lunes, 23 de noviembre de 2009

La consolidación de un artista versátil

El cantautor Devendra Banhart lanzó su sexto disco What Will We Be. Un disco creado en base a pasajes acústicos y melodías alegres aptas para todo público.


Devendra Banhart es uno de los artistas que descubrí hace relativamente poco y pasó a estar entre mis preferidos. Con la simpleza como estandarte, el mitad venezolano mitad yankee logró establecerse como un referente de la movida folk con discos excelentes como Rejoicing In The Hands, Cripple Crow o Smokey Rolls Down Thunder Canyon. Estos dos últimos fueron lanzados ya acompañado por una banda estable, lo que le dió un sonido más contundente y rockero a las canciones.
Hace menos de un mes, Banhart lanzó What Will We Be, su sexta placa de estudio, pero esta vez por una compañía multinacional: Warner. Este disco muestra a una versión menos experimental de Banhart y más afirmado a la canción.
El álbum arranca con “Can’t Help But Smiling”, un tema que anticipa el clima que guiará todo el álbum: melodías simples y alegres acompañadas de una instrumentación que sabe no necesita de virtuosismos para destacarse.
Le sigue “Angelika”, tal vez el mejor tema del disco. Una canción que mecha una melodía infantil (que recuerda a su canción "Todos los dolores" de su segundo disco Rejoicing In The Hands) con un ritmo latino con letra en castellano. Un clásico tema made in Devendra. Completa la trilogía inicial “Baby”, un tema soft rock con pasta de hit.
A lo largo del álbum prevalecen los paisajes acústicos – “Goin' Back”- y otros más atmosféricos con la inclusión del piano – “Last Song For B”-.
“16th & Valencia Roxy Music” se presenta como el bicho raro del disco, pero logra salir airoso animándose al rock de pista de baile por un ratito pero manteniendo su estilo con la inmersión de distintos instrumentos de percusión, lo que le da un toque experimental. “Rats” llama la atención con su riff zeppelineano, pero no logra pasar a mayores y queda a medio camino.
La simple y genial “Brindo” es la canción ideal para escuchar una noche lluviosa junto a tu pareja o solo en plan melancólico. “Walilamdzi” nos transporta a un mundo de paz y armonía, en otras palabras: una canción con olor a bosque. Para el final, Banhart sorprende con “Foolin’” un reggae que recuerda más a Toots & The Maytals que a Bob Marley.
Banhart se consolida con un disco ATP, que no brilla pero deslumbra con un par de canciones que tienen futuro de clásicos.

Los más destacados:
Angelika - 16th & Valencia Roxy Music - Can't Help But Smiling - Brindo - Baby

Lista de temas:
1. Can't Help But Smiling
2. Angelika
3. Baby
4. Goin' Back
5. First Song for B
6. Last Song for B
7. Chin Chin & Muck Muck
8. 16th & Valencia Roxy Music
9. Rats
10. Maria Lionza
11. Brindo
12. Meet Me At Lookout Point
13. Walilamdzi
14. Foolin'

jueves, 8 de octubre de 2009

A paso firme


Los cambios artísticos en la vida de un músico muchas veces marcan un antes y un después. Es cierto que hay bandas que mantienen un sonido monótono. Grupos que prefieren reposarse en los laureles de la estabilidad conseguida gracias a un determinado sonido que apostar por nuevos rumbos llenos de posibilidades, tanto de fracasos como de victorias. Los más difícil y a la vez más meritorio, es (jugándomela de filósofo) cambiar los accidentes pero no la esencia. Experimentar pero manteniendo eso que tanto cuesta conseguir: una identidad. De eso se trata, de mantener la identidad. Eso es lo que logró AFI por partida doble, consagrarse como una banda del mainstream, innovando y conservando su esencia.
Crash Love es la octava placa de los californianos y la que los muestra en su faceta más sólida desde su primer lanzamiento multinacional, Sing the Sorrow. Dejando de lado el mini-affair que tuvieron con la música electrónica en su antecesor Decemberunderground, Crash Love se planta como el disco más luminoso y guitarrero de su carrera, escasean las letras oscuras y depresivas tan características de su cantante Davey Havoc, pero no por eso son optimistas. La mayoría de ellas tratan sobre las desventuras del showbusiness norteamericano, ambiente con el que estos ex – punks de la costa oeste de California. se empezaron a chocar en este último tiempo. Las letras tal vez sean el punto más bajo de todo el disco, la mayoría de ellas carecen de contenido o pululan por situaciones banales y comunes como en el caso de “Veronica Sawyer Smokes” o “Medicate”.
De lo que no se puede decir lo mismo es en cuanto a su sonido. Producidos por Joe McGrath and Jacknife Lee, el cuarteto propone doce temas en donde el formato tradicional de canción – verso, estribillo, verso – prima por sobre todas las cosas.
Contrario a la tradición de la banda, Crash Love abre sin ningún track introductorio, arremete directamente con “Torch Song”, una canción que tranquilamente podría formar parte de Sing the Sorrow, con una tapping supremo como riff principal, un trabajo de guitarras impecable y un estribillo épico; seguida por la contundente “Beautiful Thieves”, en donde la voz de Havoc rememora por partes a la del ex The Smiths, Morrisey.
Con una clara influencia del rock de los 80’s y 90’s, “End Transmission” se presenta como un tema mid tempo en donde el bajo de Hunter Burgan guía toda la canción acompañada por la guitarra de Jade Puget, que en este caso no se encuentra tan al frente, sino que sirve más como un instrumento atmosférico.
“Too Shy To Scream” aparece como la canción más experimental y más comercial al mismo tiempo. Con un verso donde las guitarras, el bajo y la batería forman una tríada rítmica impresionante que termina decayendo en un estribillo casi infantil y meloso por demás. Por su parte, “Veronica Sawyer Smokes” es una canción pop hecha y derecha que no genera sobresaltos. Simplemente, cumple.
Por el contrario, en la mitad exacta del disco aparece “Okay, I Feel Better Now”. Melodía, sentimiento, un estribillo con aires a The Killers y unas guitarras más que interesantes para crear una de las canciones más destacadas del disco.
El primer single del disco, “Medicate” es la canción más urgente del disco, con un aire punk que a los más nostálgicos les recordará a los primeros discos de la banda, salvo que en esa época no hacían solos como los que tiene el final de esta canción. “I Am Trying Very Hard To Be Here” es un tema destinado a convertirse en un clásico de la banda, con una letra que parece aludir a la trágica muerte de Lady Di y al acoso que sufría de parte de los paparazzi (“Flash Flash/Car Crash/ We are no fixtures/Quick Now Quick/Take a picture”).
“Cold Hands” contiene unas guitarras muy al frente y un estribillo con destino radiofónico. El último tema del álbum, “It Was Mine” conserva las características clásicas para ser un gran final: ímpetu, fuerza y un plus: pasta de hit.
AFI pasó de ser una banda de hardcore punk crudo a ser una banda emo antes de que el terminó existiera. Hoy recorren un camino más ligado al rock clásico, a ese rock que puede llenar estadios, y lo están haciendo a paso firme.

