sudamericana ha sido bastante limitada. ¿Alguna sugerencia?