Lista de temas:
1. Torch Song
2. Beautiful Thieves
3. End Transmission
4. Too Shy To Scream
5. Veronica Sawyer Smokes
6. Ok, I Feel Better Now
7. Medicate
8. I Am Trying Very Hard To Be Here
9. Sacrilege
10. Darling, I Want To Destroy You
11. Cold Hands
12. It Was Mine

Los más destacados: Torch Song - Beautiful Thieves - Ok, I Feel Better Now - End Transmission - I Am Trying Very Hard To Be Here

A continuación el video oficial de su single "Medicate":

lunes, 31 de agosto de 2009

Cortitas y al pie


Entre rumores y mp3s. Radiohead lanzó gratis para descargarse desde su página oficial un nuevo tema llamado “These Are My Twisted Words”. Fieles a las nuevas tendencias, la canción viene en un archivo Zip que incluye el arte de tapa en un archivo .pdf y los créditos de la canción en un archivo .txt. El lanzamiento de este single se produjo entre una ola de rumores que sostenían que la decisión de regalar el tema en cuestión fue tomada tras la filtración de esta nueva canción en Internet. Sin ir más lejos, la radio inglesa Sirius XM presentó “These Are My Twisted Words” como el corte de difusión de su nuevo EP, cuyo nombre sería Wall Of Ice. Desde el lado de la banda de Oxford no hay ninguna novedad al respecto de este rumor. Lo único cierto es que Radiohead logró de nuevo estar en boca de todos.

Tweet Love. Este 26 de septiembre sale a la venta Crash Love, el octavo disco de estudio de los californianos AFI. En una gran estrategia de marketing fiel a los tiempos que corren, el cuarteto develó la lista de temas del álbum utilizando Twitter. A medida que se llegaba la cantidad de “tweets” necesaria se develaba una nueva canción del disco. Sumado a esto, la banda lanzó progresivamente distintos videos de las sesiones de grabación por Youtube. “Medicate”, el primer single de Crash Love, ya se puede adquirir vía Itunes y la versión deluxe del disco ya puede ser encargada por el mismo medio.

Una de vampiros. Death Cab for Cutie compusó un tema exclusivo para la banda sonora de New Moon, la segunda película de la saga de vampiros Twilight. La nueva canción fue titulada “Meet Me On The Equinox” y, según su bajista Nick Harmer, “captura ese desesperante sentimiento de finales y principios que fuertemente afecta a los personajes”. El estreno de esta canción será el 13 de septiembre por el sitio web de MTV durante la transmisión de los Video Music Awards 2009. La banda sonora de New Moon contaría con la participación de artistas como Thom Yorke, cantante de Radiohead, Grizzly Bear y Muse, entre otras.

lunes, 13 de julio de 2009

En contra del torrente

Vetamadre se presentó en Niceto Club en un gran recital a base de excelentes covers, gran sonido y lo más importante, buenas canciones.

A PESAR DE TODO. "No sabíamos si tocar o no, pero teníamos muchas ganas y decidimos que lo mejor era dar info de la gripe a la gente y cuidarse", comentó Julio Breshnev, cantante y guitarrista de Vetamadre

“Pásenla bien y lávense las manos”. Que mejor frase que la que disparó Julio Breshnev, desde el escenario para retratar la situación vivida. Entre frío y alcohol en gel, Vetamadre tocó en un Niceto bastante lleno considerando la situación actual del país.
Los recitales de Vetamadre se suelen destacar por la variación de sonidos y ambientes que logran, pasando de la intensidad a la tranquilidad entre tema y tema. “Letargo” fue la canción elegida para abrir la noche, seguida sin respiro por “Lluvia Cósmica” como para empezar a calentar el recinto.
El primer cover de la noche llegó más temprano de lo esperado, cuando la batería empezó a sonar y las caras de los presentes que mordían sus labios o giraban sus cabezas sin poder creer que lo que estaban escuchando era “Weird Fishes” de Radiohead, uno de los mejores temas de su último disco In Rainbows.
“Torrente”, de su tercer disco Veratravés, es tal vez una de las mejores canciones que representa el estilo de la banda y eso se nota también en su público, quienes responden cantando a viva voz su estribillo, casi queriéndole robar el puesto a su cantante y guitarrista, Julio Breshnev. El conjunto presentó también “Nombre”, un tema de su futuro disco con una gran letra que reza: libertad/ese es mi nombre.
Aproximadamente en la mitad del show, la guitarra acústica tomó el lugar de la SG para dar lugar a la sentida “A través", la mística “Sueño circular” y la oscura “Para qué”, con un coda en donde el bajo de Coca Monte, los sintetizadores de Marín Dejean, la batería de Federico Colella y la guitarra de Breshnev se fusionaron en un mantra sonoro que deja perplejo a cualquiera.
Como si todo esto fuera poco, el segundo cover de la noche fue “Interstate Love Song”, himno de los recientemente reunidos Stone Temple Pilots. Pichu Serniotti, ex – guitarrista de Cabezones y actual cantante y guitarrista de Quedate Así, sumo su guitarra para “Rara puerta” y Luis Volcoff, productor artístico de Vetamadre y bajista de Quedate Así, se adhirió para “Ruido del mundo”, “el tema que tal vez más les gusta”, como comentó Coca Monte.
“Nada el tiempo” fue el tema encargado de cerrar la noche y de dejar a todos los presentes con ganas de más. Las luces del local se prendieron, para dejarnos en claro que el recital terminó. Cada uno marcha a su destino, aunque con una imagen atípica: la mayoría refregándose las manos con alcohol en gel.

A continuación un video de "Ruido del mundo" en vivo en Niceto Club:


viernes, 3 de julio de 2009

Cambia, todo cambia

Las tecnologías avanzan y el mundo de la música no se queda afuera. Mp3, Myspace, Itunes y derechos de autor en la era digital.

RENOVACIÓN. Los Ipods, símbolos de una nueva era.

Ninguna persona de más de 60 años hubiera imaginado que existiría algo como Internet, ni que esos discos de vinilo que escuchaban en sus tocadiscos hoy son como dinosaurios para sus nietos. De la rockola al Myspace, del vinilo al mp3, de la radio Spika al Ipod, la difusión y los soportes de transmisión de música han variado drásticamente en la última década.

Los números hablan por sí solos. En lo que va de 2008 se llevan vendidos 12.692.633 discos, casi diez millones menos que en 1998; 90.000 son los reproductores de mp3 que se llevan vendidos a lo largo del año, sin contar los 5000 que se venden de manera ilegal y más de 115 millones son los usuarios activos registrados en Myspace alrededor de todo el mundo.

“Creo que Internet es un medio enorme para que la música se conozca y para mi es muy importante que mi música llegue, que no tenga fronteras”, comenta Florencia Ruiz, una referente de la escena under porteña. El sitio Myspace es uno de los principales precursores de una “música sin fronteras”, ofreciendo la posibilidad de mostrar sus canciones y promocionar sus obras de manera gratuita para todo el mundo. Pero no es sólo un reproductor de música virtual, también ofrece un mail propio para comunicarse entre usuarios, la posibilidad de crear un blog personal y espacio para subir videos y fotos.

“El Myspace favoreció a una mayor exposición y Youtube también. Hay un montón de gente que ahora puede difundir sus obras gratis por Internet. Creó una escena, virtual, pero una escena de la que todos pueden ser parte y eso es genial” opina Juana Chang, cantautora porteña. Andrés Centrone, baterista del grupo Boreales, disiente con Ruiz y Chang: “No creo que aumente la exposición, por ahí la facilita, pero al haber tanta demanda de bandas no se termina de escuchar de verdad una obra en su totalidad como en un disco. Se tiene todo para no tener nada”.

Hoy en día, Myspace pasó a ser vital en cuanto a la difusión de los artistas. Desde los que tocan en estadios a los que ensayan en el garage de su casa tienen uno. El fenómeno creció tanto que las principales compañías discográficas llegaron a distintos acuerdos con los dueños del sitio para crear páginas oficiales en Myspace del catálogo de cada disquera con una promoción y difusión mayor que la del resto.

Tampoco faltan los casos de artistas completamente desconocidos que llegaron a un contrato discográfico y, consecuentemente, a la fama de la noche a la mañana gracias a Myspace. Las últimas revelaciones del rock y el pop internacional, como Lily Allen o los Arctic Monkeys, son una muestra de ello.

¿MP3 es cultura?

El vertiginoso descenso de la venta de discos y el furor del download son dos sucesos que tocan al músico muy de cerca. Las multinacionales desesperan sin saber que hacer para frenar la descarga de canciones por Internet, pero ¿los artistas qué piensan al respecto? “Negarse a Internet es negarse a algo irremediable. Y más allá de ideologías o posturas, la red es una herramienta”, señala Martín Kraut, bajista de Carmensandiego. Fede Cabral, cantante de Sancamaleón, ve a esta movida como algo natural: “yo me bajo discos, la gente también lo hace”. Por otra parte, Florencia Ruiz asegura no haber caído bajo las fauces del gigante tecnológico. “Nunca bajé nada de Internet. Dos de mis discos se venden en la red y los demás los podes encontrar para descargarlos gratuitamente. Yo no los subí pero no puedo luchar contra eso.”

El 10 de octubre de 2007, el grupo inglés Radiohead marcó un antes y un después en la historia de la industria musical. La banda ofreció su disco “In Rainbows” para bajar desde su sitio oficial al precio que cada uno quisiera ponerle. “Estoy a favor de la distribución gratuita, no sé si pueden hacerla todos los artistas, pero es decisión de cada uno y me parece genial que se abra la cancha y artistas como Radiohead dejen que la gente decida el precio de su obra”, sostiene Srta. Carolina, cantautora porteña. También desde Inglaterra, Prince decidió lanzar su último disco gratis con la entrega dominical del diario “Mail on Sunday”; el grupo Nine Inch Nails lanzó un disco séxtuple instrumental por Internet y la lista sigue en aumento.

En Argentina, los artistas consagrados se ven más reacios ante estas nuevas tecnologías. “Comprar un disco no es burguesía, ¡es dignidad!”, dispara Andrés Calamaro en una entrevista para la revista Rolling Stone. Por otra parte, artistas como Luis Alberto Spinetta también se apegan al formato clásico aunque no le dan la espalda al nuevo fenómeno. “El mp3 es una rebaja en la calidad sonora y a la vez tiene la virtud de que cuenta con suficiente calidad para que escuches una gran cantidad de material instantáneamente. Tiene tantas virtudes que no sé qué contra se le puede encontrar”, opina el “Flaco”.

En este aspecto, la nota la dan los artistas emergentes, como el caso de la banda Hamacas al Río, que ofrece gratis su último EP “Un pequeño relato” a través de su sitio oficial, con la curiosa posibilidad de elegir entre cuatro opciones para la tapa del disco, entre ellas, una por el reconocido dibujante Liniers. Otra banda que se sumó a esta “nueva ola” es Panza, que también brinda su último EP “Pequeños Fracasos” del mismo modo.

Uno de los principales temas de debate acerca de la transferencia de música por Internet es si debiera tener un costo o ser gratuita. Andrés Centrone cuenta que personalmente prefiere el formato tradicional del disco antes que estas nuevas formas, de todas maneras, está de acuerdo con la distribución sin fines de lucro. “La idea de la música gratis me parece bien, los discos siguen estando caros.” Tajante y apocalíptico, Cabral remata: “Los discos no se venden más”.

Pero no todo el mundo esta de acuerdo con el concepto de “música gratis”, principalmente, las discográficas. La Asociación para la Protección de los Derechos Intelectuales sobre Fonogramas y Videogramas (APDIF) demandó a varios usuarios de programas p2p (softwares que permiten descargar archivos de otros usuarios y compartirlos entre ellos) como Kazaa, LimeWire o Emule. El daño estaría basado en el hecho de compartir los archivos con otros usuarios y así conformar una red interminable de transferencia de archivos ilegales. Ilegales por tener todos los derechos reservados y de este modo, prohibida su préstamo o cualquier otro uso no autorizado, siendo los artistas más bajados en su gran mayoría, los pertenecientes a las principales discográficas como Sony-BMG, Universal o EMI.

Como solución a estos problemas, Lawrence Lessig, profesor de derecho en la Universidad de Stanfordy especialista en ciberderecho, fundó la organización sin fines de lucro Creative Commons (CC). El objetivo de Creative Commons es dar la posibilidad de registrar distintos productos bajo “algunos derechos reservados” en vez del “todos los derechos reservados” que ofrece el copyright clásico. Algunas de las propiedades de la licenciatura CC son la citación de las fuentes de los contenidos obligatoriamente, la imposibilidad de recibir alguna bonificación económica para quien haga uso de contenidos bajo esta licencia, y la posibilidad de compartir y descargar archivos sin ningún problema legal. Trent Reznor, líder de Nine Inch Nails, fue uno de los primeros en licenciar su disco “Ghosts I-IV” bajo CC, y de este modo la ONG consiguió tener un renombre internacional. El proyecto se expandió mundialmente con la creación de Creative Commons International, en dónde se quiere traducir las licencias a distintos idiomas para así adaptarlas a cada país. En la actualidad cuenta con 48 países con las licencias traducidas (entre ellos Argentina) y con más de 70 países interesados en empezar dichos trámites.

Pero a pesar de estas innovaciones en lo que respecta a los tipos de licencia posibles, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) cobra distintos aranceles por el uso de música en Internet ya sea descargable o no. Sin ir más lejos, SADAIC le cobra a los propios artistas por usar música como ambientación de su propio sitio web con los siguientes aranceles: 3 pesos por un mes, 17 pesos por 6 meses y 31 pesos por año. En el caso de los artistas que pongan sus canciones para descargar deberán abonar un 10% más IVA del precio de venta del mp3. En otras palabras, los artistas que ofrecen gratis sus canciones desde su sitio web deben pagar por regalar su obra.

En Argentina, la venta de música en formato digital no logró instalarse en el mercado de la misma manera que en Estados Unidos u otros países de Europa. Según los últimos datos de la consultora de mercado NPD Group, la empresa Apple vendió a través de su programa Itunes más de cinco billones de canciones. Además de tener el record de ventas, contiene el catálogo de canciones más grande con más de ocho millones de temas. Un verdadero magnate virtual. En Norteamérica se logró introducir una cultura de consumo de música vía Internet legal, una veta que en el país todavía no fue explotada.

A escala nacional, la venta de música digital es ínfima en comparación con Itunes. Sitios como 10música.com ofrece la venta de mp3 pero no llegan ni a un mínimo por ciento de las ganancias que se logran en otros países.

A su vez, sitios como Taringa.net, en donde cada usuario comparte lo que quiere libremente y lo publica en la página disponible para descargar, crecen de manera exorbitante cada día. Tanto es así, que llevan más de un millón de usuarios registrados, sin tener en cuenta que las publicaciones en Taringa son accesibles para cualquier persona que navegue por la red, lo que lleva a una cantidad de usuarios imposible de contar.

Por otra parte, hay quienes buscan darle otra vuelta a la industria pero manteniendo el disco como soporte. Ese es el caso de Leo García, que decidió editar una serie de diez discos de seis canciones cada uno para regalar en cada lugar que se presente en vivo. Su objetivo es crear un box-set que reúna todos los discos para luego venderlo en las disquerías. Toda una revolución para el mercado nacional desde el ya mítico disco quíntuple de Andrés Calamaro, “El salmón”.

Otros que no se quedaron fuera de esta revolución tecnológica son los Babasónicos. Fieles a las vanguardias, el grupo innovó en la industria lanzando su último disco “Mucho” por celular. El álbum venía cargado en formato mp3 con la compra de los teléfonos de Motorola W5 y Z6 afiliados a la empresa Personal.

Tal vez por ahora, como sostiene Manza Esaín, productor mítico del under porteño y cantante y guitarrista de Valle de Muñecas, sólo “hay que aceptar” los recursos que brinda Internet. Al fin y al cabo “es el signo de los tiempos, y no se puede ir en su contra, sólo aprovechar los beneficios”.

sábado, 6 de junio de 2009

Oído de músico: Flopa

La cantautora por excelencia del indie local nos cuenta todo sobre sus gustos musicales. De The Smiths a Caetano Veloso, su primer recital y las siempre presentes siglas: MP3.


Flopa (Florencia Lestani) en sus canciones nos muestra sin tapujos su interior. Amor o desamor, felicidad o tristeza, la música habla por sí sola y nos transmite lo que ella es. En esta ocasión, no son las canciones sino la mismísima Flopa, quien se abre pero para contarnos qué anda dando vueltas por sus oídos.
La cantautora afirma que Caetano Veloso le "abrió la cabeza para escuchar música que no era necesariamente rock", rememora su primer recital - The Cure en el estadio de Ferro "con trifulca y todo" - y confiesa que "la gran mayoría de la música que tenía era grabada. Igual que ahora, sólo cambió la sigla TDK por MP3".


-¿Cuál es la banda o solista qué últimamente más escuchás?
- Estoy escuchando mucho Arnaldo Antunes y The Byrds. También a Juan Ravioli y a Pez, que acaban de sacar sus discos y los tengo ahí girando.

-¿Qué banda o solista te marcó en tu vida?
-Varios. En la infancia, Serrat y Nino Bravo. De adolescente fui muy fanática de The Smiths y The Cure, que los acá en Ferro. Fue mi primer recital, no me lo olvido más, con trifulca y todo. Y después, Caetano Veloso fue otro gran clic, me abrió la cabeza a escuchar música que no era necesariamente rock.

-Si fueras una canción, ¿cuál serías?
-Sería... ¡Popotitos! Doy con el fisic to rol, de una.

-¿Cuáles son las cinco canciones que más te gustan?
-Hoy se me antoja un listado al estilo de “esa vieja música de locos”. "Heatwave", un clásico de Motown del sesenta y algo. Una canción que levanta muertos, con versiones muy conocidas de Martha Reeves and The Vandellas y de The Jam. Otras canciones son "Victoria" deThe Kinks, "The One I Love" de REM, "Somegirls Are Bigger Than Others" de The Smiths y "You Don´t Know Me" de Caetano Veloso.

-¿Cuál fue el primer disco que te compraste?
-Comprado original en casette, creo que fue The Head on the Door de The Cure. La gran mayoría de la música que tenía era grabada. Igual que ahora, sólo cambió la sigla TDK por MP3.

-¿Cómo armarías tu banda ideal?
-Es grande la tentación de resucitar muertos para esta prenda, habiendo tantos vivos e igualmente imposibles, ¿no? Haría un cuarteto con Johnny Marr, Mick Harvey y Dante Salvador.

A continuación, un video de "Los días por llegar" en vivo en el FestiPez:

martes, 19 de mayo de 2009

Oído de músico: Srta. Carolina

La cantautora nos cuenta sus gustos musicales con lujo de detalles. Sus bandas nuevas favoritas, algunas recomendaciones y su fanatismo por Radiohead.


Sincera y sencilla. Así es Carolina Pacheco y un relfejo de ello son sus palabras. "Que la vida traiga a quien traiga y tocaremos", opina la cantautora. Tampoco la vida trajo a cualquiera, ya que no todos tienen la oportunidad de grabar una canción con un artista al que uno admira , como en su caso fue Gabo Ferro. "Es un poeta y es muy coherente. Sencillamente, me encanta", sostiene Pacheco acerca del músico.
La cantante confiesa que si fuera una canción "desearía ser Barro tal vez" y considera que Muse es la única banda que le "rompió la cabeza" de este último tiempo.

-¿Cuál fue el último disco que te compraste?
-Hace poquito me compré Years Of Refusal de Morrissey.

-Si tendrías que recomendarle alguna banda a alguien, ¿cuál sería?
-Hace poco recomendé en mi facebook a Sia. Es una cantante australiana que muchos ya habrán escuchado sin saberlo, porque participó como una de las voces en todos los discos de Zero7. Tengo sus dos LPs en mi mp3 y no paran de sonar. Vale la pena, además de tener una gran habilidad con la voz, es su onda y sus composiciones lo que me atrapan. Y de acá, soy completamente enferma de La Cosa Mostra, son sanguíneos y me provocan algo inexplicable, además hacen algo que no está haciendo nadie. Quien aún no haya ido a un show suyo, se está perdiendo de algo importante.

-¿Cuál es la banda o solista qué últimamente más escuchás?
-Ahora estoy descubriendo a Soulwax que es genial para antes de salir, y estos días volví a Mentre Tutto Scorre, segundo disco de Negramaro, una banda italiana tipo Incubus que a pesar de su "popismo" me fascina.

-Si fueras una canción, ¿cuál serías?
-Uh que jodido. Como desear, desearía ser Barro tal vez (de Luis Alberto Spinetta), lo que dice es lo que me pasa. Pero no me puedo autodefinir con una, a menos que sea una mía.

- ¿Cuáles son las bandas internacionales y nacionales que más te gustaron en este último tiempo?
-De lo más nuevo no hay mucho que me rompa la cabeza. Lo más cercano a eso es lo que me pasó hace un par de años con Muse, que me parece que es lo que más va a perdurar de las bandas nuevas, porque son simplemente grandiosos. Sus discos, y lo que hacen en vivo. Los vi en el Gran Rex y es zarpado. De acá, Gabo Ferro es alguien a quien escucho de forma distinta cada vez, porque tiene belleza en la estética sin perder el contenido. Lo admiro, es un poeta y es muy coherente. Sencillamente, me encanta y disfruto escucharlo.

- ¿Con qué banda o solista te gustaría tocar?
-Soy partidaria de la promiscuidad musical. Que la vida traiga a quien traiga y tocaremos.

- Si tendrías que definir la música con un artista, ¿cuál sería? ¿Por qué?
-Sería Radiohead. Porque son suficientemente consistentes sin perder apertura. Porque se renuevan pero tienen personalidad. Porque son profundos con una forma bella, estéticamente equilibrados pero poderosos. Porque siempre se animaron a evolucionar. Porque no les importa nada y no necesitan ser agresivos hacia el público o la prensa para demostrarlo.

A continuación un video del tema "Invierno" en vivo en el Centro Cultural de la Cooperación:

jueves, 14 de mayo de 2009

Oído de músico: Fede Cabral, de Sancamaleón

El cantante se abre y nos cuenta que música anda dando vuelta por sus oídos. Sus bandas preferidas, los mejores recitales a los que fue y sus ganas de tocar con todos en el rock.

Los estilos que toca Sancamaleón van desde el hardcore a la samba, pasando por el funk y el ska. Así de variados también son los gustos de Federico Cabral, su cantante, quien cuenta que escucha desde Gustavo Cerati a Bob Marley.
El cantante nos confiesa qué lo llevó a ser músico y considera que "Radiohead definió la última década". "Acá la vanguardia esta en Babasónicos y en la canción popular de la mano del Gran Andrés", dispara Cabral.

-¿A cuál fue el mejor recital que fuiste o cuál te marcó más en especial?
-Vi muchos y muy buenos shows, tanto de afuera como de acá. Podría nombrarte el de White Stripes en el Luna, que fue rockerisimo, retro y futurista. Lo mismo el de Radiohead, fue hermoso; con Bjork hace unos años también. De acá shows de Babasónicos, Illya Kuryaki and the Valderramas o La Vela. Todos estos en Cemento hace muchos años, una locura, y... es lo que me llevó a ser músico.

-Si tendrías que recomendarle alguna banda a alguien, ¿cuál sería?
Muchísimas cosas, hay mucha música. La última que vi y me encanto fue Les Mentettes, de Argentina.

-¿Cuál es la banda o solista qué últimamente más escuchás?
-Últimamente me copé mucho con los discos de Keith Richards solista. En los ultimos años siempre escuché mucho a Radiohead, Cerati y Bob Marley.

-Si fueras una canción, ¿cuál serías?
-Últimamente me copé con el tema "19" de Horvillieur, sería una buena canción para mí: modernita y sentimental (risas).

-¿Cuáles son las bandas internacionales y nacionales que más te gustaron en este último tiempo?
-Radiohead definió la última década. También me gustan mucho Los Strokes, Jack White en todos sus proyectos. MGMT es un bandón, su disco es bellísimo. De acá creo que la vanguardia está en Babasónicos y en la canción popular de la mano del Gran Andrés.

-¿Con qué banda o solista te gustaría tocar?
-Con los Baba seria genial. Con Catupecu o con Calamaro también. Hace poco Sanca tocó con Massacre y fue genial. ¡Con todos ! ¡Quiero tocar con todos!

A continuación un video en vivo de "Sambódromo", de Sancamaleón:

viernes, 1 de mayo de 2009

Un porvenir urgente y visceral

El porvenir es el undécimo disco de Pez. Canciones eléctricas que cumplen pero no sorprenden.

EN VIVO. Pez mostrando todo su potencial en el escenario.

La identidad es un rasgo muy difícil de mantener durante una carrera artística y Pez es una de esas bandas que hace más de quince años lo viene logrando con creces. Algo nada simple, más siendo una banda de sonidos tan diversos.
Dentro de ese eclecticismo, El porvenir es un disco que vuelve un poco a las raíces más punk de la banda comandada por Ariel Minimal, guitarra y voz del grupo. Mantiene vivas algunas cenizas de su álbum anterior, Los orfebres, pero desde un lado más urgente, más veloz.
El disco comienza a toda velocidad con dos de los puntos más altos del disco, "Porvenir" y "Roma". "Refugio" gira la dirección del álbum con un sonido más melódico que termina estallando en ese choque de guitarra y teclados a cargo de Pepo Limeres.
Desde "Quiebran" a "Saben" se suceden cinco canciones cortas, rápidas y concisas, en donde Pez descarga su sonido más visceral. Menos cuelgue psicodélico, pero más vacío de canción.
"Alada" llega para romper con este bloque de distorsión con una canción de corte jazzera, al mejor estilo "Al espacio", de su genial disco Hoy. Le sucede "Volverán", con un solo de guitarra donde la batería de Franco Salvador y el bajo de Fósforo García suenan como si fuesen tocados por mil hombres.
El porvenir es un disco que cumple pero no sorprende. Mantiene un sonido netamente eléctrico, ese que tanto le gusta a sus fanáticos más acérrimos. Rockea como Pez bien sabe hacer, pero eso a esta altura ya no es ninguna novedad, porque el rock es su identidad.

Lista de temas:
1- Porvenir

2- Roma
3- Refugio
4- Quiebran
5- Eyéctenlo
6- Conciencia
7- Saben
8- Alada
9- Volverán
10- Desconectado
11- Tratando
12- Sueño


Los más destacados: Volverán - Roma - Porvenir - Alada


A continuación un video en vivo en La Trastienda de "Roma":



jueves, 26 de marzo de 2009

La perfección de lo imperfecto

Radiohead tocó en vivo el pasado martes para 35 mil personas en el Club Ciudad de Buenos Aires como apertura del Quilmes Rock'09.


Fueron dos horas que parecieron eternas, dos horas que quedarán para siempre en la mente de las 35 mil personas que estábamos en ese momento. Ese momento en el que todas las voces se volvieron una sola, en el que cada sonido que salió de la garganta de Thom Yorke se convertía en el himno de nuestras vidas.

Fue una noche más para algunos, y la noche de nuestras vidas para otros. Desde la percusión inicial de "15 Step" que el corazón entró en taquicardia. Cuando el riff de "Airbag" se apropió por nuestros oídos se hacía imposible no saltar, con la seguidilla de "Kid A" y "Karma Police" empezamos a dudar si lo que estábamos viviendo era realidad. Si ese que estaba ahí, moviéndose y cantando como un esquizofrénico era Thom Yorke, si el que estaba a su derecha usando una guitarra como si fuese un cello era Jonny Greenwood, si aquel que estaba saltando en el fondo con el bajo era su hermano, Collin, si el que estaba tocando una infinidad de pedales y efectos era Ed O'brien, si ese pelado que mantenía el ritmo en la batería como un reloj suizo era Phil Selway.

"The National Anthem" fue una descarga eléctrica directa a nuestros cerebros. Con esa línea de bajo demoledora liderando la canción y la voz de Yorke luchando contra ese mar de sonido que logran estos cinco mortales. "Street Spirit" fue el primer climax de ese viaje que emprendimos desde que pisaron el escenario del Club Ciudad de Buenos Aires con esos arpegios que dan escalofríos y ese estribillo que se convirtió en rezo. El viaje tomó un giro radical con "Idioteque", donde el predio se convirtió en una pista de baile por unos minutos.

Todo era perfecto, hasta esas palabras que a veces son en vano. "Esto es un sueño hecho realidad", sostuvo Ed O'Brien, antes de dedicar "How To Dissapear Completely" para las "personas que fueron torturadas y que desaparecieron" por causa de los golpes militares.

Cuando todo parecía demasiado, llegó "Paranoid Android" para romper con cualquier esquema. Definitivamente, el segundo gran climax de la noche con el público haciendo las veces de coristas para que Thom se luciera en este tema épico de la banda de Oxford. Luego de "Reckoner", con su excelente simbiosis de percusión y ese arpegio punzante, apareció "Planet Telex", tal vez la sorpresa más grande del recital ya que fue la primera vez que la hicieron en la gira, y hasta hoy la única.

Y si es que algo faltaba, llegó en el final. "Everything In It's Right Place" y "Creep", ESE tema que nunca pensábamos que iba a volver a ser tocado en vivo.
Radiohead es eso. Es espontaneidad, asombro, fuerza, electricidad, nostalgia, melodía, ruido. Radiohead es la perfección de lo imperfecto.

A continuación, el video de "Karma Police" en vivo en Argentina:

jueves, 19 de febrero de 2009

La escena under por sus artistas: El mató a un policía motorizado

Santiago, bajista y cantante de El mato a un policía motorizado, opina de lo que es ser un artista independiente. Internet, multinacionales y la vigencia del disco.

AMOR PLATÓNICO. "Queremos dar un mensaje para que no se pierda el amor por el disco", sostiene Santiago.


El mató a un policía motorizado, es de las bandas indies mas halagadas por la prensa local de estos últimos tiempos y bien merecido lo tienen. Desde 2003 vienen encaminando un ascenso que no encuentra techo con un rock crudo, de guitarras bien al frente y distorsionadas. Los motorizados hacen lo que quieren y cuando quieren. Desde la ciudad de las diagonales para todo el mundo.

¿Cuáles son para vos los pros y los contras de pertenecer a un sello independiente?
Las contras son que es mucho, pero mucho trabajo. De todas maneras, lo bueno es que sos tu propio jefe, haces lo que querés y cuando querés.

¿Cuáles serían las principales cosas que crees que se deberían cambiar de un sello multinacional?
Deberían dar total libertad a las bandas. Pero bueno, son empresas y lo que buscan es hacer negocio rápido y al menor costo.

Una definición de "artista independiente".
Artista libre de hacer cualquier cosa, como quiera y cuando quiera.

¿Crees que hay más oportunidades en el mercado independiente o qué este empezando a haber una mayor exposición de artistas independientes?
Creo que si, con la ayuda de internet como herramienta de difusión, se genera un nuevo espiritu de hacer las cosas. Ahora, como sea, sin esperar la ayuda de nadie.

¿Cuál es su postura frente a la distribución de música por internet?
Estamos a favor de venderla o regalarla. Nosotros somos fetichistas del disco, entonces tratamos de defender eso hasta el fin, por eso no subimos nuestros discos. Pero quienes los buscan los van a encontrar por ahí, y esta todo más que bien.

¿Aumenta la exposición?
Nos ayuda mucho, pero preferimos que se genere algun esfuerzo (risas) , aunque sea mínimo, en buscarlo. Igualmente, queremos dar una especie de mensaje para que también lo compren, que no se pierda el amor por el disco en formato real y palpable.

martes, 10 de febrero de 2009

El lado oscuro de un artista

The Empyrean es el noveno disco de John Frusciante como solista. Oscuro, intimista y experimental.

"Para escucharlo lo más fuerte posible y bien entrada la noche". Esa era la carta de recomendación que el mismo Frusciante ofreció desde su blog... y no queda otra opción que hacerle caso. Se escucha el metrónomo, una progresión de acordes a un volumen bajo, golpe de batería sintetizada, bajo galopante, batería tracción a sangre y finalmente, un solo eterno que le da un final casi perfecto a la canción. Algo así es "Before The Beginning", el primer tema de The Empyrean, su noveno disco de estudio como solista.

Desde el vamos Frusciante invita a dejarse llevar por las melodías, a olvidarse de todo e introducirse en su música. "Song To The Siren" confirma estas palabras, con la voz de Frusciante envuelta en un mantra de sintetizadores y piano con una leve guitarra acústica de fondo. "Unreachable" y "God" le dan un giro al disco, inyectándole un poco de ruido (que no pase jamás desapercibido el solo final de "Unreachable", una de las mejores muestras psicodélicas que el músico haya dado).

Con "Dark/Light", el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers logra envolvernos y llevarnos lejos a través de esos coros interminables realizados por The New Dimension Singers, junto a unos arreglos de cuerdas interpretados por el Sonus Quartet, que de aquí en más serán pieza clave en todos los temas restantes. "Heaven" sigue la misma dirección, para dar paso a la seguidilla de "Enough of Me" y "Central", ambos con la colaboración de Johnny Marr, ex The Smiths, en guitarras.

"Enough of Me" nos despierta de ese trance en el que nos embarcamos a partir de "Dark/Light". Nos engaña al principio con una intro envolvente para darnos un sacudón de guitarra eléctrica, que termina en el mejor solo de todo el disco: dos minutos de distorsión al mango a través de una escala deforme que nos deja listos para lo que viene.

Lo que viene es lejos el mejor tema del disco. Melodías, arreglos de cuerdas, solos de guitarra, distorsión, pianos y sintetizadores varios, y sobre todo ROCK. "You've to feel your lines (tenés que sentir tus líneas)" repite sin cesar Frusciante en el final de la canción, con "Central" si que podemos sentir las de el.

Y si hay algo que marca al disco es su carácter envolvente, intimista y oscuro. Así son las canciones elegidas para finalizar la obra, "One More Of Me", con el registro de voz más grave que Frusciante haya dado, y "After The Ending", ideal para dejarnos colgados en ese viaje, sin ganas de bajar.

El cantante y guitarrista se muestra en The Empyrean como un artista maduro, sin miedo a los cambios, con letras introspectivas y dispuesto a llevarnos, aunque sea por unos minutos, a ese lugar que sólo las canciones saben guiarnos.